However, the theme of this analysis will not really be to understand Selene’s story head-on. On a personal level, I particularly subscribe to the theory that explains the game as the fruit of a single mind, Selene’s mind. And I agree with this idea, because, like any work of art, Returnal speaks far more about its creators it does about the subject it explores.

So I’m going to propose a reading that establishes Housemarque as the subject of its work.

As I write this article, I’m assuming that you’ve completed the game. The article will contain numerous spoilers. For any translation needs, I suggest you use DeepL.

Many thanks to Alkasushi for his superb drawing, which captured the essence of this article!

Creative context

First of all, we need to set the scene for the birth of Returnal. Housemarque is a Finnish studio founded in 1995 by the merger of Bloodhouse and Terramarque. The studio is known for several outstanding titles rooted in the arcade genre. These include Super Stardust HD (2007), Resogun (2013) and, more recently, Nex Machina (2017).

Though the games are acknowledged critical successes, the studio seems to be struggling to find its audience. Or perhaps the genre is slowly being relegated to an ever-smaller niche. Yet the critical reception of Housemarque games is always excellent, as evidenced by their high metacritic scores.

However, after the release of Matterfall in August 2017, the studio failed to meet with the desired commercial success. A similar situation to that of Nex Machina, released shortly before.

This under-performance led the studio to declare the “death of the Arcade”. A change of strategy was thus set in motion by the Finns, who announced a new era and a new project: Stormdivers. The aim is to target a flourishing market to ensure the studio’s survival. However, the Battle Royale will never be released, leaving the way clear for Returnal, a game that blends arcade and high-level production.

Housemarque-style arcade

The term “arcade” is very vague, so we need to understand what it means to the creators of Nex machina.

First of all, the general philosophy can be summed up in a catchphrase: Gameplay is King. This gimmick is accompanied by an appropriate and, in my opinion, smart explanation:

Indeed, it would be a mistake to reduce the gameplay of a video game to its rules, its systems or the depth of the button “combos” to be used. Above all, it’s the fruit of a cyclical exchange between the image on the screen and our inner selves. A game is essentially played in our heads.

Let’s close this digression. For the studio, this philosophy can be broken down into four main principles:

• Embracing simplicity : a principle reminiscent of the creative process of another industry genius, Fumito Ueda and his no less famous “design by subtraction”. Bring in ideas and let them distill down to the most essential ones, then take advantage of the reduction in volume to implement them in the best possible way.
• Depth without complexity : a concept summed up in the fact that the game is easy to pick up, but difficult to master.
• Putting the player on the knife’s edge : creating the permanent tension of micro-managing the different layers of objectives.
• Offer replayability by controlling the game’s flow, trusting the player to learn, and leaving room for curiosity. Offer random variations between runs. The aim of all this is to prevent the player from going into autopilot.

The arcade crash

And so all this is “dead” in 2017. This is the context in which Returnal will be born. Therefore, it’s already interesting to note that the game’s introduction shows a ship crashing on an unknown planet.

What better emblem is there for the arcade than a spaceship? It’s the icon of the “Shoot’em up” video game genre, established with the success of Space Invaders in 1978.

I’m oversimplifying to illustrate, but if a “Shmup” arcade terminal is a machine equipped with buttons and containing a ship in a screen, then Helios is, in fact, an inverted arcade terminal: a ship containing screens and switches. Beyond the fact that the game is inspired by the artistic direction of Alien, the style chosen is no coincidence for a studio that has earned its reputation in the arcade genre. Indeed, Selene’s ship adopts an analog, retro-futuristic design. With sticks and screens featuring old-school graphics.

Helios is a symbol that encompasses everything to do with gaming.
Whether it’s the spirit of the arcade, the spirit of play or the freedom that comes with playing.

The ship’s impact on Atropos serves as a metaphor for the end of the arcade, as announced by Housemarque.

However, with the failure of Stormdivers and the brand-new partnership with Playstation, the arcade ended up as a safe haven for the studio. This is reflected in the fact that Helios is an anchor to which Selene returns again and again.

So we can already see another parallel with the game’s heroine. But first we need to explain another key element.

The stare of the astronaut

If Selene travels through space, it’s first and foremost because she’s tracing a signal that’s personal to her: the white shadow.

In practice, “The White Shadow” is responsible for Selene’s accident when the signal takes the form of the astronaut as it stands in her way.

But then, it is also the source of Helios’ abandonment and Selene’s promise of survival when the white shadow is revealed to be the image of the moon through the water. A guidance to the surface.

In reality, this signal is a materialization of Theia’s dreams, which are imposed on Selene. When the child sitting in the car refers to the moon with the phrase “do you see the white shadow?”, he is rekindling a trauma in his mother that is rooted in the fact that Theia will never be able to take part in the Apollo 11 program.

The astronaut on the road is therefore an unconscious form of trajectory correction. Selene has a problem with parenthood, just like her mother before her. This accident is like a protective mechanism, reproducing the accident that led to the disappearance of Alex (Selene’s twin brother?) and Theia’s paraplegia. An unconscious reproduction to free herself from her child and reclaim the integrity of her life.

This tragic incident is the source of Selene’s torment, haunted by a diminished mother whose shattered dreams become an oppressive cage.

The astronaut is thus a mental fabrication representing this constant pressure. It comes as no surprise, in our reading, that this controlling framework (which he represents) comes into conflict with what Helios represents: the playful, uncontrolled, free attitude.

This anxiety-inducing figure can be likened to conformism, to someone else’s dream. A form of collective thinking, or even social pressure, that would like to impose on Housemarque the codes and standards of a successful product.

In the same way that Selene, becoming the astronaut for her son, will seek to impose her space dreams on a child who cherishes the seabed.

Therefore, the astronaut is faceless, or all faces, it’s a concept and a feeling. He is alternately Theia’s lost dream, Theia’s omnipresence for Selene, Selene’s pressure on Helios, … But he is also a representation of the collective imagination of what AAA video games should be.

In more general terms, it’s a representation of the collective mind that influences generations through a cycle of social pressures exerted on children by the more or less intrusive perspective of their elders. A repeating pattern that can lead to isolation, division and even death: the severed.

Breaking the 4th wall

Returnal is a surprising game, because everything explained above is brought to life in the sequences played out from the point of view of Helios, the child. Moreover, these sequences strongly support the idea of a universe born of a single mind, thanks to a form of omniscience that stems from it.

If the game breaks the fourth wall, it’s not for the sake of a free easter-egg. Above all, this sequence links Helios to the player and puts Selene back to her avatar status.

In his room, we can interact with various toys. It’s a mise en abîme of the sequence’s dichotomy between linear constraint and freedom of choice. Indeed, the toys linked to space dreams are shown as very rigid and hollow (astronaut and space shuttle). They stand in direct contrast with the board and walkie-talkie, which enable the child’s imagination to flow naturally.

But better still, when Helios has come down, he can sit in front of the Astronaut himself. A dialogue opens up between playful freedom and the normative image that constrains play.

All this is conveyed by the floating, stylized choices made to create a non-linear narrative for Helios story. These choices stand above the monolithic figure of the astronaut and his rigid, rectilinear book.

The dialogue ends with the astronaut’s disappearance. This sequence demonstrates his disinterest in ideas that don’t fit into his framework.

To end the sequence, we see Helios retrieving Octo, his octopus-shaped stuffed toy. And the weight of the astronaut’s gaze, surely angered by the child’s persistence in moving away from the “stars”, causes monstrous tentacles to emerge from the visor. A clever way of showing the association between the mother’s anger, the child’s fear of the adult and the stuffed toy.

So, here we discover the source of the recurring design of the bestiary tentacles that plague our “Atropian” cycles.

Finally, under our reading, it conveys the feeling that these unconscious representations we have of a game can terrorize the game itself. A discourse that echoes the principle of simplicity in arcade design at Housemarque mentioned earlier.

Selene, Housemarque’s avatar

With all this in mind, we understand that Selene represents Housemarque in the pursuit of its dream of commercial success. A stellar dream culminating in the crash on Atropos.

Considered as an avatar, Selene combines three representations: she is a near-perfect copy of her mother, Theia, but with two well-known attributes of the god Helios: she has golden hair and a heterochromia that echoes his moniker: the eye of the world. Her spacesuit, meanwhile, evokes the image of the astronaut.

The blending of these three elements produces an image of Selene that isn’t necessarily accurate with the character she’s playing, but it helps with tackling all the game’s concepts and narrative arcs. It mythologizes the character, but more on that later.

This avatar brings three concepts to life:

• The inevitable weight of filiation (Théïa).
• The inseparable “arcade” genre declared dead (Helios).
• The ambition to reach new horizons (the astronaut).

This design echoes fabulous chimeras (griffins, sphinxes, etc.) and allows Returnal to play on the dichotomy between reality and fiction, in such a way as to never be able to make a definitive statement. Indeed, Returnal is built like a neo-myth, but we’ll go into these notions in greater detail later.

It also integrates the inner selves of Helios and Theia into Selene’s journey. Everything is true, taken from the drama of this family, and yet nothing truly is, because it is recombined and mythologized.

This places the player in the position of a guide, a therapist even, who will encourage the avatar to slowly unravel the threads of his story. Playing becomes a liberating act for Selene and Housemarque. Both seeking a way out of their nightmares through iteration.

Ascent and descent

The game takes place in three acts, and we can now offer two ways of reading it as a whole. Let’s start with the first two acts.

The first is when the studio declares that the arcade is dead. This is instant zero for the studio and Selene. Indeed, in the story, it’s the very moment of the car and spaceship crash.

From there, our avatar starts searching for the “white shadow” broadcast signal. The astronaut is the source at the top of the antenna, so Selene begins to trail him. But as we saw earlier, this white shadow is also the moon’s glow through the surface.

Thus, Act 1 takes the form of an ascent to the top of the abandoned citadel, echoing Selene’s ascent from the bottom of the river. Both are following the white shadow.

After her accident, Selene looks for this signal in the same way that Housemarque looks for a way out of his problem. And this process is iterative. The studio gradually calibrates its design through creative loops of additions, deletions and adjustments. In the same way, Selene methodically discovers her own story, trapped in the heart of a temporal cycle.

In the heat of the accident’s chaos, their first common reflex was to move away from the arcade, from Helios, to get a breath of air. To survive.

The ascent to the white shadow is therefore the path that is supposed to lead Housemarque to the realm of AAA. And in parallel, it promises to lead Selene to her mother’s dream: to become an astronaut by surviving the crash and abandoning Helios to his fate.

This desire to free herself from her maternal status is directly reflected in the game’s health system. In ancient times, the absorption of Silphium was known to act as a contraceptive. This is how our avatar repairs her “integrity”, and it connects with the idea of Selene/Theïa being cut off from her dreams by her status as a mother.

This ascent sounds like a macabre and unhealthy liberation. A sequence of events that echoes Théïa’s accident, which cost the life of Alex.

That’s why the escape from Atropos turns out to be nothing but an illusion. That of a dreamed, peaceful life, built on the corpse of a child abandoned to his fate. Our avatar’s death of old age is not a way out. Selene, like the studio, will have to understand why pursuing the astronaut ultimately sends her back to this cursed planet.

The second act is therefore, conversely, a dive into oneself. A form of introspection. The vision is clearer now that the astronaut has disappeared.

Our avatar/studio will have to project herself into the past to trace the origin of the problem. In reality, in this temporal frame, the astronaut hasn’t really disappeared. He simply hasn’t yet had time to form in Selene’s psyche.

The quest thus shifts from an ascent into a descent to the depths of Atropos. A dive into a repressed universe: the aquatic dreams of Helios. In other words, it’s symbolically a return to the arcade and a descent to Helios, trapped in the vehicle.

It’s in the depths of this space that Selene meets Xaos. A form of primordial divinity akin to the Greek Chaos, but whose appearance has fused with Octo. We’ll come back to the mythological elements later.

We can see, however, that its design takes that of a machine from Nex Machina (below) and mixes it with the Octo plush, forming a “Lovecraftian” cosmic entity.

As such, Xaos is a chimera built in a similar way to Selene, the avatar. He is the cosmic entity that will connect Housemarque to the Nex Machina arcade genre and Selene to Helios (as Octo does).

In the depths of this abyssal scar, the blood of a god flows (Ichor). Helios awaits his ascension, locked away.

Reignite the sun

The end of the second act is a revelation. But before that happens, the attentive player will have had the opportunity to notice a new break in the fourth wall.

Returnal’s HUD is, in fact, based on the systems of the ship Helios. It is the only unchanging point in the game that tracks our progress. It transcends intra-diegetic space-time, synchronizing with that of our own reality.

The tasks we obtain during our adventure evolve naturally through iteration and the achievement of objectives. What a surprise, then, to come across this during our final battle:

The HUD reveals itself as a conscious entity. A guide with a purpose of its own. Helios is calling us, and as you may have guessed, he’s looking for Selene to free him from the car. This is the aim of this third act: a quest to “reignite the sun”, to free the arcade genre from its foretold death.

But all this raises questions about the nature of the journey. If Helios addresses us through the interface, then perhaps it’s closer to the player than to the universe in which Selene evolves. Helios needs US to set him free. It’s a leap of faith on the part of the studio, expressed through the game’s interface.

It’s the players who will keep the arcade alive, or let it rest in peace, in this ultimate coup d’éclat that is Returnal.

Dead Chronos waits dreaming

In this way, Atropos becomes a planet outside space and time. The whole game is just one big minute in Selene’s real life. A timeline that stretches from the moment of the crash to the moment of dilemma between her quest for the surface and her quest to save her son.

• The game’s first ending thus represents the moment when Selene comes to her senses in the midst of a chaotic situation: the white shadow, the music, the crash, the surface quest. The sequence ends halfway through, when a shadow catches up with Selene.
• The second is to remember Helios and fight the weight of the astronaut’s gaze (Theia). She must become aware of her son’s presence in the car, and avoid reproducing her mother’s pattern. Indeed, the second ending puts Selene in the astronaut’s position. She is the cause of her own accident. In her solitary ascent, Selene has become Theia, and this realization leads her to reproduce the cycle. To return to the surface alone to live out her dreams is to kill Helios and kill Alex a second time.

The ending is open to interpretation. Does she rescue Helios? Is it too late? I think the game deliberately doesn’t answer that question. Atropos is a liminal space where Selene and Helios are between life and death. In a way, they’re like Schrödinger’s cat.

The purpose of this space is to lead our avatar towards awareness. There is no real beginning, nor any real end. Selene and Helios are locked inside a self-generating cycle. But this is precisely where the interest lies, as we’ll see later.

The game aims to show that hope can be born, even when trapped in this never-ending time capsule.

On the other hand, the whole game is also an introspection into Selene’s psyche and what determines her decision-making process. Each of the biomes, each of the bosses, each of the objects or creatures is made up of key elements from her life.

It may only last a minute for the real Selene, but it’s her entire existence that we’re unravelling on Atropos. Biome by biome. With the aim of purging her decision-making process of the parasites that life has implanted in her. The death of her twin brother, the departure of her father, the weight of a broken mother imposing her dreams on her, the distance induced by a child in love with the depths of the sea while she suffers from thalassophobia and nurtures stellar ambitions, …

In this way, the game is an eternity.

Returnal’s time is thus dilated, cut into cycles and recomposed fragments. All this is like a dream, but it also exists. For in the end, we are faced with a video game fiction that is both sensitive and immaterial. A work that takes the form of a neo-myth.

Returnal as a neo-myth

If Atropos exists without existing, it’s because Returnal’s story is written like a myth. A story featuring gods and heroes not merely for entertainment, but as a vehicle for symbols, values and philosophical thoughts. A story intended to be passed on, modulated, transformed, …

More precisely, Returnal takes the form of a neo-myth. A myth taking refuge in a modern medium. An adaptation to today’s social codes that allows a traditional tale to survive the test of time.

For example, the game takes up the myth of Sisyphus, whose boulder is none other than Selene for the player. With each death, the cycle starts anew, and the player must “push his rock” again. The game discusses the absurdity of such a task, in the same way as the original myth.

Through this parallel, he can discuss the family division that work addiction can generate, the reproductive cycle of parent/child relationships, or nihilism and its possible outcomes.

This theme of work-life balance is strongly reflected in the values of Studio Housemarque. This quality of life, both at work and outside, offers them unique opportunities. The example of Sami Hakala, Development Director, is proof of this. He is a member of a music group, which enabled him to write the main theme for Nex Machina, composed by Ari Pulkkinen. By combining creativity and day-to-day work, Housemarque is a studio that seeks to juggle Order and Chaos.

Now back to the topic. By playing out the myth of Sisyphus, Returnal confronts the player with the absurdity of the world and of life. Through this experience, it can communicate the way in which hope or happiness can actually emerge from such a task.

The game thus evokes Albert Camus’s Sisyphus, who, by accepting the context, is able to transcend his condition. Not through a search for escape, but through direct confrontation with his eternal task. Embracing his fate becomes a revolt of existence in the face of the absurd. A liberating realization.

So we see how Returnal raises modern social issues through its neo-myth. But we can also see how this reinterpretation allows the studio to discuss its creative situation at the same time.

Like Sisyphus, the studio rushed into a quest for immortality, declaring the death of the arcade in favor of a Battle Royale dream. A dream I don’t necessarily interpret as theirs, but rather as the meeting of an era and a necessity. And like Sisyphus, they were punished for it with the failure of Stormdivers. There’s no self-satisfaction on my part in saying this; a studio has to move on and select projects to survive. It’s a difficult time for the teams who invest in and cherish these projects.

Returnal is an acceptance of this reality. And finally, this is how the studio landed on Atropos, Housemarque’s Tartarus. A place where they have no choice but to bring together two rather distant philosophies: the playful spirit of the arcade and the formal constraints of a triple-A narrative. Helios and the astronaut.

A cultural mosaic

Neo-myth means the insertion of modern references. Within the house, the narrative sequences, we can find a significant number of books on mythology or science fiction. These are the building blocks of the story, in order to understand the Vassos family, but they also serve as material for the game’s other key element: the creation of this world.

Earlier, we mentioned the game’s design, which is based on the idea of the fabulous chimera. An assemblage of different elements forming a new entity. Atropos and its creatures also follow this rule. Everything, absolutely everything, is rooted in what we can find in the house.

To give just a few examples, we can draw parallels with Selene’s reading about the heroes of Greek mythology (Perseus, Theseus, Hercules, etc.).These heroes, who obtain magical objects that help them defy the gods, will find an echo in Selene and the technological tools she gathers from the corpses of the “Sentients”.

A parallel can be drawn between reading about Thalassophobia and the bioluminescent design of monsters. There’s a connection between the weapons and the various science-fiction books in the home’s bookcases. There is a connection between the pills on the hall cabinet and the Sylphium repairing our integrity.

The list is not exhaustive, and I’m convinced that it all has its roots in this house. But above all, the focal point of all this lies in the book Ichor Orbital Terminus.

It’s a book we’re given to read two or three times, and it’s a surprising one. Indeed, the book’s excerpts seem to foreshadow the events that occur in some of Selene’s narrative sequences. And yet, these lines evoke the romantic narrative of Tali Acheron, a “necro-physicist” by profession.

We also find echoes of this book in the datalog entries. Helios maintains a data bank that grows as the player uses items or encounters monsters. Each entry contains three levels of data, so patience is required to unlock them. Until the next level is reached, Helios informs us that more data is required to continue his analysis. The data contains a wealth of useful information about the object’s function, its material, how it works and how Selene reacts to it.

What a surprise, then, to find that absolutely every third entry is actually an extract from the book Ichor Orbital Terminus? This means that every object, weapon or relic, once analyzed in depth, finds an attachment to this literary fiction. It’s as if these elements, once fully deciphered, reveal a hidden reality about their nature.

The conclusion is unexpected. Atropos is a video game representation structured around an intra diegetic literary fiction, itself complemented by the other readings, films or games present in the Vassos house.

The universe of the game is thus formed by everything that made up the life of this family. A universe created as a random assembly of all the substance that formed their lives.

Xaos, Chronos, Hélios and Selene

Like any other myth, Returnal uses figures symbolizing creative forces. This neo-myth thus incorporates its own deities. But since we’re going to talk about genesis, we first need to understand what is generated in the technical term.

As a game based on “runs”, Returnal follows in the prolific footsteps of the “roguelite” genre. A modern blend of “rogue like” elements and those of another genre. It generally features a random layout of levels, combined with permanent death ( with various bonuses allowing a form of progression).

Returnal uses procedural generation to create its environments. Each “run” is different in terms of space layout. The game draws from a set of rooms, enemies, weapons and objects, which it arranges randomly until the character dies. The next cycle generates a new configuration, and so on.

We’ve already mentioned Xaos, inspired by the Greek Chaos. A formless, chaotic, primordial mass from which the entire universe emerges. By analogy, Xaos can be assimilated to this set of assets available before their organization. A cosmic entity containing all that exists prior to its existence. He is also represented in the form of an octopus, Octo, since he is the link between Helios and Selene. A guardian for him, a nightmare for her. He is the source of matter that Helios uses to generate Atropos, the space that is required for Selene’s realizations.

Helios is the solar god of the Greek pantheon. But it would be simplistic to consider him solely as a lighting god. Helios is, in fact, associated with a form of creation power. He is the light that brings life in a cyclical process that enables order to emerge from chaos. He transforms formlessness into structure. It is the one that generates the world of Returnal with each cycle. This power of creation therefore aligns very well with what it represents: the playful, creative spirit. Like a child assembling Lego to build a playground.

As one of his main attributes is to observe the world (his nickname is the Eye of Zeus), he guides the player towards him through the HUD, following his progress, or perhaps it’s Xaos (Octo) given his linking function?

Selene is the lunar goddess. In other words, she is a reflection of sunlight, which she “transmits in her absence”. She exists only in the space between chaos and order. Selene therefore symbolizes the reconciliation of opposing forces (which is reflected in her design). Between Helios and the astronaut, between interactivity and linearity, between arcade and triple A. It’s an image for Housemarque.

Finally comes Chronos, god of time. All creation is shaped by time, but Atropos seems to be governed by a time that turns in circle. “Chronos is dead” can be read in various documents in the database. He is an organizing god in the Orphic tradition (which seems to be an important breeding ground for the game’s mythological references).

Selene regularly feels a gaze weighing down on her.

Once again, the screen shatters and Selene perceives her avatar condition. If Xaos is the Studio’s interface, providing assets for the procedural system, narrative elements and so on, then Chronos is the player’s interface for controlling Selene. In a video game, time is managed by the player. The player decides what to do and when to do it. We call this player agency.

Chronos can control and organize time, transcend cycles, generate temporal rifts and link other versions of Selene. He is the image of a player organizing his avatar’s journey until the Atropos moirai cuts the thread of his life and destiny.

In this way, two cosmic forces from Returnal’s pantheon can be used to illustrate the very nature of video games and embody their core actors. Certainly, it’s a medium that takes the form of a co-construction between a player and a studio. Nothing exists without one or the other, and their joint actions form the work of art.

Videogames are, in part, theater, and the player is his own audience! That’s why gameplay is an inner performance that is transmitted outwards. “Game” and ‘Play’. A game is played the way an actor plays a role in a play. The difference is that our performance is translated through inputs on a controller. So it requires a play and a role, an author and an actor, chaos and order (in the sense of Greek mythology).

But let’s close this parenthesis. Each work produced in this way is accompanied by a subjective reading that will contribute to the mythization of the game as it is transmitted orally or on the Internet. In this way, Returnal fully embraces the non-definitive, evolving nature of myth.

Or rather its neo-myth, for Returnal is fully aware that it is a video game.

« Returnal »

To conclude, with all this in mind, the question now is what really returns in Returnal. And the easy answer is obviously Selene, performing cycles, reproducing family patterns. Returnal thus evokes the memetics at the heart of our social relationships, which we unconsciously accept and reproduce.

But in my opinion, this answer is too easy and incomplete. If Selene is coming back, it’s because what’s really coming back is the Housemarque studio, after targeting a market far removed from the arcade that made them such a success.

What’s making a comeback, then, is the arcade spirit that was almost swallowed up, and which the studio will now have to keep ablaze in the triple-A sphere.

An arcade spirit inherited directly from Nex Machina (2017). The similarities are striking. The patterns, the bosses, certain secondary weapons, the dash, the sword, certain robotic enemies, …

In fact, even the sequence of biomes is reminiscent of Returnal:

But we can also find connections to Alienation (2016), Resogun (2013) and Outland (2011).

These include symbols from Outland, such as the Sisters of Chaos, one of whom controls the light of the sun and the other the darkness of the moon. A taste for immense, mysterious statues.

Returnal is a work of return that combines a multitude of symbols, themes, myths, games and books. It’s a fiction made of assembled fictions. A mosaic that speaks as much of the Vassos family as it does of current issues, the studio that conceived them, and the creative process that brought it to where it is today.

Atropos is a symbol of the liminal space within which Housemarque is now forced to push its rock. Between its arcade heritage and an industry-leading level of production.

The game director is transparent with this reading, signing many of his posts with a direct reference to it. As here with “the spirit of Helios lives on”.

With Returnal, Harry Krueger and Housemarque have entered the small circle of my favorite game designers.

And if this work offers such a level of artistic coherence, with so many possible readings, it augurs an equally interesting next step. SAROS seems to have been inspired by Robert W. Chambers’ short story collection The King in Yellow.

A collection that evokes the arrival of a cursed play that brings about a radical change in the perception of reality. This work poses art as a threat to the established order, which is why its description is that of madness. The King in Yellow thus symbolizes the idea of a radical social revolution by the dominated over the dominant, propagated through art.

Is it possible, then, that SAROS, a term defining a period between two eclipses, evokes its own relationship with Returnal? The passage of the moon in front of the sun as a metaphor for a Returnal occulting SAROS. A quest to break free from the previous game, to assert an identity.

Returnal is a cultural revolution for the Finnish studio, an event that has radically transformed its reality, as we’ve seen throughout this article.

Only time will tell.

But if you’re reading this, you’re stuck here too.

L’article [Eng] Returnal: reignite the sun est apparu en premier sur light01C.

Pour autant, le thème de cette analyse ne sera pas vraiment de comprendre l’histoire de Selene directement. A titre personnel, je souscris particulièrement à la théorie qui explique le jeu comme étant le fruit d’un esprit unique, l’esprit de Selene. Et je rejoins cette idée, car, comme toute œuvre, Returnal parle bien plus de ses concepteurs que du sujet qu’il traite.

Je vais donc proposer une lecture qui pose Housemarque comme étant le sujet de son œuvre.

En écrivant cet article, je pars du principe que vous avez terminé le jeu. L’article contiendra de nombreux spoilers. Pour les éventuels besoins de traductions, je vous invite à utiliser DeepL.

Un grand merci à Alkasushi pour son superbe dessin qui a su capter toute l’essence de cet article!

Contexte créatif

Tout d’abord, nous devons mettre en avant le contexte qui a permis la naissance de Returnal. Housemarque est un studio finlandais fondé en 1995 par la fusion de Bloodhouse et Terramarque. Le studio est connu pour plusieurs pépites enracinées dans le monde de l’arcade. Entre autres : Super Stardust HD (2007), Resogun (2013) ou encore plus récemment Nex Machina (2017).

Si les jeux sont des succès critiques reconnus, le studio semble avoir du mal à trouver son public. Ou peut-être que le genre s’est trouvé lentement relégué à une niche toujours plus réduite. L’accueil critique des jeux Housemarque est pourtant toujours excellent et se manifeste par des score metacritic plutôt élevés.

Cependant, après la sortie de Matterfall, en août 2017, le studio ne rencontre pas le succès commercial attendu. Une situation similaire à celle de Nex Machina sorti peu de temps avant.

Une contre-performance qui conduira le studio à déclarer la « mort de l’Arcade ». Un changement de trajectoire se met donc en place chez les Finlandais qui annoncent une nouvelle ère et un nouveau projet : Stormdivers. L’objectif est de viser un marché florissant afin de permettre la survie du studio. Cependant, le Battle Royale ne sortira jamais et laissera le champ libre à Returnal, un jeu qui mêle arcade et production de hautes volées.

L’arcade façon Housemarque

Le terme « arcade » étant très vague, nous devons dès lors comprendre ce que cela signifie pour les créateurs de Nex machina.

Tout d’abord, la philosophie générale se résume par une « catch phrase » assez évocatrice : Gameplay is King. Ce gimmick s’accompagne d’une petite précision bienvenue et, à mon sens, très juste :

En effet, il serait très réducteur de réduire le gameplay d’un jeu vidéo à ses règles, ses systèmes ou la profondeur des « combos » de boutons à utiliser. Il s’agit avant tout du fruit d’un échange cyclique entre l’image à l’écran et notre intériorité. Un jeu se joue avant tout dans la tête.

Refermons cette parenthèse. Pour le studio, cette philosophie se découpe en quatre grands principes :

• Embrasser la simplicité : un principe qui rappelle le processus créatif d’un autre génie de l’industrie, j’ai nommé Fumito Ueda et son non moins fameux « design par soustraction ». Apporter des idées et laisser celles-ci distiller pour n’en retenir que les plus essentielles puis bénéficier de la réduction en volume pour les exécuter le mieux possible.
• Une profondeur sans complexité : un concept qui se résume dans le fait de rendre son jeu facile à prendre en main, mais difficile à maîtriser.
• Mettre le joueur sur le fil du rasoir : créer une tension permanente de micro gestion des différentes couches d’objectifs
• Proposer de la rejouabilité en maîtrisant le flow du jeu, en faisant confiance au joueur pour apprendre, en laissant de l’espace pour la curiosité. Proposer des variations aléatoires entre les « runs ». Le but de tout ceci est d’empêcher le joueur de passer en pilote automatique.

Le crash de l’arcade

Tout ceci est donc « mort » en 2017. Et c’est dans ce contexte que naîtra Returnal. Il est donc d’ores et déjà intéressant de constater que l’introduction du jeu montre un vaisseau s’écrasant sur une planète inconnue.

Quel meilleur emblème pour l’arcade qu’un vaisseau? C’est l’icone du « Shoot’em up« , un genre vidéo ludique établi grâce au succès de Space Invaders en 1978.

Je simplifie à l’extrême pour imager, mais si une borne d’arcade « Shmup » est une machine agrémentée de boutons contenant un vaisseau dans un écran. Hélios est, en fait, une borne d’arcade inversée : un vaisseau contenant écrans et interrupteurs. Au-delà du fait que le jeu s’inspire de la direction artistique d’Alien, le style choisi n’est pas anodin pour un studio ayant obtenu ses lettres de noblesse dans l’arcade. En effet, le vaisseau de Selene s’inscrit dans un design rétrofuturiste très analogique. Avec des sticks et des écrans aux interfaces rétro.

Hélios est un symbole qui englobe tout ce qui se rattache au Jeu en général. Que ce soit l’esprit de l’arcade, l’esprit ludique ou encore la liberté qu’implique le fait de jouer.

L’impact du vaisseau sur Atropos illustre métaphoriquement la fin de l’arcade, tel qu’annoncé par Housemarque.

Cependant, avec l’échec de Stormdivers et le tout nouveau partenariat trouvé avec Playstation, l’arcade prends finalement le rôle de refuge pour le studio. Cela se traduit en jeu par le fait qu’Hélios soit un point d’ancrage auquel Selene revient sans cesse.

Nous voyons donc déjà se profiler un autre parallèle avec l’héroïne du jeu. Mais nous devons d’abord expliquer un autre élément clé.

Le regard de l’astronaute

Si Selene parcourt l’espace, c’est avant tout parce qu’elle remonte la trace d’un signal qui lui est personnel : l’ombre blanche.

En pratique, « The white shadow » est la source de l’accident de Selene lorsque le signal prends la forme de l’astronaute et se met en travers de sa route.

Mais ensuite, il est également la source de l’abandon d’Hélios et de la promesse de survie pour Selene lorsque l’ombre blanche se révèle être l’image de la lune à travers l’eau. Un guide pour remonter à la surface.

Ce signal est en réalité une matérialisation des rêves de Théïa qui s’imposent à Selene. Si l’enfant assis dans la voiture fait référence à la lune avec la phrase « do you see the white shadow ? », il ravive en sa mère un traumatisme qui prend racine dans le fait que Théïa ne pourra jamais participer au programme Apollo 11.

L’astronaute sur la route est donc une forme inconsciente de correction de trajectoire. En effet, Selene a un problème avec la parentalité, tout comme sa mère avant elle. Cet accident est comme un mécanisme de protection qui reproduit l’accident ayant conduit à la disparition d’Alex (le frère jumeau de Selene ?) et la paraplégie de Théïa. Une reproduction inconsciente dans le but de se libérer de son enfant et retrouver l’intégrité de sa vie.

Ce tragique incident est l’origine des tourments d’une Selene hantée par une mère diminuée et dont les rêves brisés deviendront une prison étouffante.

L’astronaute est donc une fabrication mentale représentant cette pression constante. Il n’est pas étonnant, dans la lecture que nous faisons, que ce cadre dirigiste (qu’il représente) entre en conflit avec ce que représente Hélios : l’attitude ludique, non maîtrisée et libre.

Cette figure anxiogène peut être assimilée à un conformisme, au rêve d’un autre. Une forme de pensée collective, voir de pression sociale, qui voudrait imposer à Housemarque les codes et les normes de ce qui fonctionne commercialement.

De la même façon que Selene, devenant l’astronaute pour son fils, cherchera à imposer ses rêves spatiaux à un enfant qui chérit les fonds marins.

L’astronaute n’a donc pas de visage, ou tous les visages, c’est un concept et un ressenti. Il est tour à tour le rêve perdu de Théïa, l’omniprésence de Théïa pour Selene, la pression de Selene sur Hélios, … Mais il est également une représentation de l’imaginaire collectif de ce que doit être le jeu vidéo AAA.

En termes plus généraux, c’est une représentation de l’esprit collectif qui influence les générations à travers un cycle de pressions sociales exercées sur les enfants par la perspective, plus ou moins intrusive, de leurs aînés. Un schéma qui se répète pouvant aller jusqu’à créer l’isolation puis la division, voir la mort : les sectionnés.

Briser le 4ème mur

Returnal est un jeu surprenant, car tout ce qui est expliqué au-dessus prend corps dans les séquences jouées du point de vue d’Hélios, l’enfant. Par ailleurs, ces dernières appuient fortement l’idée d’un univers issu d’un esprit unique du fait d’une forme d’omniscience qui en découle.

Si le jeu brise le quatrième mur, ce n’est pas pour faire un easter-egg gratuit. Cette séquence permet avant tout de lier Hélios au joueur et de renvoyer Selene à sa condition d’avatar.

Dans sa chambre, nous pouvons interagir avec différents jouets. Il s’agit d’une mise en abîme de la dichotomie de cette séquence entre contrainte linéaire et liberté de choix. En effet, les jouets liés aux rêves spatiaux sont montrés comme très rigide et creux (astronaute et navette spatiale). Ils entrent en contraste direct avec le tableau et le talkie-walkie qui laissent libre cours à l’imagination de l’enfant.

Mais mieux encore, une fois descendu, Hélios pourra s’asseoir en face de l’Astronaute lui-même. Un dialogue s’ouvre donc entre la liberté ludique et l’image normative qui contraint le jeu.

Tout cela passe par les choix flottants et stylisés pour construire un récit non-linéaire d’Hélios. Des choix mis au-dessus de la stature monolithique de l’astronaute et de son livre rigide et rectiligne.

Ce dialogue se termine sur la disparition de l’astronaute. Cet enchaînement permet de signifier le désintérêt qu’il peut montrer aux idées qui n’entrent pas dans son cadre.

Pour terminer la séquence, nous voyons Hélios récupérer Octo, sa peluche en forme de pieuvre. Et le poids du regard de l’astronaute, sûrement excédé par cette persistance de l’enfant à s’éloigner des « étoiles », fera émerger de la visière des tentacules monstrueux. Une façon de montrer l’association qui se fait entre la colère provoquée chez la mère, la peur de l’adulte chez l’enfant et la peluche.

Nous découvrons donc ici, la source du design récurrent des tentacules du bestiaire qui accable nos cycles « Atropiens ».

Enfin, sous notre lecture, cela véhicule le sentiment que ces représentations inconscientes que l’on se fait d’un jeu peuvent terroriser le jeu lui-même. Un discours qui fait écho au principe de simplicité dans le design arcade chez Housemarque évoqué plus tôt.

Selene, avatar d’Housemarque

Avec tout ceci en tête, nous comprenons donc que Selene représente Housemarque dans la poursuite de son rêve de succès commercial. Un rêve stellaire aboutissant au crash sur Atropos.

Considérée en tant qu’avatar, Selene combine trois représentations : elle est une copie presque parfaite de sa mère, Théïa, mais avec deux attributs bien connus du dieu Hélios : une chevelure dorée et une hétérochromie qui fait écho à son surnom : l’œil du monde. Sa combinaison spatiale évoque quant à elle l’astronaute.

Le mélange de ces trois éléments produit une image de Selene qui n’est pas nécessairement fidèle au personnage qu’elle interprète, mais cela permet de traverser tous les concepts et arcs narratifs du jeu. Le personnage se trouve ainsi mythisé, mais nous reviendrons là-dessus plus tard.

Ainsi, cet avatar fait vivre trois concepts en son sein :

• L’inévitable poids de la filiation (Théïa).
• L’indissociable genre « arcade » déclaré mort (Hélios).
• L’ambition affichée d’atteindre de nouveaux horizons (l’astronaute).

Ce design fait écho aux chimères fabuleuses (griffons, sphinx, …) et permet à Returnal de jouer sur une dichotomie entre réel et fiction de façon à ne jamais pouvoir statuer définitivement. En effet, Returnal se construit comme un néo-mythe, mais nous détaillerons plus tard ces notions.

Ce procédé permet également d’intégrer les intériorités d’Hélios et de Théïa au voyage de Selene. Tout est vrai, issu du drame de cette famille et, cependant, rien ne l’est vraiment car recombiné, mythisé.

Cela place le joueur dans une position d’accompagnateur, voir de thérapeute, qui poussera l’avatar à lentement démêler les bouts de son histoire. Le fait de jouer devient donc un acte libérateur pour Selene et Housemarque. Chacun cherchant une issue à son cauchemar par l’itération.

Ascension et descente

Le jeu se déroule en trois actes et nous pouvons désormais proposer une double lecture globale du jeu. Commençons par les deux premiers actes.

Le premier se situe au moment où le studio déclare que l’arcade est mort. C’est l’instant zéro pour le studio et Selene. En effet, dans le récit, c’est l’instant même du crash en voiture et en vaisseau.

À partir de là, notre avatar se met en quête du signal de diffusion « ombre blanche ». L’astronaute en est la source au sommet de l’antenne et Selene se met donc à sa poursuite. Mais comme nous l’avons vu plus haut, cette ombre blanche est aussi l’éclat de la lune à travers la surface.

L’acte 1 prends donc la forme d’une ascension jusqu’au sommet de la citadelle abandonnée faisant écho à la remontée de Selene depuis le fond de la rivière. Les deux suivent l’ombre blanche.

Après son accident, Selene cherche ce signal de la même façon qu’Housemarque cherche une issue à son problème. Et ce processus est itératif. Le studio calibre peu à peu son design par des boucles créatives d’ajouts, de retraits et d’ajustements. De la même manière, Selene découvre sa propre histoire de façon méthodique coincée au cœur d’un cycle temporel.

Au cœur du chaos que représente cet accident, leur premier réflexe commun fut de s’éloigner de l’arcade, d’Hélios, pour reprendre une bouffée d’air. Pour survivre.

L’ascension vers l’ombre blanche est donc le chemin censé conduire Housemarque au royaume du AAA. Et de façon parallèle, elle promet de conduire Selene au rêve de sa mère : devenir astronaute en survivant au crash et en abandonnant Hélios à son sort.

Cette volonté de se libérer de son statut maternel transparaît directement au travers du système de santé du jeu. L’absorption de Silphium, durant l’antiquité, était connue pour agir comme contraceptif. C’est de cette façon que notre avatar répare son « intégrité » et cela se connecte à l’idée d’une Selene/Théïa amputée de ses rêves par son statut de mère.

Cette ascension sonne donc comme une libération macabre et malsaine. Une suite d’événements qui fait écho à l’accident de Théïa et ayant coûté la vie à Alex.

C’est pour cela que la fuite d’Atropos se révèle n’être qu’une illusion. Celle d’une vie rêvée, paisible, bâtie sur le cadavre d’un enfant abandonné à son sort. La mort de vieillesse de notre avatar ne sera pas une échappatoire. Selene, comme le studio, devra comprendre pourquoi poursuivre l’astronaute la renvoie, à terme, sur cette planète maudite.

Le second acte est donc, inversement, une plongée en soi. Une forme d’introspection. La vision est plus claire désormais puisque l’astronaute a disparu.

C’est donc dans le passé que notre avatar/studio devra se projeter pour remonter à l’origine du problème. En réalité, dans cette temporalité, l’astronaute n’a pas vraiment disparu. Il n’a simplement pas encore eu le temps de se former dans la psyché de Selene.

La quête passe donc d’une ascension à une descente dans les fonds marins d’Atropos. Une plongée orientée vers un univers refoulé : les rêves aquatiques d’Hélios. Autrement dit, il s’agit symboliquement d’un retour à l’arcade et d’une descente vers Hélios, coincé dans le véhicule.

C’est au plus profond de cet espace que Selene rencontre Xaos. Une forme de divinité primordiale assimilable au Chaos grec, mais dont les traits auraient fusionné avec Octo. Nous reviendrons sur les éléments mythologiques plus tard.

Nous pouvons cependant constater que son design reprend celui d’une machine tirée de Nex Machina (ci-dessous) pour se mixer à la pieuvre Octo, formant ainsi une entité cosmique « Lovecraftienne ».

Ainsi, Xaos est une chimère construite de façon similaire à Selene, l’avatar. Il est l’entité cosmique qui va connecter Housemarque à l’arcade de Nex Machina et Selene à Hélios (comme le fait Octo).

Au plus profond de cette balafre abyssale, le sang d’un dieu coule (Ichor). Helios attend son ascension, enfermé.

Rallumer le soleil

La fin de ce second acte fait office de révélation. Mais avant d’arriver à celle-ci, le joueur attentif aura eu le loisir de remarquer une nouvelle rupture du quatrième mur.

Le HUD de Returnal est, en effet, basé sur les systèmes du vaisseau Hélios. Il s’agit du seul point invariable du jeu qui compile notre avancée. Il transcende l’espace-temps intra diégétique en se synchronisant avec celui de notre réalité.

Les tâches que nous obtenons au fil de notre aventure évoluent naturellement à force d’itération et d’atteinte d’objectifs. Quelle surprise, donc, de tomber sur ceci lors de notre dernier combat :

Le HUD se révèle être une entité consciente. Un guide avec un but qui lui est propre. Hélios nous appelle et vous l’aurez compris, il cherche à ce que Selene le libère de la voiture. C’est le but de ce troisième acte: une quête pour « rallumer le soleil », libérer l’arcade de sa mort annoncée.

Mais tout ceci questionne sur la nature du voyage. Si Hélios s’adresse à nous par le biais de l’interface alors celle-ci est peut-être plus proche du joueur que de l’univers dans lequel Selene évolue. Hélios a besoin que NOUS le libérions. Il s’agit donc d’un acte de foi de la part du studio mis en abîme par le biais de l’interface du jeu.

Ce sont les joueurs qui feront vivre l’arcade ou qui le laisseront reposer en paix dans cet ultime coup d’éclat qu’est Returnal.

Dead Chronos waits dreaming

Ainsi, Atropos devient une planète hors de l’espace et du temps. Tout le jeu ne représente qu’une grosse minute dans la vie réelle de Selene. Une temporalité qui va du moment du crash jusqu’au moment de dilemme entre sa quête de surface et celle pour sauver son fils.

• La première fin du jeu représente ainsi le moment où Sélène reprend ses esprits au cœur d’une situation chaotique : l’ombre blanche, la musique, le crash, la quête de surface. La séquence se clôt à mi-chemin, lorsqu’une ombre rattrape Selene.
• La seconde consiste à se souvenir d’Hélios et combattre le poids du regard de l’astronaute (Théïa). Il s’agit de conscientiser la présence de son fils dans la voiture et de ne pas reproduire le schéma de sa mère. En effet, la seconde fin place Selene dans la position de l’astronaute. Elle est la cause de son propre accident. Dans sa remontée solitaire, Selene est devenue Théïa et cette réalisation la conduit à la reproduction du cycle. Remonter seule à la surface pour vivre ses rêves, c’est tuer Hélios et tuer Alex une seconde fois.

La fin reste libre à interprétation. Sauve-t-elle Hélios ? Est-ce trop tard ? Je pense que le jeu ne répond volontairement pas. Atropos est un espace liminal où Selene et Hélios sont entre la vie et la mort. D’une certaine façon, ils sont comme le chat de Schrödinger.

Le but de cet espace est de conduire notre avatar vers une prise de conscience. Il n’y a aucun réel début, ni aucune véritable fin. Selene et Hélios se trouvent enfermés à l’intérieur d’un cycle auto générateur. Mais tout l’intérêt est ici justement, comme nous le verront un peu plus loin.

Le jeu veut montrer que l’espoir peut naître, même enfermé dans cette capsule qui ne finit jamais.

D’un autre côté, tout le jeu est également une introspection dans la psyché de Selene et dans ce qui détermine son processus décisionnel. Chacun des biomes, chacun des boss, des objets ou créatures est constitué par des éléments clé de sa vie.

Si tout ne dure qu’une grosse minute pour la vraie Selene, c’est pourtant toute son existence que nous démêlons sur Atropos. Biome après biome. Dans le but de purger son processus décisionnel des parasites que la vie lui a implanté. La mort de son frère jumeau, le départ de son père, le poids d’une mère brisée lui imposant ses rêves, la distance induite par un enfant enamouré de fonds marins tandis qu’elle souffre de thalassophobie et nourri des ambitions stellaires, …

En cela, le jeu est une éternité.

Le temps de Returnal est ainsi dilaté, découpé en cycles, en fragments recomposés. Tout ceci est comme un rêve, mais cela existe également. Car au final, nous sommes face à une fiction vidéo ludique à la fois sensible et immatérielle. Une œuvre qui prend la forme d’un néo-mythe.

Returnal en tant que néo-mythe

Si Atropos existe sans exister, c’est parce que le récit de Returnal est écrit comme un mythe. Un récit mettant en scène des dieux et des héros non pas en tant que simple divertissement, mais portant des symboles, des valeurs et pensées philosophiques. Un récit ayant pour but d’être transmis, modulé, transformé, …

Plus précisément, Returnal prend la forme d’un néo-mythe. Un mythe trouvant refuge dans un support moderne. Une adaptation aux codes sociaux actuels qui permet à un récit traditionnel de subsister à travers le temps.

Par exemple, le jeu reprend à son compte le mythe de Sisyphe dont le rocher n’est autre Selene pour le joueur. À chaque mort, le cycle repart de zéro et le joueur devra « pousser sa pierre » à nouveau. Le jeu discute ainsi de l’absurdité d’une telle tâche, au même titre que le mythe originel.

Par ce parallèle, il peut discuter de la division familiale que peut générer l’addiction au travail, du cycle reproductif des relations parents/enfants ou encore du nihilisme et ses issues possibles.

Ce thème de l’équilibre entre vie professionnelle et personnelle transparaît d’ailleurs fortement dans les valeurs du Studio Housemarque. Cette qualité de vie au travail et en dehors, leur offre des opportunités uniques. L’exemple de Sami Hakala, directeur développement, en est la preuve. Ce dernier fait partie d’un groupe de musique et cela lui a permis de signer le thème principal de Nex Machina composé par Ari Pulkkinen. En mariant la créativité et le travail au quotidien, Housemarque est un studio qui cherche à jongler entre Ordre et Chaos.

Mais revenons au sujet de cette partie. Par la mise en jeu du mythe de Sisyphe, Returnal permet de confronter le joueur à l’absurdité du monde et de la vie. Par cette expérience, il peut faire comprendre la façon dont l’espoir ou le bonheur peut malgré tout émerger d’une telle tâche.

Le jeu fait donc écho au Sisyphe d’Albert Camus qui, par l’acceptation du contexte, peut transcender sa condition. Non pas par une quête visant à s’échapper, mais bien par la confrontation directe avec sa tâche éternelle. Embrasser pleinement son destin devient une révolte de l’existence face à l’absurde. Une prise de conscience libératrice.

Nous voyons donc comment Returnal évoque des sujets sociaux modernes par le biais de son néo-mythe. Mais nous pouvons également voir comment cette réinterprétation permet au studio de discuter de sa situation créative au passage.

Comme Sisyphe, le studio s’est précipité vers une quête d’immortalité en déclarant la mort de l’arcade pour se tourner vers un rêve de Battle Royale. Un rêve que je n’interprète pas forcément comme étant le leur, mais plutôt celui né de la rencontre entre une époque et un besoin. Et comme Sisyphe, ils furent punis pour cela avec l’échec de Stormdivers. Il n’y a aucune satisfaction de ma part en disant cela, un studio se doit d’avancer et de sélectionner des projets pour survivre. C’est une situation difficile pour les équipes qui s’investissent et chérissent ces projets.

Returnal fait donc office d’acceptation de cette situation. Et finalement, c’est de cette façon que le studio atterri sur Atropos, le Tartare d’Housemarque. Un lieu dans lequel ils n’ont plus le choix que de faire cohabiter deux philosophies assez lointaines : l’esprit ludique de l’arcade et les contraintes formelles d’un triple A narratif. Hélios et l’astronaute.

Mosaïque culturelle

Qui dit néo-mythe dit insertion de références modernes. Au sein de la maison, les séquences narratives, nous pouvons retrouver un nombre important de livres sur la mythologie ou la science-fiction. Ce sont les éléments constitutifs du récit, pour comprendre la famille Vassos, mais ils servent également de matériel à l’autre élément clé du jeu : la génération de l’univers.

Plus tôt, nous avions évoqué le design du jeu calqué sur l’idée de la chimère fabuleuse. Un assemblage d’éléments différents formant une entité nouvelle. Atropos et ses créatures suivent également cette règle. Tout, absolument tout, prends racine dans ce que nous pouvons trouver dans la maison.

Pour donner quelques exemples, nous pouvons faire des rapprochements avec les lectures de Selene sur les héros de la mythologie grecque (Persée, Thésée, Hercules, …). Ces héros, qui obtiennent des objets magiques les aidant à défier les dieux, trouveront un écho chez Selene et les outils technologiques qu’elle recueillera sur les cadavres des « Sentients ».

Il est possible de faire un parallèle entre les lectures sur la Thalassophobie et le design bioluminescent des monstres. Sur la relation entre les armes et les divers livres de science-fiction présents dans les bibliothèques de la maison. Une connexion entre les pilules sur le meuble d’entrée et le Sylphium réparant notre intégrité.

La liste n’est pas exhaustive et je suis convaincu que tout prend racine dans cette maison. Mais surtout, le point central à tout ceci réside dans le livre Ichor Orbital Terminus.

Un livre qu’il nous est donné de parcourir à deux ou trois reprise et qui est surprenant. En effet, les extraits du livre semblent annoncer les événements qui se produisent dans certaines séquences narratives de Selene. Pourtant, ces lignes évoquent le récit romanesque de Tali Acheron, « nécro-physicienne » de son statut.

Nous trouvons également un écho à ce livre dans les entrées du journal de bord. Hélios tient en effet une banque de donnée qui se complète à mesure que le joueur utilise des objets ou rencontre des monstres. Chaque entrée contient trois niveaux de données et il faudra donc faire preuve de patience pour les débloquer. Tant que le palier suivant n’est pas atteint, Hélios nous informe qu’il lui faudra plus de données pour poursuivre son analyse. Nous trouverons dans ces données diverses informations utiles sur la fonction de l’objet, sa matière, son fonctionnement, sur la façon dont Selene y réagit.

Quelle surprise, donc, de constater qu’absolument toutes les troisièmes entrées ne sont en réalité qu’un extrait du livre Ichor Orbital Terminus ? Cela signifie que chaque objet, arme ou relique, une fois analysés en profondeur, trouve un attachement à cette fiction littéraire. Comme si ces éléments, une fois décryptés intégralement, révélaient une réalité occulte sur leur nature.

La conclusion est inattendue. Atropos est une représentation vidéo ludique structurée autour d’une fiction littéraire intra diégétique, elle même complétée par les autres lectures, films, ou jeux présents dans la maison des Vassos.

L’univers du jeu est donc formé par tout ce qui a pu constituer la vie de cette famille. Un univers conçu comme un assemblage désordonné de toute la substance ayant formé leurs existences.

Xaos, Chronos, Hélios et Selene

Comme tout mythe, Returnal utilise des figures symbolisant des puissances créatrices. Ce néo-mythe intègre donc ses propres divinités. Mais puisque nous allons parler de genèse, nous devons d’abord comprendre ce qui est généré au sens technique.

En tant que jeu basé sur des « runs », Returnal s’inscrit dans la lignée prolifique du genre « roguelites ». Un mélange moderne entre des éléments « rogue like » et ceux d’un autre genre. On y retrouve généralement un agencement aléatoire des niveaux qui se combinent à une mort permanente (modulo divers bonus permettant une forme de progression).

Returnal exploite une génération procédurale pour créer ses environnements. Chaque « run » est différente en termes d’agencement de l’espace. Le jeu pioche donc dans un ensemble de salles, d’ennemis, d’armes ou encore d’objets, qu’il organisera de façon aléatoire et ceci jusqu’à la mort du personnage. Le prochain cycle générant une nouvelle configuration et ainsi de suite.

Nous avons déjà évoqué Xaos, inspiré du Chaos grec. Une masse informe, chaotique et primordiale d’où tout l’univers émerge. Par analogie, Xaos est donc assimilable à cet ensemble d’assets disponibles avant leur organisation. Une entité cosmique qui contient l’ensemble de l’existant avant son existence. Il est également représenté sous la forme d’une pieuvre, Octo, puisqu’il fait la liaison entre Hélios et Selene. Un gardien pour lui, un cauchemar pour elle. Il est la source de matière dont Hélios se sert pour générer Atropos, l’espace nécessaire aux réalisations de Selene.

Hélios est le dieu solaire du panthéon grec. Mais il serait réducteur de l’assimiler uniquement à son rôle d’éclairage. Hélios est, en effet, assimilé à une forme de pouvoir de création. Celui de la lumière qui permet la vie dans un processus cyclique qui fait émerger l’ordre du chaos. Il permet la transformation de l’informe en structure. Il est celui qui génère le monde de Returnal à chaque cycle. Ce pouvoir de création s’aligne donc très bien avec ce qu’il représente : l’esprit ludique et créatif. Comme un enfant qui assemblerait des Lego pour fabriquer un terrain de jeu.

L’un de ses attributs principaux étant d’observer le monde (son surnom est l’œil de Zeus), il guide le joueur vers lui au travers du HUD en suivant son avancée, ou peut être s’agit-il de Xaos (Octo) étant donné sa fonction de lien ?

Selene est la déesse lunaire. Autrement dit, elle est un reflet de la lumière du soleil qu’elle « transmet en son absence ». Elle n’existe que dans l’espace entre le chaos et ordre. Selene symbolise donc la réconciliation de forces contraires (ce qui transparaît dans son design). Entre Hélios et l’astronaute, entre interactivité et linéarité, entre arcade et triple A. Il s’agit donc d’une image pour Housemarque.

Enfin, vient le tour de Chronos, dieu du temps. Toute création s’inscrit dans le temps, mais Atropos semble régit par un temps qui se ferme sur lui-même. « Chronos is dead » peut on lire dans divers documents de la base de données. Il s’agit d’un dieu organisateur dans la tradition orphique (qui semble un terreau important pour les références mythologiques du jeu).

Selene sent régulièrement un regard peser sur elle.

À nouveau, l’écran vole en éclats et Selene entraperçoit sa condition d’avatar. Si Xaos est l’interface du Studio, celui qui fournit les assets au système procédural, les éléments de narration, etc. Alors Chronos est l’interface du joueur pour le contrôle de Sélène. En effet, dans un jeu vidéo, le temps est géré par le joueur. Il décide de ses actions et de leur ordonnancement. Nous appelons cela, l’agentivité du joueur.

Chronos est ainsi capable de contrôler et d’organiser son temps, de transcender les cycles, de générer des failles temporelles et mettre en relation d’autres versions de Selene. Il est l’image d’un joueur organisant l’épopée de son avatar jusqu’à ce que la moire Atropos ne coupe le fil de sa vie, de son destin.

Par ce biais, deux forces cosmiques du panthéon de Returnal permettent d’évoquer la nature même du jeu vidéo et de représenter ses acteurs principaux. Assurément, il s’agit d’un médium qui émerge d’une co-construction entre un joueur et un studio. Rien n’existe sans l’un ou sans l’autre et leurs actions conjointes forment l’œuvre.

Le jeu vidéo est, en partie, du théâtre et le joueur est son propre public ! C’est pour cela que le gameplay est une performance intérieure qui est transmise vers l’extérieur. « Game » et « Play ». Un jeu se joue comme un acteur joue un rôle au sein d’une pièce. À la différence près que notre performance se traduit par des inputs sur une manette. Il faut donc une pièce et un rôle, un auteur et un acteur, le chaos et l’ordre (au sens de la mythologie grecque).

Mais fermons cette parenthèse. Chaque œuvre ainsi produite s’accompagne d’une lecture subjective qui viendra contribuer à la mythisation du jeu lors de sa transmission orale ou sur Internet. Returnal adopte ainsi pleinement la nature non-définitive et évolutive du mythe.

Où plutôt de son néo-mythe, car Returnal est conscient d’être un jeu vidéo.

« Returnal »

Pour conclure, avec tout ceci en tête, la question qui se pose désormais est de déterminer ce qui revient réellement dans Returnal. Et la réponse facile est bien évidemment Selene, effectuant des cycles, reproduisant des schémas familiaux. Returnal évoque ainsi la mémétique au cœur de nos rapports sociaux que l’on accepte et reproduit inconsciemment.

Mais cette réponse est trop facile et incomplète à mon sens. Si Selene revient, c’est parce que ce qui revient avant tout, c’est le studio Housemarque après avoir ciblé un marché éloigné de l’arcade qui a pourtant fait leur succès.

Ce qui fait son retour, c’est donc l’esprit de l’arcade qui fut presque englouti et que le studio devra désormais maintenir enflammé dans la sphère triple A.

Un esprit de l’arcade hérité directement de Nex Machina (2017). Les ressemblances sont frappantes. Les patterns, les boss, certaines armes secondaires, le dash, l’épée, certains ennemis robotiques, …

En réalité, même l’enchaînement des biomes est proche de celui de Returnal:

Mais nous pouvons également trouver des connexions à Alienation (2016), Resogun (2013) ou encore Outland (2011).

On y trouve, par exemple, des symboles venus d’Outland tels que les sœurs du chaos dont l’une contrôle la lumière du soleil et l’autre l’obscurité de la lune. Le goût pour les statues immenses et mystérieuses.

Returnal est une œuvre de retour qui combine une multitude de symboles, de thématiques, de mythes, de jeux ou encore de livres. C’est une fiction faite de fictions assemblée. Une mosaïque qui parle autant de la famille Vassos, que de sujets actuels, que du studio qui les a conçus, ou encore du processus créatif qui l’a conduit là où il est.

Atropos est un symbole de l’espace liminal au sein duquel Housemarque est désormais contraint de pousser son rocher. Entre son héritage arcade et un niveau de production à la pointe de l’industrie.

Le directeur du jeu est d’ailleurs transparent avec cette lecture, en signant beaucoup de ses posts avec une référence directe à celle-ci. Comme ici avec « the spirit of Helios lives on ».

Avec Returnal, Harry Krueger et Housemarque sont entrés dans le cercle assez restreint de mes concepteurs de jeux favoris.

Et si cette œuvre offre un tel niveau de cohérence artistique, avec autant de lectures possibles, cela augure une prochaine étape tout aussi intéressante. En effet, SAROS semble s’inspirer du recueil de nouvelles Le roi en jaune par Robert W. Chambers.

Un recueil qui évoque l’arrivée d’une pièce de théâtre maudite provoquant un changement radical dans la perception de la réalité. Cette œuvre pose l’art en menace pour l’ordre établi, c’est la raison pour laquelle la description qui en est rendue est celle de la folie. Le roi en jaune symbolise ainsi l’idée d’une révolution sociale radicale par les dominés sur les dominants et se propageant par l’art.

Est-il possible alors que SAROS, un terme définissant une période entre deux éclipses, évoque son propre rapport à Returnal ? Le passage de la lune devant le soleil posé en métaphore d’un Returnal occultant SAROS. Une quête d’affranchissement du jeu précédant, d’affirmation d’une identité.

Returnal est une révolution culturelle pour le studio finlandais, un événement ayant transformé sa réalité de façon radicale comme nous l’avons vu tout au long de cet article.

Seul l’avenir nous le dira.

Mais si vous lisez ceci, vous êtes coincé ici aussi.

L’article Returnal: rallumer le soleil est apparu en premier sur light01C.

Le premier contact avec le jeu est assez déroutant car la caméra est assez inhabituelle, placée au dessus des personnage à la façon des Sims. Le gameplay n’est pas très poussé mais propose une liberté d’interaction suffisante pour laisser au joueur libre cours à son imagination dans l’espace qui lui est alloué. Car à la manière d’un Outer Wilds (déjà édité par Annapurna) la progression dans ce jeu est laissée en grande partie à l’instinct de son joueur. Pas de niveaux, pas de checkpoint, pas de capacités à débloquer. Juste votre connaissance grandissante simulé dans le jeu par la mémoire d’Aaron, le personnage principal, au sein des dialogues.

L’une des intentions de Luis Antonio est de laisser le joueur agir et voir les conséquences de ses actions sur les événements mais aussi sur les personnages. Vous pourrez donc expérimenter librement toute sorte d’interactions dans cet appartement qui sert de lieu principal à ces boucles temporelles. Cachez vous dans un placard avant que votre femme saches que vous êtes là et observez ce qu’il se passe. Prenez un couteau et tentez de vous défendre… 1 fois, 2 fois, 3 fois… Avalez des somnifères, donnez en à votre épouse, arrosez vos plantes, enfermez vous aux toilettes… la liste est longue et c’est par votre créativité et l’acquisition de connaissances que vous pourrez avancer dans cette histoire.

En effet, le personnage principal est le seul a pouvoir se souvenir des boucles précédentes et lui même apprendra avec vous à se servir de ce savoir et à en tirer parti. Les dialogues sont doublés par les excellents James McAvoy, Daisy Ridley et Willem Dafoe et aident vraiment à ressentir l’impact de vos actes sur le déroulement d’une boucle. Les dialogues du héros principal particulièrement ont fait l’objet d’un travail puisque le personnage apprendra au fil des boucles à aller à l’essentiel, mettre un ton particulier ou même faire des remarques suite à des discussions qu’il a déjà vécu maintes fois.

L’intrigue repose ainsi sur une suite d’événements simples. Vous rentrez du travail, accueilli par votre épouse jusqu’à ce qu’un policier tape à votre porte, vous interroge au sujet du meurtre de votre beau père par votre femme et vous tue ou vous frappe, etc. redémarrant la boucle à votre entrée dans l’appartement. C’est un petit labyrinthe qui réclame un certain temps pour le finir intégralement car le jeu contient quelques secrets qui permettent de mettre un terme à cet enfer. J’ai mis 6h à finir la trame principale et 1h de plus à compléter le jeu. Si le scénario ne semble pas vraiment payer de mine une fois terminé c’est en plongeant dans les secrets du jeu que nous pouvons trouver une richesse insoupçonnée. Je vous emmène avec moi dans mon enquête, attention donc aux spoilers à partir d’ici.

L’Horloge

Le jeu s’ouvre sur une horloge déjà placée sur dix minutes puis revient à zéro le temps du générique sur fond de musique inversée.

Une fois remontée à zéro le menu s’affiche nous permettant de lancer le jeu. Ce détail est important car vous pouvez noter que l’horloge est en fait déjà sur le mur du père de notre avatar, un mur en bois que l’on retrouve bien plus tard dans l’aventure.

L’horloge est très simple mais recèle deux détails particuliers:

• Sur le centre du cadran vous pouvez discerner un motif bouddhiste très léger qui se nomme « le nœud sans fin ».

Dans le bouddhisme, le nœud sans fin représente l’esprit du Bouddha ainsi que l’interdépendance de toute chose. Un concept très important au regard de ce jeu.

• Il y a aussi sur les bords de cette horloge des gravures elles aussi d’inspiration bouddhiste qui rappellent les motifs trouvés sur un mandala. Il est possible de retrouver le motif de l’horloge sur les clés de l’appartement.

Mandala signifie « Cercle » en sanskrit (ici le cercle est l’horloge). C’est une aire rituelle d’aide à la méditation. L’idée est de fixer régulièrement les motifs au point de les internaliser dans les moindres détails jusqu’à pouvoir visualiser l’ensemble sans le regarder. Ces mandalas sont construits selon une liturgie nommée tantras qui instruisent le pratiquant sur la façon de le fabriquer et le visualiser tout en définissant les mantras (des prières ou invocations) à réciter.

L’intro de 12 minutes reviens donc à fixer une horloge qui fait office pour nous de mandala. La méditation commence et nous pouvons entrer dans la boucle en partant de zéro. Une vue à la première personne nous incarne dans le corps d’Aaron puis l’ascenseur ouvre sur le palier de l’appartement.

Une boucle de 10 minutes

Le jeu comporte pas mal de références au cinéma. ici la moquette de l’Overlook est un hommage symbolisant l’aspect onirique, mystique et labyrinthique du lieu. Une vue de l’esprit de notre personnage, comme en attestent les deux tableaux présent à l’arrivée d’Aaron présageant déjà du futur de nos boucles.

Le subconscient d’Aaron nous parle par le biais d’une peinture d’une bibliothèque avec un livre rouge (le père d’Aaron) et une autre d’un Dahlia (sa mère). Deux personnages importants pour l’histoire de notre avatar.

La première chose à noter c’est que contrairement à ce qu’annonce le titre, la boucle de gameplay dure en fait dix minutes maximum et pas douze. Étrange mais vous pourrez vérifier vous même.

La boucle commence simplement par notre entrée dans l’appartement. Notre épouse (doublée par Daisy Ridley) se prépare dans la salle de bain en chantonnant. Notre personnage (doublé par James McAvoy) n’a qu’à l’attendre quelque secondes pour démarrer une soirée tout ce qu’il y a de plus normal. Nous pouvons vaquer mais notre femme nous a préparé une surprise. Après la découverte du gameplay il est tout naturel de passer à la suite de la soirée et notre conjointe nous apprends donc par le biais d’un cadeau que nous allons être papa. Un moment simple au jeu d’acteur juste et crédible qui, je trouve, aide beaucoup le joueur à obtenir une motivation pour la suite de la boucle. En effet, après plusieurs minutes le personnage doublé par Willem Dafoe se présente comme étant policier et viens brutaliser notre femme puis nous même.

Au delà du scénario, je pense que l’intention ici est de placer le joueur face à un problème dont il n’a pas la mesure et de le faire réagir avec les informations en sa possession: Un policier douteux brutalise notre femme enceinte. La réaction primaire à mon sens est de vouloir se défendre de ce dernier et donc lors de la prochaine boucle le joueur cherchera naturellement comment neutraliser le policier.

Prendre un couteau et échouer, se cacher pour le surprendre,… Finalement, pour moi le déclic est intervenu relativement tard: Il est impossible de répondre frontalement à ce personnage qui possède un couteau, une arme à feu, une paire de serflex, etc.

La boucle de dix minutes fonctionne donc d’une façon très intéressante. On nous donne un motif et nous agissons en réaction. Puis notre connaissance de la situation, de notre environnement, augmente et nous en tirons avantage lentement, à chaque boucle. C’est ainsi que d’une position défensive initialement, le joueur va lentement basculer vers une position d’enquêteur car comme vous pouvez le sentir après une boucle, personne dans cette pièce n’est innocente.

Votre femme a tenté de tuer son père, le policier tente de vous tuer pour sauver sa fille et venger votre beau père. Notre avatar… nous reviendront sur lui plus tard.

Les chemins de l’esprit

Qui n’a jamais vécu ce moment où, confronté à un problème ou une situation complexe, l’esprit prends son indépendance et commence à infecter tout le reste au point de jouer tous les scénarios possibles et imaginables. Perdu dans les limbes de ces possibilité notre réflexion se perds entre peurs, chagrin ou désespoir et fige nos actions immédiates. La prise de décision devient notre enfer pour des heures voir des jours entiers et l’aliénation de notre être devient visible sur nos corps si on le laisse faire.

La boucle de 12 minutes est une simulation de ces moments.

Plus nous en apprenons et plus l’histoire se tords et devient sombre. Comme le montre l’évolution du tableau au dessus du canapé. Au fil des boucles les saisons passent du printemps (le renouveau, la nouvelle du bébé) à l’hiver (le froid, la relation incestueuse)

Du simple mari qui rentre du travail pour apprendre qu’il va être père nous passons à une sombre histoire de meurtre sur fond d’inceste. Car oui le déroulement du jeu conduit donc à découvrir qu’Aaron est en fait le frère de son épouse. Qu’il aurait tué son père suite à une discussion sur sa morale. Le policier serait en fait une personne que le père aurait aidé. Il en a fait son mentor et sa fille mourant d’un cancer, il aurait pris la décision de faire d’une pierre deux coups en vengeant le père et en récupérant la montre pour payer les soins de sa fille.

Tout ce qui était à vous au début n’est qu’une marre boueuse à présent.

Sur ces chemins où nous errons, entre ce début naïf et ces réalités sombres, nous pouvons dénombrer plusieurs étapes marquées par les trophées du jeu qui sont au nombre de douze.

• L’une des boucles permets de déverrouiller le trophée « écouter ». Elle consiste à simplement entrer dans l’appartement et ne rien faire. Cette décision conduit notre femme à lancer une discussion sur la vérité et prendre la décision de tout nous révéler d’elle même. La boucle redémarre lorsque le couple sors de l’appartement.
• Une autre nous permet de lâchement trahir notre femme en coopérant avec le faux policier débloquant le trophée « Lâche ». Cela conduit ce dernier à récupérer la montre et tuer la femme avec le consentement muet de notre personnage qui devra appeler la police pour faire passer le meurtre pour un suicide. La boucle redémarre après dix minutes.
• Il est possible aussi de tenter de vivre comme si de rien n’était, débloquant le trophée « Routine ». Vous pouvez récupérer le numéro de la fille du faux policier et lui expliquer que son père vient pour vous tuer. Celle-ci convaincra son père de ne rien faire et vous pourrez aller vous coucher avec votre femme comme si de rien n’était. La boucle redémarre après dix minutes.
• L’une des boucles majeures sur laquelle l’histoire prends son dénouement final. Il s’agit tout simplement de comprendre que vous êtes le meurtrier du père, frère de votre sœur et de l’avouer au faux policier. Notre sœur nous demande de quitter les lieux et s’exécuter termine la boucle et libérant le trophée « Avouer ».

Si je vous parle des trophées c’est que certains sont liés entre eux et nous permettront de raccrocher les wagons avec le début de l’article.

Le mystère se lève et les éléments du jeu se transforment sous vos yeux. La boucle de dix minutes subsiste mais le décors change subtilement, par touches ici et là au fil des boucles, donnant à l’immeuble et l’appartement un caractère malléable et changeant. Un purgatoire ou un enfer qui sonne en accord avec sa référence à la moquette de l’Overlook.

Avouer permet, en décidant de ne pas quitter les lieux, d’ouvrir sur les 2 minutes manquantes à l’équation.

Une réalité de 2 minutes?

Se confesser nous conduit dans un lieu inédit et une temporalité différente: Nous retournons au moment du meurtre du père. La discussion se fait entre notre avatar, au milieu de la pièce, et le père qui tente de nous convaincre de nous détourner de notre sœur. Le père s’énerve et sors une arme. En se défendant notre avatar bascule, une balle part dans la chute tuant notre père. L’horloge remonte le temps et nous retournons à notre boucle en mesure de complètement révéler la vérités aux autres personnages.

Cependant, si révéler cette vérité passe par la récupération de la montre avant l’arrivée du faux policier, effectuer cette action conduira à un événement inattendu pour le joueur: la montre remonte le temps.

Si nous la laissons remonter jusqu’à -2 minutes alors nous nous retrouvons à nouveau dans la bibliothèque du père, en compagnie du faux policier énonçant le discours du père avant sa mort (ce qui est troublant car nous ne savons plus vraiment s’il s’agit du père ou de notre Némésis du début). La mise en scène ne laisse guère de doutes: ce personnage nous réveille d’une séance d’hypnose, de méditation. Tout porte à croire que nous sommes dans la seule réalité du jeu. 12 minutes serait donc découpé en 2 minutes d’hypnose et 10 minutes d’une boucle hypnotique.

C’est dans ces 2 minutes que se situent les trois fins du jeu.

Ouroboros et Saṃsāra

La première fin dont je veux vous parler débloque le trophée « Continuer ». Il s’agit de choisir de rester avec sa sœur dans le déni le plus absolu. Ce choix vous renvoie dans la boucle à un détail près, très subtil et facile à louper pour peu que les trophées ne vous intéressent pas: un tableau dans la maison change.

L’œuf situé dans la cuisine se fissure dès que vous découvrez la boucle du meurtre de votre père dans sa bibliothèque. La fissure révèle un œil, symbolisant l’observation de vos choix à venir. Effectuer le choix du déni révèle donc l’Ouroboros. Le serpent qui se mords là queue.

L’Ouroboros est un symbole de cycle fermé, d’éternel retour. C’est un enfermement du personnage dans une situation qui ne conduit nul part. Plus encore, c’est un symbole qui évoque, dans le Bouddhisme, la roue des existences que l’on nomme le Saṃsāra. Le Saṃsāra est le cycle de vies et de morts conditionnées et successives soumises à l’attachement, la souffrance et l’ignorance, des états conditionnés par le Karma.

C’est un concept que je trouve très intéressant au regard de 12 minutes puisque finalement ces états par lesquels nous passons au fur et à mesure de nos boucles conduisent à des révélations toujours plus sombres. Comme si finalement, l’attachement puis l’envie de tuer le faux policier influençaient notre karma et donc nos cycles.

Faire ce choix nous conduit donc à poursuivre la boucle.

Solitude et Démon

Une fin toute naturelle revient à renoncer à notre épouse et sœur. La décision est simple et rapide mais la conséquence est très bien réalisée à mon sens. Le père (ou faux policier?) vous félicite de votre choix, l’horloge se casse et le générique défile. Ce qui est très sympa c’est qu’à ce moment vous pouvez réellement penser que le jeu est terminé puisque le menu principal revient une fois le générique terminé.

Un détail cloche et mets la puce à l’oreille. Vous l’avez?

L’aiguille des minutes est cassée et c’est l’hôtel qui se reflète dans sa vitre. Mon instinct m’a dit de cliquer sur continuer et j’ai vraiment aimé ce qu’il s’est produit.

Le jeu redémarre mais vous n’avez plus de voisins, ni les deux tableaux sur le palier. Votre appartement est vide. Vous êtes seul, vous ne pouvez interagir qu’avec les quelques éléments présents. Cette fin débloque le trophée « Solitude ». L’idylle du début s’est envolé mais le monstre s’est accepté?

Est-ce une fin en soi? A-t-on résolu le problème par l’isolement? C’est la question que pose cette fin. Le vide de l’appartement rends l’expérience froide et seule subsiste la montre dans la salle de bain.

Le tableau de la chambre des époux évolue lui aussi au cours des boucles et nous offre un avant goût prémonitoire de la situation. Le monstre en nous fait fuir la femme mais le démon subsiste et se renforce grâce à la peur de perdre l’autre, la peur de la solitude. La solution de renoncer n’est donc qu’une solution de frustration qui contribue à faire grandir d’autres problèmes intérieurs qui ne sont pas mieux que la situation initiale.

Récupérer la montre et placer les aiguilles sur -2 minutes renvoie le joueur dans la bibliothèque.

A noter que l’idée de l’aiguille cassée est assez difficile à analyser mais je l’interprète comme étant une dissociation entre « l’amour de soi » de l’avatar et « le soi ». L’amour de soi est cassé mais le soi persiste à donner la mesure, à continuer dans ce faux semblant de résolution. Quelque chose en lui est brisé et nous devons le bricoler pour revenir au moment du choix.

Michael Pollan et Thich Nhat Hanh

Retour donc dans la bibliothèque du père après avoir vécu la (non)fin en solitaire. Cette scène permet l’accès aux deux fins cachées du jeu et je vais donc me concentrer, dans ce paragraphe, sur la fin qui n’est pas, à mon sens la fin ultime du jeu.

Durant la boucle originale il est possible de discuter avec notre épouse à propos du livre qu’elle lit. Elle annonce qu’il s’agit de philosophie et que cela ne nous intéressera pas, ce à quoi notre personnage réponds qu’en effet la philo ce n’est pas son truc. Mais il est possible de poursuivre la discussion jusqu’à ce qu’elle nous cite une phrase tirée d’un livre de Michael Pollan très intéressante:

« It is only by forgetting that we ever really drop the thread of time and approach the experience of living in the present moment »

Michael Pollan – The Botany of Desire: A Plant’s Eye View of the World

En français: « ce n’est qu’en oubliant que nous lâchons vraiment le fil du temps et que nous nous approchons de l’expérience de vivre dans le moment présent. »

Cette discussion anodine lors des premières boucle prends une toute autre envergure à ce moment car dans la bibliothèque, durant le discours du père, il est possible de cliquer sur ce même livre et déclencher la fin alternative qui débloque le trophée « Continuer ». Notre personnage cite cette phrase et le père philosophe sur le concept de l’oubli. Michael Pollan tient dans son livre une explication à ce sujet:

“Yes, forgetting can be a curse, especially as we age. But forgetting is also one of the more important things healthy brains do, almost as important as remembering. Think how quickly the sheer volume and multiplicity of sensory information we receive every waking minute would overwhelm our consciousness if we couldn’t quickly forget a great deal more of it than we remember.”

Michael Pollan, The Botany of Desire: A Plant’s-Eye View of the World

Soit: « Oui, l’oubli peut être une malédiction, surtout lorsque nous vieillissons. Mais l’oubli est aussi l’une des choses les plus importantes que fait un cerveau sain, presque aussi importante que la mémorisation. Pensez à la rapidité avec laquelle le volume et la multiplicité des informations sensorielles que nous recevons à chaque minute éveillée submergeraient notre conscience si nous ne pouvions pas rapidement oublier beaucoup plus que ce dont nous nous souvenons. »

Michael Pollan dans son livre The botany of Desire explique à partir de plusieurs exemples que les plantes nous cultivent elles aussi. L’idée lui vient d’une observation simple. Il plantait des pommes de terre dans son jardin lorsqu’il observe un bourdon butiner une fleur. Comme chacun sait, le bourdon est attiré par la fleur pour qu’elle dépose son pollen sur son corps, lui permettant au gré du vol du bourdon de les polliniser dans le vent et donc de se reproduire. La fleur et le bourdon se sont donc spécialisés l’un et l’autre dans l’attraction mutuelle afin d’en bénéficier chacun à son niveau. Le bourdon obtient le nectar et la fleur se reproduit.

En regardant ce bourdon Pollan se dit qu’il en va de même pour lui et les pommes de terres. Après tout les pommes de terre n’ont jamais été aussi rependues que depuis que l’homme les cultives. Et l’homme qui les récolte les mange. Ce qu’il faut comprendre ici c’est la notion d’interconnexion entre les choses qui permet le décalage de notre vision anthropocentriste vers une vision plus globale de relations mutuelles. Ce même concept qui est propre… au Bouddhisme.

Avant de poursuivre il est intéressant de noter que la fille du faux policier est surnommée affectueusement Bumblebee, le bourdon. Si le père veut la sauver en nous agressant, nous voulons aussi sauver notre épouse en le tuant (avant de comprendre que ce n’est pas la solution). Souvenez vous aussi de ce tableau lors de notre entrée dans le jeu, le livre rouge de notre épouse y est déjà présenté comme solution.

Mais reprenons notre cheminement.

L’un des concepts centraux du Bouddhisme est que tout est lié et interconnecté et que tout l’univers est constitué d’actions et réactions conditionnées. Ce principe est nommé la coproduction conditionnée et est rattachée à la notion de souffrance au travers des douze liens (12 nidānas) qui forment le cycle du Saṃsāra. C’est ce concept qui implique la pratique de la méditation dans le but d’atteindre le Nirvana par l’observation directe de la réalité telle qu’elle est.

Retour au jeu donc, car le père va procéder ensuite à une incantation dans le but de nous faire oublier tout cela. Son incantation est très intéressante.

Imaginer une fleur revenir à l’état de bourgeons (en écho à Michael Pollan), Penser à l’ensemble, se détacher du contexte et avoir une vision plus globale. Puis vient enfin l’invocation:

« May you be free from suffering, may you be free from fear and anger, may you know peace and joy »

Soit: « Puisses-tu être libéré de la souffrance, Puisses-tu être libéré de la peur et de la colère, Puisses-tu être connaitre la paix et la joie ».

Quelques recherches m’ont conduit à nouveau vers le Bouddhisme et surtout vers le Vietnamien Thich Nhat Hanh. Ce dernier est très connu pour ses livres qui visent à transmettre une philosophie de l’acceptation de soi et du moment présent. Transformer la peur en amour:

« We have a great, habitual fear inside ourselves. We’re afraid of many things — of our own death, of losing our loved ones, of change, of being alone. »

Thich Nhat Hanh

Ce dernier est d’ailleurs l’auteur d’un mantra très connu qui vise à s’accepter soi même dans un premier temps, puis transformer lentement la voie à la première personne du singulier vers une voies au pluriel tournée vers les autres :

May I be peaceful, happy, and light in body and spirit.
May I be safe and free from injury.
May I be free from anger, afflictions, fear and anxiety.

[…]

Thich Nhat Hanh

Autrement dit le père tente cette pratique avec nous. Ce qui fonctionne puisque le jeu se termine ici et que notre progression est intégralement supprimée. L’oubli fonctionne mais à mon sens ce n’est pas une fin en soi, le jeu nous renvoie finalement dans la boucle par le menu principal. Car si notre avatar oublie bien son histoire, cela ne nous sors pas du problème. Comment pouvons nous nous échapper de cela, nous qui sommes entrés en méditation en introduction?

Pleine Conscience

Nous avons vu qu’aucune issue jusque là n’est satisfaisante à notre sortie.

Il y a un concept dans le jeu qui lie Thich Nhat Hanh à Michael Pollan sur la forme. Lors de l’obtention des trophées Routine, Lâche, Avouer, nous obtenons également des bourgeons sur la plante de la chambre. Les arroser régulièrement conduira à l’obtention de trois fleurs (et du trophée « Jardinier »), des Dahlia en hommage à la mère de notre avatar. Si je vous dit cela c’est parce que Thich Nhat Hanh dit ceci à propos de ses mantras:

« [Those mantras are] effective for watering the seeds of happiness in yourself and your beloved and for transforming fear, suffering, and loneliness.”

Ces mantras sont utiles pour arroser les graines de votre paix intérieure et celle de vos proches pour transformer la peur, la souffrance et la solitude. Nous voyons ici tout le lien entre les situations générant les bourgeons et les émotions dont parle le maitre Bouddhiste Vietnamien. Le jeu tente bien de nous faire passer un message de transcendance.

Retour à la bibliothèque donc pour parler de la fin ultime du jeu selon moi. Lorsque le père nous fait son discours, il est possible, non pas de cliquer sur le livre, mais de se détacher complètement du discours en se focalisant sur l’horloge. En ayant le recul total sur l’ensemble de la situation et du temps qui passe. Il faut faire durer la conversation suffisamment longtemps pour qu’à un moment donné, en cliquant sur l’horloge, cette dernière atteigne zéro débloquant le trophée « Pleine conscience ».

Le son s’éloigne et un discours méta s’enclenche à mesure que l’on se concentre sur l’horloge. Le bol tibétain est frappé indiquant la fin de la séance de méditation. Le jeu se fige sur l’Horloge ne laissant aucune option pour continuer autre que remonter le temps de l’horloge à -2.

Nous sortons du jeu avec une leçon:

L’obsession n’est pas bonne pour nous, tout ceci n’est pas réel et il faut s’en détacher. Nous n’aurons pas de fin heureuse ni de sortie réelle pour l’avatar car c’est sans importance, ces personnages n’existent pas. Ce n’est pas en imaginant tous les scénarios possibles, ni en se plongeant dans le passé que l’on supprime la peur et la souffrance. C’est en acceptant celle ci de front et en les cultivant dans l’instant présent, en comprenant que toute chose dépends d’une autre et donc que de nous dépends le monde.

Nous atteignons une forme d’instant présent, de réalité ultime, de pleine conscience entre le jeu et la réalité.

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