L’article contient plusieurs éléments en anglais et je vous invite à utiliser DeepL si besoin de traduction.

P.T.

Tout débute avec P.T. (Playable Teaser), lâché en 2014 sous la bannière « 7780s Studio » sur le Playstation network. Présentée comme une démo pour un jeu d’horreur à venir, celle-ci s’avère être un teaser pour Silent Hills. Un nouvel opus pour la saga éponyme (sans le S de fin) engageant Konami, Kojima productions, Norman Reedus et Guillermo Del Toro.

Le sort en décidera autrement pour ce jeu. En effet, Kojima est annoncé sur le départ avant la sortie d’MGSV. Malgré l’excellent accueil de P.T, Silent Hills disparaît dans le sillage de son créateur. Seul ce couloir hante encore les esprits de chacun. Plus tard, Konami fera retirer la démo du Playstation Store réduisant en cendres tout le travail accompli.

Si Silent Hills n’est jamais sorti, P.T. a su transmettre un héritage à l’horreur vidéo ludique. Le mystère complet qui l’entoure à son arrivée est partie intégrante du succès de la démo grâce au fait que cela empêche le joueur d’accéder aux intentions de son créateur.

Horror is not scary if you watch it from a creator's perspective. It's the script, the direction, the writing, the editing, the modeling, the makeup, and the sound. It's the movies that don't let you do that that scare me.

— HIDEO_KOJIMA (@HIDEO_KOJIMA_EN) October 13, 2021

But unknown foreign horror films were scary as hell as it lacks info. I intentionally aimed the lack of info to gain fear for "PT".

— HIDEO_KOJIMA (@HIDEO_KOJIMA_EN) August 13, 2014

PT was aimed for a pure horror to experience the terror that u can't fight against.

— HIDEO_KOJIMA (@HIDEO_KOJIMA_EN) August 16, 2014

Par conséquent, P.T. est conçu comme un puzzle horrifique prévu pour tenir une semaine. Mais il n’a fallu que quelques heures aux joueurs pour en percer le secret.

Une idée lancinante

Des cendres s’élèvent des braises. L’absence de Silent Hills a charrié avec elle de nombreuses rumeurs au fil des ans. Certaines plus crédibles que d’autres, comme ces infos partagées par Alanah Pearce.

I heard that Silent Hills would require you to sign a waiver before playing because it would somehow interact with your real-world self, like by sending you emails or text messages as characters from the game even when you weren’t actively playing. https://t.co/aWezrmYA7v

— Alanah Pearce (@Charalanahzard) November 19, 2019

Ainsi, le jeu aurait donc prévu des systèmes plus intrusifs mais aussi immersifs. SMS, Mails, … Autant de moyens de briser le 4e mur, une marque de fabrique pour Kojima.

Les échos de ce jeu se font entendre par intermittence au fil des ans et 2019 fut une année assez prolifique en rumeurs. En effet, il se murmure que le créatif Japonais aurait pu collaborer avec Stadia pour un jeu horrifique épisodique.

Thanks Jade Raymond for visiting our studio. 👍🌈😍 pic.twitter.com/E0dKuf6szE

— HIDEO_KOJIMA (@HIDEO_KOJIMA_EN) July 25, 2019

Si l’on peut croire que des discussions ont eu lieu, il est également sain d’accepter la clarification de Stadia selon laquelle aucun projet n’était en cours. L’oiseau de feu est à nouveau réduit à l’état de cendres. Mais cela laisse malgré tout planer un soupçon quant à la survie de ce projet de jeu d’horreur. Surtout quand ce dernier évoque les changements à venir, portés par le cloud gaming.

With the announcement of Google’s cloud game, there will be no dedicated game console at hand, and if you have a display, you can play a full-fledged game with streaming. Viewers watching people play on YouTube will be able to join the game as they are. But this is only an introduction.

Hideo Kojima – itw à Nikkei

Un point de vue partagé par Nicolas Winding Refn lors d’un entretient aux Comic Con 2019.

C’est en novembre, quelques jours après la sortie de Death Stranding, que Kojima devient plus explicite et évoque directement un projet à venir.

It’s a game, but also a movie … no, I’m starting to say it! Right now, you can broadcast Esports and people watch it. What’s the next step? A creator creates a game, someone plays it, and in the future the viewers could become creators, too. I can’t say more than that.

Hideo Kojima – itw à The Guardian

On le voit, ce concept vit et meurt depuis l’ère Konami. Comme une envie inassouvie. Un jeu qui est également un film ou une série. Quelque chose que seul le streaming via le cloud pourrait permettre.

Le phénix renaît de ses cendres

C’est aux TGA 2023 que Kojima nous présente OD. Une bande-annonce mystérieuse qui met très largement en avant les modèles MetaHuman de ses 3 nouveaux acteurs que sont :

• Sophia Lillis
• Hunter Schafer
• Udo Kier

Une vidéo plutôt banale aux premiers abords, mais qui gagne à être observée en détail. La première chose à noter est cette, image :

On y aperçoit la silhouette de Sophia Lillis qui n’est d’ailleurs pas sans rappeler les premiers teasers de DS2.

Mais il y a également une image plus difficile à distinguer sur le bord droit de l’écran. Un ajustement sur un logiciel photo permet de le mettre en avant :

Il semble s’agir d’une IRM cérébrale (imagerie par résonance magnétique) en coupe coronale. Mais la première chose qui vient à l’esprit est donc ce menu de P.T. qui nous permet de changer la luminosité.

L’IRM disparaît rapidement puis laisse place au modèle facial de Sophia Lillis quand la lumière s’allume. Si l’on transpose P.T sur ce trailer, on peut donc imaginer qu’un réglage de luminosité a été effectué. Ainsi, une fois ce réglage fait, la personne capturée doit réciter un pangramme qui permet une capture exhaustive des expressions du visage.

Nous pouvons voir que dans ses yeux se reflètent les projecteurs qui éclairent le modèle, mimant la capture réelle de l’actrice. Il en sera de même pour Hunter et Ugo.

MetaHuman

Il est important à ce point que je vous rappelle au souvenir d’une présentation des dernières avancées de la technologie MetaHuman.

Il est bel et bien possible de capturer un visage et ses mouvements avec un téléphone. Si je vous montre cela, c’est que le trailer pour OD est potentiellement l’entrée du jeu durant laquelle nous pourrions nous scanner avec notre téléphone.

Nous verrions alors, depuis les images tirées du jeu, le processus qui permet de capturer nos visages. Autrement dit, ajuster la luminosité et réciter le pangramme face à la caméra d’un téléphone.

Cette capture MetaHuman fait sens avec le logo du jeu lui-même.

Une image distordue par des aberrations chromatiques qui mime la traversée par le joueur de la frontière qui existe entre la réalité et le jeu : l’écran.

Si OD est bien un jeu cloud alors le support de diffusion n’a pas d’importance pour le rendu du jeu. C’est de cette manière que ces visuels impressionnants peuvent tourner sur tout support disposant d’une connexion suffisamment puissante.

Lors d’une interview à J-Wave Radio en 2022, Kojima avait détaillé un peu son projet plus radical qui s’avère être OD.

If the era hasn’t come it won’t work (In terms of the market and hardware available)

Hideo Kojima – itw à J-Wave radio et rapporté par Genki

Cette ère, dont il parle, est bien celle de la 4G ou 5G et du cloud.

OD : OVERDOSE

En 2022 une vidéo d’un jeu nommé Overdose avait fuité sur Internet montrant des phases de gameplay « streamées ». Je ne vais pas partager la vidéo ici par respect pour Kojima Productions, mais ce que nous avons vu est une interface de jeu qui contient le stream d’une joueuse capturant ses réactions.

Quelque chose que l’on peut déjà trouver, en intentions, à la fin du trailer de P.T. en 2014.

Before was the era of playing games on the couch and at home, later with the PSP it became portable so you can play with everyone, then you could connect online, this is beyond that.

Hideo Kojima – itw à J-Wave radio et rapporté par Genki

Ce que l’on voit grâce à l’image qui se reflète dans les yeux du modèle de Sophia Lillis est donc une réaction au gameplay. Une réaction au jeu auquel elle joue, filmée et rendu via MetaHuman. Une OverDose de peur qui vient du jeu en passant par la réaction du joueur, jusqu’à nous le spectateur. La peur de la peur, qui se transmet comme une épidémie.

Une nouvelle forme de media

S’il est évidemment très difficile de connecter tous ces éléments, nous pouvons d’ores et déjà tenter de comprendre. L’intention serait de traverser de façon très directe la frontière entre jeu et réalité, mais également entre jeu et film.

« A creator creates a game, someone plays it, and in the future the viewers could become creators, too.« 

Hideo Kojima – itw à The Guardian

Laissons-nous un peu à imaginer un jeu créé par Hideo Kojima, Jordan Peele et bien d’autres. Un jeu dans lequel nos trois acteurs seront scannés. Ce scan devient méta et c’est ce que le trailer montre. Une fois scanné le jeu commence et chacun peut streamer sa partie. La partie devient donc un film pour des spectateurs qui peuvent également suivre les réactions du joueur grâce à son MetaHuman. Peut-être que les spectateurs sont eux même scannés et font partie d’un lobby où leurs expressions sont également partagées ? Et peut-être également que ces spectateurs sont capables d’interagir avec le film du jeu? Peut-être que la caméra peut détecter la peur chez tout ce monde et créer le game-over du joueur ? GAME OVER, OVERDOSE.

OD explores the concept of testing your fear threshold, and what it means to OD on fear – while blurring the boundaries of gaming and film.

Conclusion

OD est probablement un jeu sur la place de l’anticipation qui réside dans la peur et la façon dont celle-ci est contagieuse. Un jeu dans le cloud où chacun devient le sujet du film de son expérience, observé par des inconnus. Un jeu et un film. Ou bien ni l’un ni l’autre. Une expérience surconnectée qui peut très bien faire écho aux thématiques abordées dans Nope, l’un des derniers films de Jordan Peele.

Beaucoup de découvertes ont été réalisées entre temps comme l’incrustation de lettres formant le mot ATAMI (une ville de la préfecture de Shizuoka, un autre écho à P.T. et Silent Hill), ou encore les marques déposées récemment par KJP. Je pense que ces éléments se connectent à tout ce que j’ai énoncé assez facilement et donc je ne développerai pas.

De toute façon, il est bien trop tôt pour conclure, mais j’espère vous avoir donné de quoi réfléchir jusqu’à la prochaine annonce de Kojima Productions.

L’article Le phénix de Kojima est apparu en premier sur light01C.

L’ensemble est relativement classique, mais donne un peu de vision sur les projets en cours du studio. Je vous propose ici de décrypter une partie de cette entrevue qui nous permettra de mieux comprendre les enjeux de cette suite et comment l’on passe de Death Stranding à DS2.

Comme d’habitude, l’article contiendra des spoilers sur les jeux de Kojima et je vous invite à utiliser DeepL si besoin de traduire les citations en anglais.

Death Stranding et la connexion

Humans exist in a physical reality. When I went to America and finally got to hug people again, that feeling (of directly meeting people and coming in contact with them) was just so different. Death Stranding was a story of connecting two distant places, A and B. Like the internet, right? I could have a video call with America, and our two points would connect for that period only. That isn’t something negative on its own[…]

Hideo Kojima

C’est avec un rappel très simple du concept que Kojima démarre son explication. La boucle de jeu principale de Death Stranding consiste à connecter deux points A et B. Comme évoqué au sein d’un article précédent, les trajets effectués dans le jeu peuvent s’apparenter à des projets, que l’on va d’abord réaliser dans l’inconnu puis lentement optimiser. Ainsi, le processus qui a lieu entre deux points A et B est une façon d’imager tout ce qu’une personne réalise quotidiennement.

Par exemple, en me rendant chez mon libraire, je peux découvrir de nouveaux auteurs, écouter la musique qui passe dans le magasin, découvrir de nouveaux lieux sur la route. Mais il est possible de déplier cette vision : chaque musique offre des sonorités qui peuvent me conduire vers d’autres genres ou artistes. Les films font référence à d’autres films ou livres. Nos bâtiments sont chargés d’histoire. Nos jeux vidéos ouvrent milles et unes portes sur toute sortes de mediums en tous genres.

Les ramifications sont infinies et sont autant de « randonnées » qui n’attendent que d’être parcourues. Mais c’est aussi la rencontre du dérangeant, de l’autre qui bouscule, de l’idée qui trouble voir même du conflit. Ces rencontres, qui questionnent, chamboulent, transforment et conduisent à la remise en question.

Une connexion est donc une interaction avec le monde extérieur, guidée par notre curiosité et heurtée à l’imprévu. Et c’est bien dans ce processus, ce trajet conceptuel entre A et B, que réside l’évolution de l’Homme.

[…]humans aren’t stationary animals. We move, and in that process we meet unexpected people, see new things, or even fall over at times. I think that what causes us to evolve as humans is the accumulation of these kinds of unpredictable, happenstance experiences.

Hideo Kojima

Dans Death Stranding, le joueur passe son temps à reconstruire les liens de l’Amérique. Reconnecter Internet, les gens, les savoirs, l’histoire, la vie et la mort. D’un univers cloisonné, nous avons bâti une société qui retrouve sa capacité à favoriser la connexion et donc le foisonnement technique, social et culturel.

Optimisations

Une fois les points A et B connectés, il est naturel que le processus se perfectionne avec le temps et les efforts qui lui sont accordés. Un élève devient lentement un étudiant spécialisé. Une rencontre se solidifie ou s’étiole avec le temps… Les trajets s’optimisent à l’image de Sam et de ses constructions. Nos connexions se renforcent, mais donc, par opposition, fragilisent celles que l’on n’entretiens pas. Certaines connexions se brisent pendant que les autres se solidifient.

Tout est plus rapide dans notre réseau et donc, dans certains domaines, parcourir A->B offre de moins en moins l’occasion de se connecter à d’autres choses tout en transformant le processus même. Par exemple, Internet supprime littéralement le trajet pour aller rencontrer des gens. C’est ici que naissent les craintes d’Hideo Kojima liées au télétravail.

I personally feel a sense of danger regarding the continued movement toward promoting remote work, leaving Tokyo, and minimizing the amount of face-to-face contact required because of the pandemic.

Hideo Kojima

Avec le progrès technique, les façons de se connecter changent. Les nouveaux supports transforment les habitudes et les formats s’adaptent en conséquence pour répondre à une demande toujours plus complexe (livraisons réfrigérées, fragiles, …). Les techniques se standardisent pour produire plus facilement et rapidement (livraisons chronométrées).

The sound of music changed once it started being released on CD instead of vinyl records. You’re able to instantly skip tracks on a CD, so the order of the verses, bridges and choruses in a song began to shift [to engage the listener from the start of the song]. Maybe it’s inevitable that only pleasing works of entertainment will survive as entertainment changes because of the medium, but there is a danger to that as well.

Hideo Kojima

Intelligence artificielle

Dans cet espace toujours plus connecté, rapide et complexe, l’intelligence artificielle est en passe de devenir un outil incontournable. En effet, l’IA est capable de centraliser des accès, des demandes et d’offrir une expérience optimisée à tout celles et ceux qui se connectent. Des robots que l’on rencontre déjà régulièrement sur nos plateformes de divertissements.

I think that sooner or later, we’ll find ourselves in a world where AI is placed between people in order to intermediate, allowing us to interact even without speaking to each other directly. We won’t have to meet people we don’t like or don’t get along with, argue and fight with them, or even make up. When I turn on a smart TV and the first thing I see is a ranking of recommended titles, I get the sense that this trend is starting with the field of entertainment.

Hideo Kojima

De plus en plus, ces machines vont se connecter entre elles et offrir un réseau d’acheminement d’œuvres et de gens, directement chez vous, sur vos écrans. Les recommandations basées sur vos goûts, les lectures automatiques, les œuvres les mieux notées en première page, … Toute action est captée par une IA qui va enregistrer vos préférences, en faire des statistiques pour vous, mais aussi pour tous les utilisateurs. Et plus ces éléments sont connectés, plus l’individu se trouve enfermé dans son univers. Les trajets sont moins fréquents, moins variés, le temps donné à la découverte est plus court, les rencontres disparaissent lentement, … L’utilisateur est guidé par une machine et les connexions se tarissent peu à peu.

Mais c’est encore pire lorsque l’on pense à ces connexions qui nous contredisent et nous heurtent. Avec l’avènement d’un monde ultra connecté, il n’y a plus d’espace pour l’opposition d’idée, pour le dérangeant. Guidé par le plaisir et le confort des suggestions de cette IA, plus rien ne pourra heurter les goûts ou les opinions. Une chambre d’écho statique qui n’abreuve son utilisateur qu’avec ce qu’il aime et connaît déjà. Sortir de ces « sous-marins » demandera un effort et une réalisation personnelle et non plus un simple contact avec le monde.

APAC

C’est dans ce contexte qu’APAC s’inscrit d’ores et déjà comme une entité ambigüe. Car si l’on parle d’IA et de robot, il faut bel et bien un concepteur pour les penser, les produire et les paramétrer. Dans un univers où les connexions sont gérées par un point d’accès centralisé, alors il est nécessaire de comprendre qui gère ce point central.

D’un point de vu conceptuel, une entreprise publique automatisée d’aide à la personne qui veut votre bien et votre sécurité ressemble étrangement à ces algorithmes qui vous assistent dans vos trajets sur Netflix ou Twitter. Enfermés dans nos « sous-marins automatisés », nous naviguons sur Internet pour nous divertir, nous informer, échanger et désormais travailler. Avec ces machines qui parcourent le monde à notre place, c’est une dépendance que l’on se crée.

La disparition du processus lent, au caractère incertain de la connexion, s’efface au profit du plaisir immédiat, du confort et de la sécurité. Le prix à payer, en contrepartie, est le don de données personnelles, une intrusion dans l’intimité. L’externalisation de morceaux de vies privées transforme les cordes en attaches et, avec le temps, ces attaches deviennent des ancres.

Mais le plus inquiétant réside dans les techniques employables pour provoquer la rétention des utilisateurs sur ces plateformes. Véritables hacks de la psyché humaine, plus l’utilisateur perds le contrôle, plus ses gestes seront automatisés et plus il consommera.

C’est un thème cher à Hideo Kojima. En effet, les thèmes du contrôle et des manipulations fait partie intégrante de tous ses jeux depuis le commencement. DS2 ne fera pas exception puisque sa philosophie s’épanouit à l’intérieur de ces contraintes extérieures.

La place du divertissement

Isolation and division are taking place as we speak. The world is changing so much, not just because of Covid, and we won’t be able to go back to how things were. I’ve been thinking about what kind of power entertainment has in that situation.

Hideo Kojima

La place du divertissement est, en effet, centrale à la discussion puisque le danger, dont parle Kojima, semble déjà émerger des plateformes de streaming. Dans ce contexte d’isolation, post Covid, avec le développement du télétravail notamment, le divertissement semble en effet changer de forme. La baisse des fréquentations des salles de cinéma en est un exemple flagrant, mais aussi la montée en puissance des ventes numériques ou le déclin de la télévision. D’une manière générale les vecteurs de divertissements non-flexibles, non connectés, cèdent du terrain face au reste. En témoigne la place toujours plus grande accordée aux smartphones à la veille de la démocratisation de la 5G.

D’une façon pernicieuse la dépendance à ces nouvelles technologies et la place qu’elle prennent dans nos vie conduit à un rapport complexe avec la frustration qui est de moins en moins tolérée.

Dans un autre registre, les plateformes qui résistent au temps tendent à centraliser l’acheminement d’œuvres aux utilisateurs. En même temps, les IA poursuivent leurs travaux d’accompagnement via la mise en avant de productions populaires ou personnalisées. Tout ceci produit un effet boule de neige sur ce qui fonctionne sur le moment que l’on appelle communément le buzz. Le buzz conduit au succès commercial et donc à la reproduction des schéma, la standardisation puis la mise en avant sur les plateformes et ainsi de suite.

Le divertissement est une industrie prolifique qui ne laisse que peu de place à ce qui se situe hors des sentiers battus. Plus les budgets augmentent, plus les producteurs deviennent allergiques à la prise de risque. Un cercle vicieux se met donc en place entre les productions sans risques et les consommateurs qui s’enferment dans des schémas d’abord par confort, puis lentement par habitude. Un cycle léthargique qui codifie ce qui marche et repousse le reste dans les abysses de ces plateformes.

Dans un monde où tout ce qui est impopulaire est filtré par des robots pour apporter à ses utilisateurs ce qui marche, le risque qui se profile est de former des générations allergiques à tout ce qui est hors de ces bulles.

Le divertissement est probablement la porte d’entrée d’une relation avec les IA qui modifie nos comportements et notre rapport au monde.

The existence of entertainment can change the world though, and I want to help put life into people by providing them with entertainment.That’s another way in which I can’t go back to my old view of the world, or the way I used to make my work.

Hideo Kojima

Que ce passerait-il si ce schéma s’étendait au reste de nos vies connectées ? Sur les réseaux sociaux par exemple où les mêmes sujets traités en trois lignes reviennent inlassablement sur le devant de la scène. Quels impacts sur nos vies de tous les jours avec un portefeuille d’identité numérique qui regroupera toute notre identité sociale sur nos smartphones ?

Mais tout n’est pas si sombre. Dans une certaine mesure, la standardisation est certainement inévitable, voire bénéfique.

Le premier jeu de Kojima Productions expose clairement le bien-fondé de se connecter, de construire et d’optimiser. La technologie en elle-même n’a pas de volonté, encore moins négative. La question a toujours été l’usage que l’on en fait. Elle crée des changements qu’il convient de penser, de mesurer et d’équilibrer. Tout dépend donc de qui exploite et développe l’accès à la technologie. Mais surtout à quels desseins et comment cela est fait.

Que peut-on donc attendre de DS2 avec tous ces éléments en tête ?

Le processus créatif dialogique

There’s a line in the DS2 teaser that says, ‘Should we have connected?’ I think that you should be the one to decide what your connections are.

Hideo Kojima

Il faut comprendre dans un premier temps que le processus créatif de Kojima n’est pas linéaire. Au contraire, ses créations reposent sur un schéma dialogique où chaque nouveau jeu répond à celui qui le précède.

Ainsi, la saga Metal Gear ne me semble pas à prendre comme une continuité narrative, mais plutôt comme suite d’itérations. Une spirale de tropes à remplir et où chaque jeu prolonge le précédent de façon conceptuelle.

Ainsi, Metal Gear Solid est une refonte de Metal Gear 2 qui s’inscrit dans une quête de réinvention 3D tout en préservant l’ADN de la saga, expliquant donc les thématiques du jeu.

Metal Gear Solid 2 est une forme de remake postmoderne de MGS, définissant la structure du jeu, ses protagonistes et ses messages sur la mémétique, la réalité et le rôle du joueur.

Snake Eater est une prolongation hyperréelle de Sons of liberty dans lequel la fiction se mêle au réel, donnant vie au discours des IA à la fin de MGS2. Inscrit dans un voyage initiatique, cela permet de déployer un discours sur l’absence de réalité ou plutôt la réalité fictive des représentations puis de mettre en lumière la seule chose réelle qu’il appartient à chacun de définir : « la mission ».

Guns of the patriots quant à lui dépeint le rapport entre Kojima et ce processus itératif dialogique qui n’en finit pas et conduit à un ensemble amalgamé qui n’apporte que des questions à des fans avides de réponses. Le jeu déploie donc les thématiques du monstre fabuleux (Minotaure, Griffon, etc.) et de la métastase dégénérative pour renvoyer cet univers de cent à zéro.

Peace Walker est un nouveau départ en réaction à certains constats conceptuels vis à vis d’MGS4 et introduit la structure épisodique de série TV.

Et enfin, MGSV, le magnum opus qui boucle le tout en faisant à peu près tout ce que font les précédents.

Le raisonnement est simplifié et cela mériterait amplement un article entier pour montrer ces rouages créatifs. Mais il me semble clair que chaque nouveau jeu d’Hideo Kojima vient comme une forme de commentaire des expériences précédentes et du rapport qu’entretiennent les joueurs avec ces jeux.

C’est pourquoi il me semble que DS2 orientera son design autour de l’hyperconnexion, en dialogue avec l’absence de connexion du premier (que le joueur doit rétablir).

Un strand game alternatif

Si DS2 exploite la technologie Metahuman, je peux imaginer que c’est justement pour infuser une vision différente au sein de ce nouvel opus. La technologie Unreal permet la création expresse d’avatars réalistes et c’est pourquoi il est probable que cette suite dispose d’un nombre important de PNJ. Beaucoup de PNJ. Tous prêts à vous solliciter constamment, sans relâche et sans temps d’arrêt. À l’image d’un télétravail qui rends plus facilement perméable le temps de travail et le temps de repos.

Car il me semble que Drawbridge expose déjà l’idée de l’hyperconnexion, ou en tout cas d’un de ses remèdes : le droit à la déconnexion. Le pont levis. Mais ce droit pourrait être mis à mal par la structure même de DS2.

Si Kojima a fait partie des premiers à intégrer les codes du cinéma dans le jeu vidéo, il a compris certaines limites de ce schéma avec MGS4. Le résultat de cette réflexion se trouve dans les jeux suivants, à savoir Peace Walker, Phantom Pain et Death Stranding. L’intégration des codes de la série TV lui a permis de fragmenter ses schémas linéaires en une suite de missions à effectuer à volonté au cœur d’un open-world (ou simili pour PW).

Mais cette structure me semble elle aussi déjà obsolète et partie intégrante des standards du AAA. Par ailleurs, Kojima a déjà fait part de son envie de revoir son processus créatif. La suite probable me paraît être une structure à la Netflix avec tout le contenu disponible immédiatement. En tirant peut être vers ce que l’on trouve déjà chez les derniers Zelda ou Elden Ring mais sans détruire les acquis esthétiques de ses précédents travaux.

Un océan d’activités, de rencontres et de trames narratives (comme une salle d’arcade next-gen) ou tout vous appellerait en permanence pour enchaîner les tâches. Comme un épisode en appelle un autre. Comme le « binge watching » qui est né de ce format.

Cette tendance à la mise sur rails automatiques n’est pas sans rappeler l’un des jeux favoris de Kojima : Xevious, un Shoot’em up sorti en 1984.

Le travail du trajet pourrait donc prendre une autre tournure et refondre les codes de Xevious comme Death Stranding a refondu les codes de Mario.

D’un autre côté, la version+ de Death Stranding (la Director’s Cut) s’agrémente de quelques activités qui présentent des éléments de compétition asynchrone : le circuit ou le stand de tir par exemple. Quelque chose que l’on retrouve déjà passivement dans les ligues SMP d’MGSV.

Ce DLC intervient comme le point culminant de la fresque vidéo ludique qu’est Death Stranding en aboutissant sur Metal Gear.

Il s’agit probablement d’une façon de marquer des adieux au processus créatif précédent et d’entrer définitivement dans une nouvelle ère. Un jeu qui pourrait donc poursuivre son aspect multijoueur sur une dimension bien plus connectée. Un jeu peut-être plus compétitif où celui qui se déconnecte est sujet à baisser en performance. Car l’hyperconnexion, c’est aussi cela. Un cycle qui s’entretient de lui-même qui digère ses ressources humaines et les recrache une fois victime de burn-out.

[…]But on the internet or on Twitter, you can be connected without that direct intention. You end up connected with strangers even if you think you never connected. It makes me wonder if there’s a danger in everything being too connected like this, and I think that’s what will ultimately end up becoming important.

Hideo Kojima

Conclusion

DS2 s’annonce déjà prometteur à plusieurs niveaux. Cet article n’a pas vocation à prétendre apporter une vérité. Nul doute qu’il sera bien différent de ce que j’en attends. Cependant, j’espère vous avoir apporté de la matière pour vos réflexions. Je suis toujours ravi de contribuer au jeu de l’anticipation autour des jeux de Kojima Productions. Cela fait partie d’une volonté affirmée de la part de son créateur et je partage ce sentiment.

Quelques éléments ont été révélés récemment comme les nouveaux « Qpid » mais je n’ai pas su trouver une façon fluide pour les aborder dans cet article. J’attendrai l’arrivée du nouveau trailer qui devrait montrer le bout de son nez aux Game Awards 2023.

L’article De Death Stranding à DS2 est apparu en premier sur light01C.

Mais avant tout, un point technique. Le trailer est évidemment superbe, la couleur thématique retenue est le rouge et nous montre les capacités du Decima sur next gen. Terminé la peau aux reflets plastique. Le grain de peau atténue les reflets, les éclairages sont superbes, rien à dire… Nous sommes face à un ouvrage de très grande qualité. On s’attend effectivement à trouver dans ce jeu tous les progrès aperçus dans Horizon Forbidden West. Un trailer exceptionnel qui annonce une exclusivité PS5 et probablement temporaire pour les joueurs PC. DS2, un nom provisoire pour un jeu que l’on peut imaginer déjà bien avancé. De façon complètement optimiste, et de moins en moins réaliste, je l’espère pour fin 2023, mais la réalité laisse entrevoir une sortie courant 2024.

En faisant référence à Death Stranding pour construire cet article, il contiendra naturellement d’énormes spoilers sur celui-ci. De même que je partirai du principe que chaque lecteur a terminé le jeu pour éviter d’expliquer à nouveau certains twists du scénario.

L’article comportera certains passages en anglais. Pour les personnes ayants des difficultés, je vous invite à ouvrir DeepL et traduire ces phrases pour mieux comprendre!

La sélection naturelle en une image

Je n’irai pas dans une analyse linéaire du trailer, mais je vais plutôt le travailler de façon à comprendre ce que nous voyons. Et pour donner du sens à l’ensemble, il me semble important de comprendre la statuette à l’effigie d’Amélie. Car cette statue est construite sur les bases thématiques du premier jeu.

Très rapidement, quiconque a joué à Death Stranding reconnaîtra le personnage d’Amélie. L’entité d’extinction qui s’est prise d’affection pour Sam après l’avoir tué et en a fait l’un de ses deux champions de l’humanité. Mais une entité d’extinction, c’est quoi ?

Il s’agit d’un agent de l’univers incarnant sa volonté à continuellement ramener la vie au néant. Comme si depuis le Big Bang et l’asymétrie matière/antimatière, le cosmos cherchait à retourner à l’équilibre.

Ainsi, la vie sur Terre a régulièrement été menacée par certains événements comme des impacts de comètes gigantesques, des éruptions volcaniques, etc. Cinq d’entre eux ont ravagé la vie à différentes périodes de la planète. On les nomme le Big Five. Le Death Stranding est la sixième et Amélie la représente.

On peut donc voir sur cette statuette tout ce qui compose la nature d’Amélie:

• La Terre et la Lune placées au centre de l’ensemble
• Amélie qui veille sur celles-ci
• Une explosion pour la partie basse
• Une structure, une construction pour la partie haute

On peut ainsi interpréter cette statue comme le cycle de destruction et de reconstruction perpétuel qui façonne la vie sur Terre. Chaque fois que la vie évolue et se développe, elle est testée par un agent d’extinction. Il s’agit donc d’une simplification imagée du processus de sélection naturelle des espèces.

Cela se complexifie un peu lorsque nous intégrons le concept de grèves. Il s’agit d’un lieu liminal entre onirisme et réalité, entre la vie et la mort. On pourrait parler d’inconscient, mais aussi d’au-delà. Le tout se mêle et est représenté par les grèves, un lieu de transit pour l’âme avant la mort ultime. Chaque individu possède sa grève et la connexion des individus tend à connecter les grèves entre elles. Ce processus fait émerger une grève primordiale, la grève d’un agent d’extinction, censée détruire tout ce à quoi elle est connectée. Seulement Sam est parvenu à la déconnecter sauvant ainsi l’humanité, mais sacrifiant par la même occasion Amélie. La nature sacrificielle d’une entité d’extinction explique l’aspect Christique de la statue qui elle-même donne des pistes sur les prises de positions de ce culte.

Cela nous donne un indice également sur la nature de la structure rocheuse. Serait-ce un symbole de la reconstruction de la grève primordiale ? Un autre indice figure sur les bords de ce plan.

Les fils noirs, qui représentent la connexion entre les mondes, sont bien verticaux aux alentours de la structure. Mais il suffit de s’éloigner pour observer leurs mouvements chaotiques comme s’ils n’étaient plus connectés à rien. La structure ressemble à une arche ou plutôt un pont détruit. Le London Bridge ? Cette métaphore du réseau chiral construit pour détruire ou sauver l’humanité dans le premier épisode.

S’il figure sur la statue, c’est que le culte la juge importante et suite aux explications que j’ai avancé, je dirais qu’il s’agit probablement d’un lieu lié à la grève d’une entité d’extinction en formation. Une grève primordiale qui lentement se reconnecte aux autres.

Quelque chose s’achève, quelque chose commence

C’est sur cette référence à l’univers The Witcher que je compte ouvrir le sujet du personnage de Higgs. Si Sam est l’un des deux champions d’Amélie, Higgs est bien son alter ego. Icône du nihilisme, presque porte étendard de l’anomie et du chaos, Higgs représente l’absence de mouvement contrairement à Sam. Dans sa façon de cultiver sa douleur pour y mettre fin… pour lui, mais aussi les autres… Il ne parvient jamais vraiment à dépasser sa condition au point de devenir un outil méta du scénario. Le boss par excellence comme Bowser qui attend l’arrivée de Mario dans sa salle.

Mais une autre façon de le voir tient dans son nom. Le boson de Higgs est en physique un composant du champ de Higgs qui donne sa masse aux autres particules. Sans le boson pas de masse, sans Higgs pas de voyage, sans le chaos pas d’ordre et sans extinction pas de sélection du vivant. Higgs incarne le côté fou de l’Homme, l’homo demens, qui peut se créer les pires afflictions sans pour autant souffrir physiquement à l’origine. Mais c’est aussi le chaos créateur et donc, dans Death Stranding, celui qui met Sam en mouvement. Higgs, la particule de Dieu… ou plutôt de sa déesse Amélie, sera trahi par celle-ci suite à la victoire de Sam.

Fragile avouera à Sam avoir laissé à Higgs deux choix : la mort ou l’exil sans fin sur une grève. Et c’est probablement la clé de compréhension de son retour et de son état. Une fois la grève primordiale isolée, Higgs se retrouve coincé seul pendant que Sam est récupéré par ses amis. Pour combien de temps ? Dans quelle situation ?

Impossible à dire, mais on peut déjà imaginer que personne ne va le chercher avant un bon moment. Et à partir de ce moment combien de temps pour le trouver ? Peut-être que la clé de son salut passe par Fragile et c’est potentiellement une des raisons pour laquelle les individus en rouge font irruption chez elle. Ou est-ce la recherche de Louise, BB-28, que Sam a libéré en enfreignant un décret présidentiel ?

Ce soldat en rouge semble ne pas apercevoir Fragile pourtant éclairée à un mètre de lui. Ces soldats auraient ils un défaut de vision ? C’est une hypothèse intéressante lorsque l’on observe qu’ils semblent avoir une tête mécanisée et à projection holographique qui réagit lorsque Higgs joue son accord. Leur aspect robotique les rapproche donc naturellement de cyborgs et de l’APAC.

Évolution sans chaines

Revenons à notre ami Higgs. Si tant est qu’il n’a pas choisi la mort, combien de temps a-t-il passé sur la grève ? Soumis à quelles difficultés ? La faim ? Les éléments ? Quels dangers inconnus l’ont menacé ? Sa grève était elle déconnectée de la grève primordiale à temps ? Il semble en tout cas être revenu sous la forme d’un cyborg. Ses organes sont remplacés par une cuve transparente qui rappelle tout autant le pod d’un BB qu’une urne funéraire égyptienne. L’Égypte antique, un thème que Higgs et Death Stranding utilisent de plusieurs façons.

On peut dès lors imaginer que c’est bien Higgs que ses partisans escortent dans un sarcophage rouge. Un sarcophage ou plutôt une chambre de stase capable de traverser la poix. Vous pouvez, en effet, trouver des résidus de poix autant sur le coffre que sur les habits de ses porteurs, ce qui laisse déjà présager d’une navigation dans l’au-delà.

Une chose curieuse et que je vous le partage pour le trait d’humour. Le rouge était dédié au personnel médical au sein de Bridges et cette couleur est désormais associée à un culte. Est-ce là la trace d’un commentaire sur la période Covid ? Le plus probable est qu’il s’agira d’un rappel à la robe rouge d’Amélie par sa filiation à l’Égypte.

Le rouge est en effet la couleur du chaos et du désordre dans l’Égypte ancienne et s’oppose à la couleur blanche, que l’on retrouve dans les cheveux de Sam, symbolisant la pureté et l’omnipotence.

– Desheret était la couronne rouge de la basse Égypte, le désert des « terres rouges ». Elle est associée au dieu Horus, Dieu cosmique protecteur de la monarchie dont le nom signifie « Le lointain ». Les suivants d’Horus sont des divinités de second rang qui se sont rangées sous son obédience. La couronne rouge est également connectée à Ouadjet protectrice de la basse Égypte et des accouchements dans cet espace. Un rôle qui rappelle, de loin, celui d’Amélie.

– Hedjet était la couronne blanche de la haute Égypte. Le blanc viendrait de la fleur de lotus qui poussait dans la ville de Nekhen, une ville où le dieu Horus était adoré. La couronne est associée à Nekhbet, déesse protectrice du pharaon puis des accouchements. C’est une divinité féminine ailée, car représentée par un vautour blanc. Une fois l’Égypte unifiée, Ouadjet et Nekhbet furent nommées « les deux dames » et leurs symboles s’unirent sur la couronne du pharaon (le Cobra et le Vautour) apportant la paix sur toute l’Égypte.

Kojima semble donc bel et bien prolonger ses références visuelles et scénaristiques.

C’est armé d’une guitare, d’un masque, de cheveux à l’image d’Amélie et les yeux décorés par les ailes d’Horus que notre faux antagoniste est de retour. Un nouveau style qui m’évoque un ancrage thématique contrasté entre passé et futur. Un peu comme son créateur qui annonce faire « un jeu nostalgique mais aussi nouveau. » (Merci Keyser44Soze!)

L’image de la rockstar est résolument un écho aux années 70/80 et témoigne d’un esprit rebelle et anticonformiste, mais aussi créatif et culturel. C’est un choix très intéressant que j’ai hâte de découvrir. En revanche, son aspect cybernétique futuriste montre qu’il a finalement dépassé sa condition comme il l’espérait.

En devenant en partie machine, ne serait-il pas devenu un dieu ? Ne se serait-il pas extrait du cycle de vie et de mort? Son déguisement témoigne autant de son blocage sur sa déesse que du fait qu’il est en voie de devenir son égal.

Aux frontières de la connexion

Si Death Stranding expose clairement le besoin de connexion et ses bénéfices, il semble que sa suite prend le parti de remettre en question nos efforts et questionner ces limites. En contraste total, c’est dans un abri de prepper transformée en salle de jeu que l’on est heureux de retrouver Lou et Fragile.

Et pas de doutes sur Louise puisque l’on retrouve bien sa marque de naissance en forme de cœur sur son coude gauche. Elle semble avoir bien grandi et, dans une mise en abîme très succincte, joue avec nos anciens jouets. Une façon habile de nous montrer comment nos codes se transmettent très tôt par le jeu. Comment nos jeunes homo ludens absorbent l’univers que l’on a construit.

Mais peut être aussi une façon détournée et discrète d’annoncer l’un des personnages jouables de cet opus ? Un personnage familiarisé, comme son joueur, avec les codes de Death Stranding. Un point qui va dans le sens du plan sur le bébé endormi duquel le liquide noir s’écoule par les yeux. En effet, ces plans, dans le premier, étaient des marqueurs de l’intériorité de Sam. Une intériorité qui ici est endormie, non consciente. Comme une conscience d’enfant qui n’attend que de s’éveiller avec le temps. Louise est en effet la dernière rapatriée d’Amélie.

Continuons un peu car l’émotion est là et Fragile est souriante. La peau de son corps guérie. Rien ne l’explique pour le moment, mais on peut aisément imaginer que les voyages sur la grève permettent de nouvelles techniques médicales. Les traitements de long terme pouvant potentiellement s’effectuer là-bas où le temps ne passe pas.

Mais dépassons cette énigme du « comment? »

Nos deux protagonistes ont fait peau neuve et force est de constater que les choix sont diamétralement opposés. L’une renoue avec son corps et l’autre s’en prive complètement. Une divergence fondamentale qui montre bien la direction prise par ce jeu. Bien plus intéressant encore, Kojima décide de reprendre ce corps à Fragile dans l’accident de monocycle. N’aurait-on pas ici les esquisses d’une discussion sur la faiblesse de la chair face à la machine ?

Si Higgs se trouve à la tête d’un culte voué à la sélection naturelle, ne serait-ce pas pour remettre en marche ce cycle ? Il est évident pour moi qu’un cyborg fonctionnel et autonome est plus adapté à la survie qu’un humain fait de chair et d’os. Mais dans un monde sans sélection, rien ne vient faire le tri. Le cyborg et l’humain cohabitent sous des lois sociales. Le design de ce nouveau Higgs laisse entrevoir un besoin d’élévation au rang de Dieu, de remettre en route le processus de sélection et placer Higgs en position de nouvelle espèce dominante. Une espèce fusionnant l’Homme et le robot.

Les limites de la connexion sont finalement très humaines. De façon très évidente, perdre des proches est douloureux et le trailer suggère d’ailleurs que Sam et Fragile vont perdre Lou. Ou peut-être que Higgs va l’enlever étant donné qu’il chante le thème musical de BB ? Louise est en effet la dernière rapatriée d’Amélie et peut-être que cette filiation fait de BB-28 son héritière ? Une position qu’Higgs respecterait au point de vouloir élever l’enfant lui-même.

Il s’agira donc pour nos protagonistes de dépasser ces limites et tenir debout malgré toutes leurs peines. Une douleur qui peut laisser des traces visibles.

L’autre limite se révèle dans le fait que le progrès humain et technique crée constamment de nouvelles choses qu’un consensus juge bon ou mauvais. La sélection naturelle a toujours été le juge de l’innovation jusqu’au moment où l’Homme s’est détaché d’elle en refusant de se soumettre aux éléments, en dictant sa loi sur la nature et en se regroupant. Mais si cette évolution revient à l’Homme, qui décide de son sens ? Et cela nous renforce-t-il réellement face aux dangers du futur ?

Une couverture sociale

C’est dans ce contexte que DS2 semble prendre racine et qu’un logo devient très intéressant. Une boussole de marin frappée du sigle APAC et résonnant avec le logo de la Dutch East India Company qui fut, entre autres, installée sur l’île artificielle de Dejima (l’une des références au nom du moteur de jeu Decima). Une boussole qui donne le nord, permet de définir un cap et donc donne un sens à un groupe. Un groupe, une entreprise, qui vient en aide aux autres dans sa mission d’assistance publique.

Je vous parlais ici de la possibilité de voir, dans cette suite, l’élaboration d’un univers que l’on parcourrait en sous-marin. J’ai été ravi de découvrir le DHV Magellan. Un superbe vaisseau dans la plus pure veine de Yoji Shinkawa. Un véhicule hyper sophistiqué qui semble être une évolution futuriste de certains navires actuels.

Selon moi, DHV signifie Dive and Hydrographic Vessel ou Navire de plongée et d’hydrographie. Actuellement, il s’agit de navires militaires de soutien aux missions de sauvetage en mer, d’entretiens de structures maritimes, de plongée en sous-marin, de cartographie, etc.

Le DHV Magellan est donc un véhicule du même type, mais qui effectue ses plongées lui-même. Et finalement quelle meilleure allégorie possible pour illustrer une couverture sociale qu’un véhicule missionné pour le sauvetage en milieu marin ? Sauver des personnes en détresses, assurer la cartographie d’un espace dangereux, maintenir des structures en bon état, acheminer des ressources, … Une magnifique image des systèmes sociaux protégeant les plus démunis face aux dangers de la vie, face à la sélection naturelle.

Une chose intéressante ici est de noter que le véhicule est marqué par les trois logos teasés par Kojima en amont du trailer :

• L’échoué se rapporte au DHV Magellan, le nom du navire
• Drawbridge est probablement la nouvelle entreprise de Fragile
• APAC ressemble à une nouvelle entreprise qui gère l’assistance maritime pour les UCA

Il me parait désormais évident que le jeu va se détacher du concept de livraison vers un système d’assistance, d’exploration et d’entretiens. Car si la connexion permet le progrès technique et humain, elle supprime aussi le rôle de renforcement de l’individu par la sélection pour faire peser plutôt le renforcement du groupe par le progrès général qui en découle.

Ainsi, dans ce groupe, les individus sont dépendants des uns et des autres et forment un super organisme (thématiques d’MGSV). Mais les individus qui pourraient se retrouver en marge du groupe, en situation de détresse, ont besoin d’une assistance. Ainsi naît l’APAC.

De Magellan…

Si Kojima choisis de baptiser le vaisseau Magellan, c’est pour plusieurs raisons dont certaines que je pense entrevoir. Pour cela, il faut remonter à une seconde lecture du personnage d’Amélie, ou plutôt Samantha « America » Strand. Sous cet angle, le personnage est une représentation des États-Unis d’Amérique qui se connecte à sa fonction d’agent d’extinction. Comme elle l’annonce elle-même à Sam, elle porte un masque et donc un double visage.

D’un côté, elle est une entité qui cherche à unir le monde. De l’autre, c’est une puissance capable de ravager la planète. Une critique déjà présente, mais bien plus approfondie, dans MGSV. Son nom, Amerigo, trahi cette dualité, car il lui vient d’Amerigo Vespucci, un navigateur Florentin ayant menti et propagé la nouvelle de sa découverte de l’Amérique. En réalité, cette découverte est attribuée à Christophe Colomb.

Colomb avait lui pour mission de découvrir les Indes en naviguant par l’Ouest, l’Atlantique. Mais il s’est trompé en se heurtant au continent Américain qu’il prit pour les Indes. Plusieurs années plus tard, Magellan entreprends le même voyage en imaginant que l’Amérique, comme l’Afrique (Cap de Bonne-espérance), avait un Sud qu’il était possible de contourner pour atteindre les iles Moluques, un archipel indonésien. Sa mission est de prouver que ces îles appartiennent à l’Espagne suite au découpage du monde en deux parties (Espagne et Portugal) selon un méridien décidé par le pape Alexandre VI.

Magellan est portugais et trahi son pays qui lui refuse toute progression de carrière. Il se réfugie en Espagne et convainc Charles Quint de financer son voyage. Un voyage qui se trouve être une suite compliquée de fuite des flottes portugaises et de mutineries de ses officiers espagnols. Il sera malgré tout le premier à trouver le passage entre l’Atlantique et le Pacifique via un détroit qui porte désormais son nom.

Il arrivera bien aux iles Moluques, mais celle-ci sera finalement située du côté portugais du méridien. Ayant échoué pour le compte de l’Espagne, ayant trahi sa patrie portugaise, il cherchera une issue désespérée et mourra dans un affrontement suicidaire sur l’île de Cebu. Seuls deux bateaux revinrent :
– La victoria, premier navire à effectuer le tour du monde.
– Le San Antonio qui trahit Magellan en faisant machine arrière dans le détroit chilien.

Je vous conseille cette série documentaire sur Arte si vous êtes intéressés. (Merci Sullivan pour le partage !!)

Il y a trois points que je retiens de tout ceci.

…à Fragile

• Magellan a dû travailler sous la coupe d’un autre pays créant poursuites et mutineries.
• Son objectif, visant à déterminer à qui appartiennent les iles Moluques pour assurer l’exploitation de certaines épices.
• L’inestimable découverte et traversée du détroit de Magellan.

La première chose qui me frappe dans le trailer de DS2 est que Fragile travaille désormais au sein de Drawbridge, le pont-levis. La subtilité du trailer demeure dans le fait que le passage avec Fragile et Lou est un flash-back comme le prouvent les transitions iconiques façon clignement d’œil. Malgré tout, Fragile est déjà membre de Drawbridge à ce moment (cf. pneu du monocycle ci-dessous) et donc nous sommes relativement loin de la fin du premier jeu.

Qu’est-il advenu de Bridges ou de Fragile Express après son entrée officielle sous contrat Bridges ? Mystère. Mais j’ai le sentiment que Drawbridge est le vestige de Bridges au sein de l’APAC. Qui elle même semble connecté aux UCA.

Bridges, le pont, la connexion statique et perpétuelle, à laissé sa place au pont-levis : un moyen de connexion, mais aussi de déconnexion à volonté. L’identité de Bridges a forcément évolué et ce symbole montre lui aussi des signes de questionnement sur les limites du lien. Quoiqu’il en soit, il est possible que comme Magellan, Fragile ait du changer de crèmerie pour survivre et continuer de poursuivre son rêve. Et peut-être que cela lui vaudra le même traitement par les deux camps que cela implique.

D’ailleurs, un autre point qui pose question repose dans le fait que l’APAC dispose de moyens automatisés. Au sein d’un jeu qui donne l’impression de discuter du rapport à la machine, il sera très pertinent de voir dans quelle mesure l’équipage du DHV Magellan se repose sur sa technologie. Si Higgs représente bien l’extrême fusion entre les deux, le vaisseau peut proposer une alternative très « Kojimesque » dans sa façon de créer une symbiose où la machine et l’Homme se complètent.

Bien entendu, si ces machines ne nous trahissent pas…

Enfin les autres points de comparaison résident dans l’exploration promise par ce véhicule qui fait miroiter quelque chose de comparable à la folie démesurée du voyage de Magellan. Atlantique ? Pacifique ? Il semble possible qu’en réalité, ce ne soit ni l’un, ni l’autre mais bien une exploration de l’abysse et des grèves qui sera proposé. Le vaisseau émerge en effet de la poix après avoir observé la zone avec son périscope. Quel pourrait être l’objectif d’une telle entreprise ? Tout simplement l’existence d’une Terra Incognita. Une mission visant à conduire l’humanité toujours plus loin pour cartographier et repousser les bords de sa réalité.

Mais aussi, moins naïvement, la récupération et l’attribution des éventuelles découvertes et ressources par les camps pris dans le jeu. À qui reviendra la zone de chasse aux BTs, source essentielle de chiralium ? Qui pourra exploiter les voies de navigation et autres installations ? Et plus subtilement, à travers le contrôle des grèves, à qui appartiendra l’au-delà et l’inconscient des gens? À qui reviendra le contrôle de certaines zones de l’histoire contenue dans les grèves? Tant de thématiques chères à Kojima !

Comme pour Magellan, tout repose sur le besoin de lever le brouillard de l’inconnu. Comme pour l’Amérique et Amélie, c’est un projet à deux visages.

Si j’imagine que le jeu conservera une part d’exploration, n’oublions pas que nous feront partie d’un système établi d’assistance publique. Autrement dit, les UCA ou l’APAC ont déjà commencé à explorer cet espace et des flottes de vaisseaux y naviguent. Les feux de signalisation présents sur le véhicule impliquent une communication visuelle pour organiser les itinéraires. Nous ne serons probablement pas seuls à parcourir les fonds de l’abysse.

Kojima évoquait récemment son besoin de réécrire le jeu afin d’éviter de quelconques prédictions. Je dirais que c’est par l’exploration d’un monde inconnu qu’il tentera d’achever son objectif. En sortant son récit du monde réel. Mais ironiquement, je crois que cela ne l’empêchera pas de faire ce qu’il fait depuis toujours : parler de société, de dérives, de futur et de philosophie.

Le doute éternel

DS2 s’oriente sur une discussion au sujet de la connexion, son évolution et son impact sur la société. Si le lien permet un progrès humain et technologique infini, doit-on le suivre pour autant aveuglément ? N’y a-t-il aucun risque sur ce trajet ? Comment faire le tri si ce tri nous revient ?

La menace d’une extinction est un sujet éternel. On ne surpassera probablement jamais les forces cosmiques démesurées qui peuvent annihiler toute vie, à tout moment. Le retour d’un agent d’extinction est inéluctable. Mais vaut-il mieux renforcer l’individu en se coupant des plus faibles ? Ou protéger le groupe en renforçant le lien qui nous unit tous ?

Peut-être un peu des deux ? Mais dans quelle mesure ? Et quel rapport entretenir avec la machine qui ressemble chaque jour un peu plus à une espèce capable de nous survivre ?

C’est coincé entre anges et démons que nous ferons notre chemin pour le découvrir. Entre Sam et Higgs. Peut-être dans la peau de Louise ?

Sur une multitude de ponts brisés, comme un logo qui se constitue de fils blancs puis se brise de fils noirs, Kojima nous pose la question de savoir si tout cela vaut malgré tout le coup.

L’article Aux frontières de la connexion est apparu en premier sur light01C.

Après une longue période de silence assez inhabituelle, c’est par cette photo mystérieuse que Kojima choisit d’officialiser le teasing de son prochain jeu. Un silence qui semble finalement mettre en relief certaines choses anodines. Des détails qui aujourd’hui permettent de tracer de grandes lignes pour son prochain projet. Que peut-on attendre de celui-ci? Quel univers? Quelles projections de gameplay? Voici une théorie sur ce que pourrait être la suite de Death Stranding.

Dans ma tentative à dresser un tableau de ce futur jeu, il va sans dire que je ferai appel à tous les jeux précédents du créateur nippon et donc le spoil ponctuera régulièrement cet article et surtout pour Death Stranding. Vous êtes donc prévenus.

Suivre les bulles

C’est lors du Tokyo Game Show 2022 qui s’est tenu en septembre que Kojima Production (KJP) dévoile son premier teaser dans l’espace VR mis à disposition du public. Dans cet espace étaient présents plusieurs éléments:

• Le couloir futuriste de l’ex-bureau de KJP mettant en valeur une statue du Ludens.

• La chambre de Sam présente dans Death Stranding.

• La photo mystère, présentée en introduction à cet article.
• Une nappe sonore d’ambiance, assez lourde, mais très intéressante.

Vous pouvez apprécier le tout dans cette vidéo.

Kojima viendra ajouter un peu de teasing via Twitter avec ce message: La réponse à « QUI » aux TGS sera dans le prochain « OÙ »

L’actrice américaine rejoint donc le casting d’un jeu dont la charte graphique se rapproche énormément de celle de Death Stranding. On y retrouve les fils qui font partie intégrante du jeu (Titre du jeu et visuels in game). De la même façon, le logo figurant sur l’affiche semble proche de celui représentant les différentes villes traversées par Sam (voir ce thread).

En observant les logos des précédentes villes on peut observer la même structure générale qui se répète. La partie haute représente la particularité de la ville (un bâtiment, une cheminée, une montagne, etc.). La partie basse représente un couloir stylisé, fuyant en profondeur et indiquant le nom de la ville.

Ce nouveau logo diffère dans sa structure car tout est inclus sous un dôme et le couloir semble laisser place à une structure se soulevant, comme un pont-levis (Le London Bridge?). Nous verrons plus tard que cet aspect se connecte à d’autres indices.

La révélation de l’actrice Elle Fanning s’est accompagnée d’une nouvelle affiche… Where am I? et Kojima ajoutant Who is « WHERE »? Qui est « OÙ »? Une nouvelle piste qui suivra la même logique. Les fans ont d’ailleurs déjà connecté cette silhouette à l’actrice Shiori Kutsuna, ce qui me parait juste à titre personnel. Jugez par vous même!

Kojima propose même un calendrier de ces révélations (reporté ci-dessous à gauche) que je propose de résoudre comme ceci (à droite):

Le jeu de piste est donc ouvert et nous pourrions avoir des nouvelles du jeu à la Paris Games Week début novembre ainsi qu’aux Game Awards début décembre.

La source

Si tout démarre officiellement en septembre 2022, il faut fouiller un peu l’activité des comptes liées à Kojima durant les dernières années pour se faire une idée d’où nous allons. En juin 2020, alors que ses équipes travaillent sur la sortie de la Director’s Cut, Kojima nous souhaite une bonne journée avec un artwork et un canard Ludens.

On peut y voir différents véhicules assez inhabituels. Difficile de dire de quoi il s’agit à première vue. Des vaisseaux spatiaux? Après tout Death Stranding nous a fait miroiter un voyage jusqu’à la lune. Est-ce que la suite parviendra à nous y envoyer ?

Une théorie que je porte, est que ce prochain jeu nous fera collaborer à terme au sein d’un projet spatial commun à tous les joueurs et similaire à la mise en place de la station spatiale internationale. Unifier le monde à nouveau pour regagner le droit d’imaginer l’espace.

Un système proche de celui des FOB de MGSV (sans les règles d’affrontements) qui conduirait, par la collaboration, à renvoyer l’Homme dans l’espace.

Récemment, KJP a annoncé la sortie d’une gamme de produits en collaboration avec ANICORN (un fabricant de montres) et la NASA. Le masque du ludens, une montre, une sacoche waterproof (gardez cela en tête pour la suite!) et un t-shirt. Pur marketing?

Rien n’est jamais certain avec Kojima mais il est possible que ces objets trouvent leur place dans son prochain jeu comme ce fut le cas pour les vêtements réalisés en collaboration avec ACRONYM pour DS, ou la montre Seiko réalisée pour MGSV. L’avenir nous le dira.

Dans tous les cas, ce n’est pas le chemin sur lequel je vous conduis aujourd’hui.

En effet le lendemain Kojima est revenu à la charge, un peu plus loquace. En nous parlant de son processus créatif, le Japonais nous présente de nouveau certains artworks du maitre Yoji Shinkawa.

Tout d’abord Kojima explique travailler étroitement avec Yoji Shinkawa sur le design de leurs jeux. Les personnages sont définis par un cadre, un rôle, des images, des idées et des mots-clés. On retrouve ici ce que l’on pouvait déjà observer par le passé en analysant de précédents personnages.

Intéressant de noter que ces discussions ont lieu par mails, télétravail, téléphone et vingt minutes de discussions directes. Une certaine distance se fait sentir dans le travail qui s’est renforcée du fait du Covid comme le prouve le nouveau matériel MADO de Sony avec lequel KJP travaille. Un système de communication en visioconférence grand écran qui lui permet de maintenir un contact direct avec la côte est des États-unis et le studio VASG de San Diego pour la capture des performances d’acteurs.

Sur la photo se trouve BB, Louise, ainsi que deux éléments intéressants:

• Le premier montre un dessin que j’ai retourné pour que l’on puisse identifier ce qui semble être un personnage pointé par une flèche et démontrant la taille immense de la structure sur laquelle il se tient.
• Le second n’est qu’un coin d’un dessin caché qui malgré tout laisse l’opportunité d’imaginer. Est-ce une lumière solaire? Une étoile?

Nul doute que les concepts, jusque-là, semblent portés sur des structures de grande taille, des véhicules immenses. Mais difficile de déterminer leur utilité. Le sujet sera tranché le lendemain.

Kojima nous explique travailler sur son concept en écoutant Oasis de Kitaro (à écouter ici pour s’imprégner) et proposant une vue sur un nouvel artwork d’un véhicule. Ce dernier porte l’inscription Bridges ce qui ne laisse que peu de doute quant à sa filiation à Death Stranding. On apprend aussi qu’il s’agit d’un « landing ship » ou bâtiment de débarquement en Français.

C’est un type de navire amphibie capable de manœuvrer aussi bien dans l’eau que sur terre. L’artwork présente même de potentielles roues si vous le regardez attentivement? Ce type de véhicule fut créé durant la Seconde Guerre mondiale pour débarquer des chars sur des plages non préparées. Il s’agit à première vue d’une version futuriste d’un véhicule amphibie que Bridges pourrait utiliser pour fournir ou étendre son réseau avec du matériel. Une nouvelle façon de franchir des frontières jusque là infranchissables.

Ainsi les véhicules précédents sont probablement des navires. L’homme sur le véhicule se tient en fait sur le pont d’un immense bâtiment destiné à la navigation maritime. Les multiples véhicules sont tous des navires à usages différents, ou d’une classe particulière. Et la suite de Death Stranding prend donc un virage radical et bienvenu en portant son univers au cœur du monde marin.

Kojima discusses working with the actor again, perhaps on a Death Stranding sequel — though if he were to create such a thing, he “would start from zero.”

Itw Hideo Kojima pour Vulture

Et tout à coup, le coin d’artwork précédent prend tout son sens… La sacoche waterproof est-elle le fruit du hasard?

Effectivement, l’artwork est probablement une vue sous la surface. Death Stranding contenait déjà une zone sous-marine. À la mort de Sam, ce dernier était projeté dans l’abysse. Pas étonnant alors de retrouver cet élément dans une suite. Mais peut-être cette fois irons nous explorer directement cet abysse? Peut-être irons nous explorer tout simplement l’Océan? Océan, justement, est le nom de code du projet comme a pu le révéler une fuite récente.

Le logo devient donc une écluse ou une cale sèche? On peut imaginer qu’il s’agit d’une coupe transversale d’un vaisseau mère qui servirait de base mobile sur l’océan? Un navire contenant d’autres véhicules comme des sous-marins, des bateaux ou même… des avions?

Un océan de possibilités

Tout ceci se mélange et peut très facilement nous laisser rêver. Car si Elle Fanning est bien au casting, pourquoi ne serait-elle pas une version jeune adulte de Louise, la BB que nous avons chérie et protégée. Avec qui nous avons collaboré pour construire les États-unis à nouveau à l’aide du réseau chiral.

« With enough time, and enough chiral printers, they’ll be able to build ships. And, one day, the waters will be ours again-all because you led the way. »

Die Hardman – Death Stranding

Tout porte à croire que la vision du personnage interprété par Tommie Earl Jenkins s’est bien réalisée. Sam a permis de reconnecter le pays et celui-ci prend désormais la route de la reconnexion à d’autres continents. Europe? Asie? Plusieurs pistes sont possibles et il me parait bien trop tôt pour affirmer quoi que ce soit. Mais laissons-nous aller à supposer et envisager deux pistes:

• L’Europe semble une direction naturelle à développer de par l’histoire partagée entre les deux continents. Les parallèles sont déjà nombreux en évoquant un simple contexte de reprise de contact par l’océan. Les échos se font entendre… du débarquement en Normandie à l’acheminement de ressources…. Mais également plus récemment à la crise identitaire que connait l’occident et la question de souveraineté qui revient sur le devant de la scène. Notre époque fait bégayer l’Histoire et une suite à Death Stranding, en direction de l’Europe, n’en serait que plus parlant.
  
  Ce sont des connexions lointaines, certes…Mais il faut également rappeler que Norman Reedus tourne actuellement un spin off à The Walking Dead se déroulant en France. Que Kojima semble collaborer avec Woodkid, chanteur Français, et Nicolas Winding Refn, le réalisateur Danois. Il sera intéressant de voir comment Kojima arrive à mêler son travail avec celui de ces grands noms. Un travail de connexion qui colle donc, métaphoriquement, au potentiel contexte du jeu.

• L’Asie est une destination tout aussi intéressante pour les mêmes raisons historiques. Mais aussi pour la connexion naturelle qu’entretient Kojima avec ce continent et cette culture. Une connexion qui expliquerait presque trop facilement, si avérée, l’arrivée au casting de Shiori Kutsuna, actrice nippo-australienne. Bien sûr ce n’est qu’une possibilité parmi tant d’autres, et de surcroit la plus triviale.
  Autre argument en faveur de l’Asie: la cartographie. Il y a bien plus d’Archipels dans le Pacifique que dans l’Atlantique nord et donc, un usage potentiel de bâtiments de débarquements, plus pertinent.
  
  Pour l’anecdote, lors de mes recherches je suis tombé sur l’histoire d’un sous-marin et Hideo Kojima est le nom d’un contre-amiral de la navy Japonaise durant la Seconde Guerre mondiale. Je vous laisse découvrir un morceau de son histoire si vous êtes curieux.

Quoiqu’il en soit le premier jeu contient déjà quasiment tout ce qui pourrait servir à un développement d’univers marin. Entre l’Odradek que l’on peut aisément convertir en Sonar, les outils de calcul de force de courants, de collisions, les outils de navigation sur la carte,…

Bien sûr, tout doit être adapté, mis à jour et de nouvelles features doivent être intégrées… Le véhicule amphibie suggère deux types de terrains: la terre ferme et l’eau (en surface mais aussi en sous-marin). Forcément dans ce domaine, tous les travaux effectués par Guerrilla Games sur le moteur Decima me paraissent importants à mettre en lumière. Horizon Forbidden West démontre déjà un travail fort sur l’eau, que ce soit son aspect ou la physique qui l’anime. Quand on sait ce que les équipes de KJP ont réalisé en trois ans avec le Decima, on ne peut qu’imaginer un prolongement de ces travaux pour un jeu basé sur l’océan.

Mais HFW met également en place tout un système de vol qui me laisse songeur. Je vous ai déjà exposé mon idée, peut être irons-nous conquérir les cieux? Certaines questions devront attendre encore un peu. Par exemple, devra-t-on à nouveau effectuer des livraisons? A quels genres de menaces seront nous exposés cette fois?

Un abysse thématique

Quelle que soit la réponse, l’idée du véhicule marin porte en elle-même des thématiques fortes. À la fois uniques et connexes à Death Stranding premier du nom.

Voir le dedans de la mer, c’est voir l’imagination de l’Inconnu. C’est la voir du côté terrible. Le gouffre est analogue à la nuit. Là aussi il y a sommeil, sommeil apparent du moins, de la conscience de la création. Là s’accomplissent en pleine sécurité les crimes de l’irresponsable. Là, dans une paix affreuse, les ébauches de la vie, presque fantômes, tout à fait démons, vaquent aux farouches occupations de l’ombre.

Victor Hugo – Les Travailleurs de la mer

Le retour à l’océan sonne comme un retour à la vie primordiale. Un retour à la source de la vie mais aussi à l’implacable loi naturelle qu’elle suppose et l’inégalable force des éléments. De la beauté des vagues sous le soleil à la terreur des fonds obscurs, de la mer calme aux tempêtes levant les lames de fond les plus destructrices. L’eau est fascinante autant que le feu. Comme lui, elle peut guérir ou détruire. Porter ou couler, connecter ou repousser comme une corde et un bâton.

L’eau est une porte vers l’onirique, l’étrange voir l’effrayant. Plonger dans les fonds marins c’est se livrer à ses règles, se soumettre à ses caprices. C’est une symbolique déjà portée par le premier opus. Une connexion entre le rêve et le réel, entre la vie et la mort, passe par l’abysse. C’est l’inconscient mis en lumière par l’Odradek de Kafka. Une fleur métallique révélant l’invisible, combattant l’absence de présence, la solitude et la mort…

L’isolement d’un sous-marin justement, c’est la coupure entre l’air et l’eau. Une bulle entre lumière et l’obscurité. Décrivant le genre des films du même nom, Linda Maria Koldau écrit ceci:

“Outside” stands for the enemy, be it natural (water pressure, underwater canyons, maritime monsters) or human. “Inside” is survival and homeliness: the solidarity of the crew, the mutual trust (culminating in the figure of the commander), the common interest and common destiny. Outside is bad, inside is good.

Linda Maria Koldau – Sound effects as a genre-defining factor in submarine films

Outside, l’extérieur, est invisible. C’est un ennemi par défaut. Inside, l’intérieur, est la coopération, la confiance. Par ce simple constat tout le potentiel de connexion et déconnexion se révèle. Comment se connecter sans voir ce à quoi nous avons affaire, sans contact, dans un environnement hostile? L’exploitation du sous-marin est un chemin naturel pour Death Stranding. Après avoir connecté un groupe en montrant l’intérêt du bien commun et sa valeur centrale pour un progrès technologique et culturel, la suite pourrait nous voir explorer la connexion et déconnexion entre plusieurs groupes dont la technologie, les codes et la culture sont différents et inconnus? Car finalement sous l’eau tout est affaire d’inconnues.

Et sous l’eau tout est très vite un problème. La moindre discorde dans le groupe peut conduire à la catastrophe. C’est un classique du genre d’intégrer mutineries et trahisons. L’ennemi existe aussi à l’intérieur. Par ailleurs, l’eau n’est pas le seul élément redouté. Le feu, l’air et la terre sont aussi de la partie et peut être-plus meurtriers.

This basic structure can again be varied in manifold ways: the precarious balance between outside and inside is disturbed by the intrusion of foreign, inimical objects upon the boat (water, missiles, terrorists, contagious diseases), and the general safety of the inside can be endangered by conflicts within the crew (especially between commander and executive officer), mutiny or treason, but also by fire and dangerous accidents, such as a reactor defect. It is these factors of imbalance that create the plot: the aim of the storyline is to re-establish the balance between inside and outside, between good and bad.

Linda Maria Koldau – Sound effects as a genre-defining factor in submarine films

L’isolement est déjà un thème fort du premier jeu. Le joueur était placé en tant que chef de projet (cf. mon article sur Death Stranding), dans la construction d’un sentiment créatif et d’utilité. Un trajet entre Sapiens et Ludens. En solitaire, le joueur effectue des livraisons dans une forme de planification qui demande petit à petit une amélioration de la vision du parcours dans le temps. Découvrir, connecter puis optimiser.

La suite pourrait ainsi placer son joueur dans une forme de télétravail où tout est distant et invisible. Enfermé dans un bâtiment, sous la surface, naviguant grâce à des outils et des communications surement restreintes. Aura-t-on affaire à un prolongement du jeu précédent pour construire des voies maritimes? Un rapport de confiance à la technologie serait un sujet important sous cet angle induisant le besoin de les fiabiliser par différents upgrades qui rappelle à nouveau le premier jeu.

Ce rapport à la technologie fait également le lien à internet et aux réseaux sociaux. Plonger en apnée dans un milieu hostile, sans contact immédiat, avec des informations plus ou moins fiables… Je n’ai pas besoin d’aller plus loin pour que vous voyiez l’allégorie. C’est aussi un univers qui implique une nouvelle forme de furtivité. Kojima est un peu le père du genre. Les sous-marins supposent en effet le jeu du chat et de la souris. Voir sans être vu, surprendre ou se faire surprendre. La technique est un grand facteur de succès dans ce milieu.

• Réalité virtuelle mixée aux outils habituels de navigation
• Furtivité, capteurs et « supériorité acoustique »
• Progrès liés à l’intelligence artificielle
• Systèmes de communications avancés
• etc.

On peut même imaginer des outils uniques permis par l’univers, comme le réseau chiral ou le déplacement par l’abysse et les grèves,… Les possibilités sont immenses et il est pour le moment impossible d’émettre une projection fiable. Chacun est libre de rêver à ce stade!

Conclusion

Vous l’avez compris le potentiel est énorme et fait naturellement sens après un jeu dont la limite se tenait justement dans le rapport entre les groupes. Comment rester positif dans un univers si cloisonné, oppressant et potentiellement hostile. Un univers tellement connecté et déconnecté à la fois. Des frontières que Metal Gear Solid V traversait déjà via les thématiques du langage ou du parasite. Avec une réponse, toujours la même… Ce que j’ai longtemps confondu avec de l’existentialisme et que je définierais aujourd’hui comme étant le fait de se concentrer sur la recherche de son propre Ikigai.

Encore une fois Kojima pourrait nous surprendre avec un game design innovant, aux croisements entre les libertés des indies et la démesure standardisée des AAA. Un format que seuls de rares studios peuvent se permettre d’entremêler. Avec des concessions, certes, des déceptions car on aimerait que cela aille parfois plus loin, sans compromis. Mais aussi un message créatif fort envoyé à l’industrie. Osez prendre des risques, proposez autre chose qu’un jeu standardisé avec une expérience préconçue. Death Stranding est un jeu unique qui tente de joindre le AAA et la proposition indé, le cinéma et le jeu vidéo. J’attends sa suite comme une affirmation!

Le drapeau est planté, la voie est ouverte…

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