Me, I’ve always loved porters. Through freezing rain and biting wind, across rivers, mountains, and endless deserts… They come to deliver something priceless. A glimpse of a life I’ve never known. They are my window — my sole connection to the outside world. And I know they’ll be back again today

Fragile, Death Stranding 2

C’est avec cette introduction que Kojima lance Death Stranding 2 : On the beach. Une tirade qui pose le premier jeu en mythe et vient attiser une attente pour le retour de la licence.

Les porters sont de retour. Et avec eux voyage une promesse de lendemain. Chaque colis est un feu protégé du vent et de la pluie. Dans leurs efforts face à la fureur des éléments, ils sont la corde sur laquelle l’humanité marche en funambule.

Dans cette analyse, nous essaierons de répondre aux questions que pose le nouveau jeu de Kojima Productions. Que veut nous transmettre On the beach? Pourquoi tant de déjà vu ? Pourquoi ces révélations en pétard mouillé ? Et quid de tous ces choix étranges et décalés ?

J’aimerais remercier ceux avec qui j’ai parcouru bientôt neuf années sur internet au sein de l’aventure French Stranding. Que de discussions, de rires et de larmes, de partage en tout genre…

Ainsi que les deux compères de l’extrême qui se reconnaitrons et avec qui nous partageons des discussions toujours plus passionnantes sur l’œuvre de Kojima.

Un grand merci à Alkasushi pour l’illustration, encore une fois, superbe.

Beaucoup de choses à aborder, donc, et je pars du principe que vous avez terminé la trame principale du jeu. Soyez donc averti que le jeu sera spoilé sans retenue. Il en ira de même pour les précédents jeu du créateur si besoin.

Substance

Death stranding 2 entretient un rapport très intime avec les précédents jeux du créateur japonais. Je trouve donc important de remettre en avant ce que j’appelle « la substance de l’œuvre » de Kojima. Autrement dit, ce que l’on retient au-delà du récit.

Depuis ses premiers pas avec Metal Gear, il n’a cessé de véhiculer un message d’émancipation.

Une émancipation :

• Du fatalisme génétique avec Metal Gear Solid.
• De la fiction à travers la reproduction mémétique dans Metal Gear Solid 2.
• Des marqueurs historiques et culturels en plongeant le joueur dans une fiction hyperréelle dans Metal Gear Solid 3
• De la saga (pour le joueur, mais aussi pour lui-même) via une dégénérescence et une recombinaison de la fiction dans Metal Gear Solid 4
• De la fiction suivant un travail sur la figure du héros dans Peace Walker
• De la fiction en explorant le thème de la légende dans Metal Gear Solid V
• Des codes vidéoludiques ainsi que du nihilisme dans Death Stranding

Le véhicule de cette quête est la fiction qu’il crée. Une fiction interactive qu’il ne cesse de fissurer. En effet, s’affranchir du « 4ᵉ mur » lui permet d’arracher son public à un état végétatif. Chaque brisure questionne, interpelle, désamorce. Ses récits offrent une forme d’interactivité et créent donc une continuité avec les phases ludiques.

Il vise à atteindre son public sans détours, plutôt que d’enfermer le récit sur lui-même.

« La substance » de l’œuvre de Kojima réside ainsi dans le fait de libérer le joueur du poids des images pour permettre l’extraction du sens et la mise en lumière des symboles. Cette façon de transmettre, qui vit en chacune de ses réalisations, est mise au service de l’avenir et d’une paix très intime. Une recherche de symbiose avec son environnement permettant de surpasser les problèmes sans les affronter frontalement.

En cela, il se positionne naturellement dans un registre au croisement entre modernisme, symbolisme et post-modernisme. Un positionnement qui s’oppose par essence au réalisme et au naturalisme. Kojima est donc un créateur relativement décalé des courants liés au déterminisme scientifique.

Il déstructure les formes, mais assure une cohérence du fond. Ses procédés questionnent l’expérience du joueur et son rapport à l’œuvre. Ses dialogues et ses personnages servent à articuler les thèmes entre eux. C’est donc très rarement qu’ils se retrouvent outils de véracité psychologique ou sociale. Ses œuvres ne s’enferment que peu sur elle-même et s’adressent surtout au joueur.

Chez Kojima, les images et les symboles sont toujours subvertis, les attentes sont trahies et les conventions sont sans cesse transgressées.

Convergence

Death Stranding 2 reprend beaucoup de ce que faisait Metal Gear Solid 4 en son temps. À la différence près que la recombinaison prend ici une forme plus globale. Toute l’œuvre de Kojima sert de matériel et On the beach vise ainsi à libérer le joueur de l’ensemble de ses fictions.

Pour atteindre son but, Kojima va littéralement faire incarner l’avenir par Elle Fanning. Son état est naturellement indécis : à la fois menace et espoir.

Cette division sera présentée sous la forme d’un Ha et d’un Ka. Tomorrow porte en elle le Death Stranding au travers de son corps capable de sécréter de la poix. Mais son âme reste posée sur les épaules de Fragile tout du long, comme une protectrice bienveillante.

Et comme pour le premier jeu, deux branches philosophiques devront s’affronter pour décider du destin de l’humanité. L’avenir est donc une entité d’extinction et une nouvelle menace l’accompagne. Et celle-ci est d’ailleurs identifiée dès les premières minutes du jeu.

Si Louise est l’entité d’extinction, alors elle est la grève et les serveurs installés dessus en sont le nouveau danger. Ou plutôt, la convergence des grèves (intériorité humaine) et des intelligences artificielles (APAS 4000). Une subtilité importante puisque le jeu cherche à questionner son joueur sur ce qui le distingue d’une IA.

L’image parle d’elle-même. Ce que l’on voit, ce sont des morts au-dessus de serveurs informatiques. Un passé numérisé qui reste enfermé dans une grève et tourne en boucle.

Créativité en circuit fermé

Cette image n’est pas anodine. C’est le propre d’une intelligence artificielle de fonctionner en circuit fermé. Elles croisent des informations passées et produisent du contenu avec. C’est un problème que nous pouvons constater en ce moment même avec les IA génératives qui puisent dans le travail d’artistes humains pour produire des images ou des sons.

Et finalement, Death Stranding 2 en est une allégorie. Le jeu est construit suivant ce même procédé. Kojima a pris le soin de s’autoréférencer à tout bout de champs, faisant revivre ici ou là des moments iconiques de sa ludographie.

D’une façon plus générale :

• Il est fabriqué comme Metal Gear Solid 4, en recombinant des tropes et des memes des jeux précédents.
• Il produit une qualité d’enrobage qui sert de déguisement répondant aux canons de l’AAA, comme a pu le faire Metal Gear Solid 3 en son temps.
• Enfin, il effectue un questionnement sur le retour du joueur dans la fiction, comme le faisait Metal Gear Solid 2.

Dans la forme, On the beach est l’image de ce que serait un jeu créé par une IA singeant Kojima. Une fiction qui se nourrit directement des fictions qui la précédent.

Mais c’est aussi un fonctionnement interne à la diégèse du jeu. Le scénario du voyage étant écrit par APAS4000, et donc indirectement par l’entité d’extinction, DS2 se trouve donc enroulé autour d’un passé qui se reconfigure pour simuler du nouveau.

From Ludens to Sedens

Pour représenter cet enfermement, la première mission du jeu consiste donc tout simplement à rentrer chez soi. Revenir au point d’attache. Et à cet endroit, nous comprenons très vite que le temps s’est arrêté.

Le symbole s’aligne sur la diégèse, car notre avatar se cache en effet derrière une illusion.

Cependant, Kojima va subvertir les codes du premier opus. Les échoués ne sont que des hologrammes de ce qui fut la menace existentielle du premier jeu. Ils deviennent même une protection. De façon plus métaphorique, Sam et Lou ont donc trouvé refuge dans une fausse mort.

On y trouvera la peinture rupestre d’Heartman servant à dissimuler un bouton. Son phonographe ne joue plus la marche funèbre, mais la musique joyeuse de B.J Thomas – Raindrops keep falling down my head. Les mains noires emblématiques des fantômes permettent de mesurer la taille de Louise. Celle-ci joue avec des crabes, des étoiles, des camions ou encore des colis miniatures et dort dans un berceau loutre.

L’introduction montre donc un avatar replié sur une époque et un univers. Comme s’il avait du mal à le quitter. Et la raison semble claire : Sam veut protéger Louise. D’ailleurs, son premier réflexe, lorsque Fragile le retrouve, sera de chercher à déplacer sa bulle plus loin. Une fuite en avant inexorable et conceptuellement sans issue.

L’Homo Ludens a laissé place à Homo Sedens, l’Homme sédentaire. Un homme enfermé dans la peur d’être retrouvé et de voir sa bulle percée.

Cette image de Sam n’est pas aléatoire, Kojima incruste en lui une représentation du joueur qui se complait dans les codes du premier jeu et craint de devoir en sortir.

C’est l’une des composantes qui traverse l’idée du faux choix, qu’est celui d’accepter ou non la quête de Fragile. Refuser, c’est décider de rester enfermé. Et justement, le refus nous enferme donc dans une boucle tout en nous faisant revenir par une photo, un souvenir figé, lui aussi.

Refuser revient donc à vouloir rester cloitré dans Death Stranding premier du nom. En conséquence, les choix verticaux (ceux qui créent la décision dans le jeu) se retrouvent à l’horizontal (dialogues sans conséquences) après un refus.

Death Stranding 2 veut que vous alliez de l’avant.

It’s just a habit

De la même façon, le prologue sert avant tout à recréer le premier jeu en miniature. On y retrouve la solitude, nos outils, des preppers à livrer. Le voyage vers le sud est même représenté d’est en ouest.

Tout y est très similaire.

Nous pouvons même y retrouver une recréation du tout premier trailer de Death Stranding en 2016. Une version ajustée qui vend déjà la mèche sur la filiation, la mort à venir et le destin de Louise comme entité d’extinction.

En revanche, cette introduction au Mexique permet de noter un premier élément essentiel à notre analyse. C’est un élément discret puisqu’il se dissimule sous le ton volontairement réaliste de l’affection que porte Sam à Lou.

Mais en réalité, un parallèle subtil est fait avec le mur de photo d’Higgs, dans le premier jeu, qui nourrissait une obsession pour Sam.

Ce procédé matérialise les attentes du joueur qui revient dans la fiction. Lou cristallise en effet tous ces rêves qu’ont les joueurs avant la sortie de cette suite. Le voyage que nous avons partagé aux UCA a créé un lien direct qui transcende la fiction.

Notre bébé virtuel rend ainsi concret un attachement mémoriel et émotionnel qui vient incarner nos attentes pour cette suite.

Mais à la manière d’un autre prologue, se déroulant dans un tanker, ces attentes seront sectionnées. Le joueur devra faire face à la mort de Louise au retour de sa mission. Dès lors, Sam se retrouve privé de son avenir et plonge dans un déni.

Hallucinations ou perception par delà la mort ? Il convient de noter que le jeu fait directement et régulièrement allusion à cette situation de déni.

Nous reparlerons de ce choix narratif plus tard, puisqu’il dynamite tout effet de plot twist ultérieur, mais crée autre chose en réaction.

egayov uaevuon nU

Cette absence, Sam va la porter avec lui via ce pod vide entouré de fils. Pour accepter la disparition de sa fille et, pour nous, de nos attentes. C’est un écho à l’Odradek de Kafka et aux observations de Freud qu’il symbolise. Une image qu’il ne voit pas, mais que le joueur attentif saura déceler dans son reflet lors du passage du portail de plaque.

Et pour cause, l’Australie se pose comme un miroir déformant des UCA. Tout en elle se place en opposition. Le voyage s’effectue cette fois d’ouest en est et aboutit lui aussi sur une montagne à gravir. Les grands espaces verts laissent place à des plaines arides et sèches. L’univers est très chaud, contrairement au premier jeu très froid.

La quête elle-même, qui démarrait par la mort d’une mère, devient un périple initié par la mort d’une fille. Un symbole de l’inversion du sens de l’héritage à venir et qui renvoie à celui qui intervient dans le logo des jeux.

Mais nous retrouvons également une structure quasiment identique avec une zone à connecter au réseau chiral et où Higgs semble apparaitre aux mêmes moments clés du récit.

Malgré toutes ces inversions qui présagent déjà d’une transformation, c’est un Sam paré à l’aventure qui se rend en Australie. Après avoir illusoirement choisi Die Hardman comme image pour Charlie, il se teindra les cheveux pour bien compléter le tableau du retour dans le passé.

Sam avance, mais porte sa bulle avec lui. Il avance en circuit fermé.

La vérité est ailleurs

Ainsi, le premier bloc du jeu tourne autour du déni de Sam. Et curieusement, le choix est fait de ne pas protéger le suspens. Que ce soit par la mise en scène ou les dialogues, On the beach en fait un secret de polichinelle.

Tout d’abord, l’ambiguïté est créée par l’apparition de Lou en tant qu’échoué dans la chambre de Sam. Il enferme même son fantôme dans son ancien pod.

Ensuite, Dollman évoque très directement l’absence de vie à l’intérieur, avant que Fragile ne lui fasse signe de se taire pour enclencher un voyage thérapeutique.

Higgs fera lui aussi directement référence au fait que Sam est devenu fou en promenant ce « cercueil » partout où il va. Mais il lâchera pourtant une exclamation de surprise en s’emparant du pod un peu plus tard.

Dans la même idée, il est possible de voir Louise flotter autour de Sam lorsqu’il dort dans la nature et pendant que la chanson de Woodkid – Are you there ? joue en fond.

Un autre moment révélateur est le passage chez le docteur. Celle-ci évoquera sans détours la condition de Sam et du Bridge Baby.

Sam ne réagit même plus dans la chambre lorsque nous voulons jouer avec lui. Le personnage est distant et obnubilé par Louise alors que le joueur voit bien que quelque chose ne va pas.

Un détachement s’opère donc naturellement de cet avatar qui semble sombrer dans la folie. Et c’est désormais le rôle de Dollman de faire l’interface entre Sam et le joueur.

Ainsi, la question qui se pose, au cours de cet arc, est de savoir où est la vérité ? Mais surtout, il se crée un questionnement de l’image elle-même. Pouvons-nous faire confiance à Sam ? À l’équipage du DHV ? À Higgs ? Peut-on faire confiance aux images du jeu lui-même ?

Mais en même temps, ce jeu de dupe isole le joueur de l’ensemble du casting, car éloigné de son avatar, il en vient également à questionner les intentions de chacun.

Un sentiment qui sera amplifié lorsque le président de l’APAC commencera à questionner la loyauté de Charlie. Ses appels en privé semant le doute quant à ses propres motivations.

De surcroit, l’apparition de Deadman en Heartman contribuera également à ce phénomène en rendant floue la notion d’apparence. Nous ne pouvons définitivement plus avoir confiance en nos yeux.

C’est une question importante de nos jours, car nous entrons dans une période de fausses images qui semblent vraies. À quoi se raccrocher quand nous ne pouvons plus croire en ce que nous voyons ?

Samsara et Nirvana

Ce schéma autour de la présence ou non de Lou dans le pod constitue donc une fabrique à histoires pour nous. Chacun se raccrochera, selon ses affinités, à l’histoire et au personnage qui lui sied. Chacun interprétera ce qu’il veut dans ces images et décidera de lui-même de faire confiance à certaines plutôt qu’à d’autres.

La révélation de l’absence de Louise arrive donc comme un pétard mouillé. Le pod était simplement vide et les histoires que le joueur s’est inventé sont résolues sans choc. Un sentiment doux-amer nait de cette libération.

Avec toutes ces amorces préalables, il me semble que Kojima ne souhaite pas construire un plot twist avec cet arc. Les éléments sont nombreux et disséminés dans le temps. Il en fait donc plutôt un processus de guérison. Un chemin à parcourir.

Cette progression aboutit à une révélation lente et sans musique. Une scène étrange, pleine de compassion, mais aussi d’isolation. Il se forme un détachement entre l’avatar et le joueur qui permet une prise de recul sur Sam et le chemin parcouru.

Kojima se sert de ce contre-pied structurel pour maintenir une continuité entre le passé, le présent et le futur. Il n’y a pas de rupture. Nous arrivons simplement dans un futur que nous avons eu le temps d’imaginer sur la base des éléments présentés au-dessus.

Ce procédé décale le sujet vers un autre thème. Celui de l’illusion. Le Sam(sara), cycle de souffrance et de renaissance qui tourmente les êtres qui n’ont pas atteint le Neil(vana), l’illumination.

Dans le bouddhisme, la souffrance nait de l’illusion d’exister : puisque tout est interconnecté, le futur n’est que la conséquence du passé. Ainsi, rien n’existe en soi, car tout est le résultat de causes multiples, interconnectées et réciproques. La souffrance naît donc de l’illusion de vivre, de l’attachement et de la peur du changement.

Ainsi, le nirvana est la libération de l’illusion et donc de la souffrance. Il est atteint par le détachement et l’acceptation du changement. C’est une quête de l’instant présent (que j’ai déjà couverte au travers du jeu 12 Minutes).

Sous cet angle, la mort de Lou est donc le produit de causes et de conséquences et le déni qui en résulte chez Sam est à imputer à la souffrance. Un produit de l’illusion d’exister.

Mais dans ce cas, il est intéressant de noter que Death Stranding 2 insère un Sam aux réactions occidentales face au deuil tout en cherchant à l’immerger dans une conception bouddhiste de l’univers.

En cela, DS2 est un peu en opposition à MGS2. En effet, Raiden est un personnage destiné à plaire à la gent féminine japonaise. Ce qui a provoqué une réception mitigée par le public en Occident, car privé de son Snake viril.

Inscrit dans sa représentation occidentale, Sam est un personnage accablé par la douleur et le manque au point de souffrir d’un déni profond. Une maladie connue sous le nom de deuil pathologique.

Son épreuve se confronte ainsi à un univers empreint de bouddhisme qui cherche à repousser cette idée d’existence et donc de souffrance.

De notre côté du globe, ce contraste crée une forme de dissonance culturelle difficile à appréhender. Il serait donc vraiment très intéressant d’observer les réactions des joueurs japonais face aux réactions de Sam.

Mais cette cassure est plus profonde encore, car elle vient toucher la structure même du récit. L’absence de rupture (induite par cette volonté de connecter le futur et le passé) crée une continuité entre les scènes, là où le joueur formaté par les canons modernes s’attend à un plot twist.

Kojima crée donc une dissonance pour mettre en lumière une illusion ancrée dans le public et héritée du Streaming et des séries à « Binge-watcher ». Des plateformes dont le besoin de rétention implique le buzz et les twists libérateurs de dopamine qui formatent les structures narratives.

Si DS2 « rate » tous ses plot twists, c’est dû au fait que pour chacun d’eux, le récit donne régulièrement des pistes. Parfois, il n’hésite même pas à en parler en amont. Et c’est ce que font les trailers aussi finalement. Tout est relativement prévisible, car tout est annoncé.

Les plots twists ne sont donc pas vraiment dynamités puisqu’ils ne sont pas vraiment la structure utilisée. Nous avons plutôt affaire à des révélations progressives.

Il n’y a que quelques moments de retournement dans le jeu. Le principal étant celui de la danse de Die Hardman. Un moment qui agit d’ailleurs comme un contre plot twist.

L’important ne réside donc pas dans la surprise qui crée une relecture du jeu. Au contraire, ce qui compte est de montrer la continuité de ces choses que l’avatar rate en se fixant sur des illusions.

Ce qui sort de ce constat est donc que l’arc du déni représente le samsara, la souffrance que provoque l’illusion d’exister. Et nous pouvons donc en tirer la conclusion que le jeu cherche la destruction de l’ego, la source des illusions.

Plus simplement, il émane du jeu une quête de détachement dans le but d’atteindre la paix intérieure afin de mettre en avant ce qui existe au moment présent : Sam n’est pas seul, des gens sont là pour lui, l’aiment et veulent le voir avancer.

Mais lui ne le voit pas, car son regard est tourné vers le passé et la souffrance.

There is no facts, only interpretations

La façon dont Sam découvre son déni est très intéressante. En effet, tout repose sur une photo argentique prise au cours de son aventure. Cette méthode est définie par le corpus comme plus apte à transcrire le réel qu’une image numérique, car les modifications sont presque impossibles à faire.

Ce qui est guéri de cette manière, c’est cette illusion de retour dans cette grande aventure impliquant BB28. Un premier jeu que le fan aimerait prolonger sans fin. Cela n’arrivera pas, puisque Kojima veut nous voir avancer.

Mais c’est aussi le regard d’un auteur post-covid sur son œuvre pré-covid. Death Stranding est-il aussi pertinent aujourd’hui ? Kojima était-il dans une forme d’illusion avec ce premier jeu ? Ce déni est peut-être celui d’un auteur plein de doutes sur son œuvre après avoir approché la mort. Un jeu qui résonne comme un questionnement sur l’héritage qu’il laissera.

Mais dans cette optique, la photo argentique porte en elle une dualité. Elle capture un moment infalsifiable. Un instant. Mais elle ne montre pas ce qu’il s’est passé quatre jours plus tôt ou plus tard. C’est une image posée comme un fait qui vient résoudre le déni de Sam de façon froide.

Pourtant, ce qui est fascinant avec DS2, c’est que cette même photo servira à la toute fin du jeu pour montrer à Sam qu’il n’a rien perdu. Il ne pouvait pas l’entrevoir par le passé, mais la photo montre bien Louise ! C’est une manière de montrer qu’un même fait peut porter différentes significations en fonction du contexte.

Cette réflexion vient complètement recolorer l’arc du déni et invoque à nouveau la thématique de la quête de l’instant présent.

En effet, la mise en perspective de ces deux usages vient mettre en avant le fait que l’avenir est incertain et que nous n’avons aucune idée de ce qui nous attend. Nos rêves peuvent disparaitre et nous accabler si l’on se laisse couler par eux, occultant la valeur de ce qui nous entoure au moment présent.

Ce discours est aussi celui d’un Kojima qui croyait avoir perdu son avenir lors de sa maladie ou encore à son départ de Konami. Un homme qui se retrouve aujourd’hui avec de multiples projets dans les tuyaux.

C’est une réalisation qui agit comme une invitation au détachement et à l’acceptation du changement. Aller de l’avant pour rencontrer son futur.

Le parapluie et ses pharmakons

Cette dualité de signification se retrouve en fait partout dans le jeu. Par exemple, dans la tenue de porter de Sam, à la fois outil de travail et treillis, la guitare d’Higgs, le DHV Magellan ou encore le samurai tour à tour ami ou ennemi (en opposition à sa neutralité dans Metal Gear).

Death Stranding 2 pose, comme socle philosophique, que les outils sont bons ou mauvais selon comment nous en faisons usage. Kojima associe cette dualité au terme Pharmakon.

Rainy est l’exemple parfait de ce principe et en expose les trois sens philosophiques.

• C’est un poison, car elle fait pleuvoir le timefall
• C’est un remède grâce à son corefall réparateur
• C’est un bouc émissaire du fait de sa première propriété

Cette ambiguïté se retrouve en réalité dans la plupart des noms des personnages. Par exemple, si l’on poursuit avec Rainy, son nom vient de sa capacité à provoquer la pluie et de la tristesse qu’elle éprouve en étant rejetée comme une sorcière. La pluie l’accompagne, car elle ne peut se connecter aux autres.

Cependant, elle est aussi le soleil à bord du DHV Magellan. Le choix de Kutsuna pour l’incarner rend cela transparent dès notre première rencontre, tant cette actrice est solaire et souriante. Après un jeu entier et le début d’un autre passé à craindre la pluie, sa danse sonne comme un espoir, un symbole de la vie qui reprend ses droits.

Elle apporte de la chaleur humaine en jouant le rôle d’interface entre Sam et Tomorrow, deux personnages émotionnellement perdus. Sa couleur est le jaune, elle incarne la joie de vivre, même dans la pluie. Sa pluie répare la terre et la fait fleurir tant et si bien qu’elle pourrait très bien s’appeler Sunny. Les fleurs jaunes qui finiront dans la chambre de Sam, une fois le déni levé, sont les siennes.

Fragile se fera protectrice de « ses pharmakons », son équipage. Chacun aura un rôle à jouer, que d’autres ne peuvent accomplir. Tarman pilote, Dollman conseille, Rainy régénère, Tomorrow détruit et Sam s’occupe des livraisons. Kojima effectue donc une remise en question de « l’homme à tout faire ». Il confiera même le commandement à Die Hardman.

Le DHV Magellan est donc à l’image de Kojima Productions et de ses talents uniques. Shinkawa, Yano, Murata, Ryu, Yoshiike, Matsuno, Sasaki, Uchida, Forsell, …

C’est pour cela que le rôle de Sam est souvent remis en cause d’une façon presque similaire à Raiden. Il sera plongé dans le déni, brûlé, cocufié, endeuillé…

« Why me ? » se demande-t-il. Nous en explorerons l’autre raison plus loin.

« Repenser l’open world pour changer le futur » 2

Le pharmakon prend aussi du sens directement dans les systèmes du jeu. Car si DS2 est un prolongement du précédent, son approche change légèrement, mais les implications sont plutôt intéressantes.

Comme nous l’avions vu il y a déjà trois ans, Death Stranding est un jeu d’optimisation de trajets. Une refonte de Mario dans un environnement 3D où chaque livraison est un « tableau » avec des obstacles à surmonter. Cela prend plus de sens si on décide d’imaginer chaque trajet parcouru selon une coupe 2D.

Le principal objectif du jeu est que le joueur se réapproprie le futur par la prévision. Imaginer le futur étant une capacité propre à l’Homme.

Death Stranding 2 reprend pour lui ce système sans trop le changer. Ce qui va être modifié, c’est l’insertion des demandes d’aides, l’accès aux outils et la construction de l’open world lui-même.

Ces changements vont suivre deux logiques qui fonctionnent contre les intentions du premier jeu :

• Une logique de destruction de l’optimisation
• Une logique d’incitation au détour

La destruction de l’optimisation passe par les modifications apportées à l’open world. Que ce soit la météo dynamique, les catastrophes naturelles, les échoués mobiles, les zones de bandits à taille variable, les structures destructibles… Tous ces éléments concourent à s’opposer à une optimisation totale et donc visent à transformer le trajet de façon imprévisible.

D’un autre côté, l’open world n’est plus vide. MGSV et DS optaient pour un open world relativement vide, car leur vision reposait sur la mise en valeur de la créativité dans l’approche d’un problème. L’open world ne servait pas à être visité, mais à être utilisé.

DS2 change la donne et exploite particulièrement bien les nouvelles capacités de la PS5, notamment grâce à sa distance d’affichage et à son niveau de détail. L’open world fourmille de secrets, de points d’intérêts qui sont même indiqués sur la carte, de surprises en tous genres, de points de vue magnifiques. Ce design s’inscrit dans la logique d’incitation au détour. Que ce soit une mine inconnue au loin, un prepper introuvable, un cratère mystérieux, une flaque de poix, un groupe de créatures chirales…

Cet open world incite au détour et cette volonté est renforcée par les demandes d’aide qui s’opposent à la logique des livraisons. Pas de point A vers B ici, ces requêtes sont disséminées un peu partout sur la carte et peuvent contenir des tâches diverses et variées. Le but est de sortir du fonctionnement basé sur l’optimisation pour entrer dans une logique libre d’assistance.

Les récompenses sont ainsi plutôt différentes, car les livraisons offrent les habituels likes qui déverrouillent des items améliorants la capacité d’optimisation. Les demandes d’aides, elles, n’offrent que des likes, mais s’accompagnent toujours d’un message sur le SSS. La récompense n’a pas de valeur « marchande » mais simplement une valeur humaine.

Le jeu insiste donc sur la dichotomie qui existe entre le jeu linéaire et le jeu libre. La livraison tend à s’optimiser et à devenir standardisée. Après un jeu entier sur la livraison, une forme de lassitude peut éclore.

Surtout que le jeu nous offre des véhicules assez rapidement et que finalement l’open world permet d’accéder à tout de façon pratique. Mais livrer en véhicule impose malgré tout de passer par les entonnoirs prévus à cet effet. Le trajet tend donc à s’uniformiser et à devenir monotone si l’on ne change pas de mode de transport.

Je pense que c’est une volonté du design d’opposer la linéarité au jeu libre. Car il oppose thématiquement le premier jeu au second, de façon ludique. Il divise les possibilités entre mode de vie prédéterminé et mode de vie libre et ouvert aux coïncidences et à l’imprévu.

La diversité des modes de déplacement permet de changer nos voies de déplacement. Changer de voie conduit à découvrir de nouvelles curiosités et cela amène à des affrontements inconnus, des demandes d’aides, de nouveaux preppers, de nouvelles mines.

L’open world est donc un pharmakon dans le sens où son poison réside dans la standardisation de nos manières de jouer et le remède en est la liberté d’agir et d’explorer. Et en ce sens, le retour de l’éventail infini des outils que MGSV avait déjà mis en avant permet de répondre à toute envie ou idée que les joueurs peuvent avoir.

DS2 est un jeu qui permet à chacun de trouver sa manière de jouer et d’avancer et l’arbre de compétences APAS vient offrir un set de capacités activables à l’envi qui accompagne ce but.

Il ne pose pas la difficulté comme une contrainte qui crée le jeu. Au contraire, son faible niveau d’exigence autorise simplement au jeu de devenir ennuyant lorsque la routine s’installe. Par exemple, en s’enfermant dans un mode de transport qui emprisonne à son tour dans des voies.

Dit autrement, c’est une œuvre qui cherche à se rendre la plus universelle possible. Elle vise à ce que l’on se réapproprie une forme de plaisir à essayer des jouets ou à découvrir de nouvelles choses. Par de multiples outils et ses nombreuses approches possibles toutes aussi satisfaisantes.

Non pas, car le game designer nous contraint, mais parce que la fatigue induite par la stagnation doit nous pousser vers d’autres chemins.

On the beach réinsère la liberté comme moteur d’évolution et comme une réponse à un fonctionnement en circuit fermé.

Et pour cela, Death Stranding 2 poursuit sa grande rétrospective vidéoludique en insérant dans sa proposition des éléments ludiques de Pacman, Hang-on, Galaga, Space invaders, etc. Mais aussi de toute sa propre ludographie: Boktai, Metal Gear, Snatcher, Policenauts.

Retenons de tout ceci que le jeu ne pose aucune valeur intrinsèque aux différentes approches. Chacun expérimentera le jeu à sa manière. Le pharmakon de cet espace ludique invite simplement à la réflexion sur nos modes de fonctionnements. Et principalement par rapport au mode de fonctionnement des IA.

Reforger son héritage

Une fois l’Australie connectée, l’heure de la grande révélation est arrivée. Le président nous attend pour nous féliciter.

Bravo cher joueur, mais tout le travail de connexion accompli durant l’arc miroir du premier jeu permet à un système informatique autonome de mettre en place son plan de sauvegarde de l’humanité. OH, quelle surprise alors !

APAS4000 veut exploiter ce réseau pour connecter les continents un par un et numériser l’Homme. En l’empêchant de se déplacer, ils supprimeront la possibilité d’une rencontre avec les échoués. Plus de néantisation, plus de death stranding, plus d’extinction.

Une réponse radicale digne d’une machine froide.

Cette révélation pseudo-dramatique effectue en réalité un détournement du grand final de Metal Gear Solid 2. Le jeu doit en partie sa légende au fait d’avoir prédit l’avènement d’une ère post-vérité où le vrai et le faux se côtoient sans tri sélectif. Il n’y a qu’à voir le nombre de vidéos sur youtube intitulées « Ce jeu avait tout prédit » ou « Pourquoi Kojima est un génie visionnaire ».

Kojima est connu pour ce genre de « prédictions ».

Mais finalement, si l’on retient facilement le choc de cette tirade interminable du colonel, nous n’entendons que très rarement parler du fait que Kojima propose une réponse au problème qu’il pose.

NOUS NE RETENONS QUE CE QUI CHOQUE.

C’est dans cette optique que Death Stranding 2 prend le parti de couper court au dialogue du grand marionnettiste.

En effet, cette scène très froide, monotone, mais surtout déjà vue est très abruptement déchirée par l’intervention très chaleureuse de Die Hardman. Le personnage nous livre une danse qui réaffirme un message oublié au travers de ce que l’Homme sait faire de plus créatif et expressif.

Notons au passage qu’il utilise un remix du BB Thème pour briser l’illusion. Comme un remède.

Nous le comprenons désormais, Kojima ne souhaite plus placer la mémoire émotionnelle des joueurs sur le négatif. Ici le choc est volontairement fort et le ton intentionnellement décalé.

Terminé, le Die Hardman à genoux et pleurant sur son sort. Ses larmes sont subverties par un tatouage et Tommie Earl Jenkins nous gratifie de son plus grand sourire tout au long de cette déconstruction de la fin de MGS2.

Die Hardman était dissimulé derrière lui-même. Comme Iroquois dissimulait Snake.

Le choc est d’autant plus fort en japonais puisque c’est Akio Otsuka, doubleur japonais de Snake, qui arrive à l’impromptu, brise l’illusion et délivre son message.

Cette fois, Kojima ne nous laissera pas nous arrêter au problème. Son héritage ne s’arrêtera pas au fait d’avoir prévu les instants critiques de notre siècle.

Influences

Si Kojima fait revenir Metal Gear c’est pour effectuer un travail spécifique dont nous parlerons un peu plus loin. Et pour commencer à développer ce sujet, il faut revenir au point de départ.

La fusion entre APAS et la grève a eu lieu sur le sol américain. De ce fait, APAS4000 enferme avec lui toute l’intériorité de ses victimes. Un mode de vie fondé sur un esprit de frontière et ayant abouti à la constitution des États-Unis. De cette façon, le plan d’APAS prend racine dans la destinée manifeste et l’exceptionnalisme américain. Cette idée que leur démocratie, fondée par des immigrés, est le fruit d’une volonté brute et pas d’un héritage social.

Cette idéologie est motrice dans la volonté des États-Unis à propager leur démocratie. Et finalement, les UCA comme APAC se tournent naturellement vers le Mexique et l’Australie du fait de cet héritage. Le patern se reproduit.

Le joueur et Sam questionneront plusieurs fois la nature de ce voyage qui peut sembler invasif. Mais en passant par Drawbridge, APAC peut néanmoins garantir la neutralité des intentions pour étendre le réseau.

Cependant, la constitution américaine garantit aussi le port d’armes par le biais de son second amendement. Si l’intention originale est de défendre la démocratie d’un éventuel détournement, le fait est que détenir des armes est un sujet à lourde controverse et à conséquences.

Death Stranding 2 en fait la critique directe.

La scène dans laquelle la docteure retire la balle du ventre de Sam est un point clé de ce thème. Cette balle fait écho au coup de feu tiré par Bridget dans le premier volet.

Mais forcément, comme un cycle, Death Stranding 2 est, lui aussi, lancé sur la mort par balle d’un enfant. Une mort en entraine une autre. C’est le karma dans le Samsara.

Il n’y a rien d’étonnant dans ce cas à ce que ce soit la docteure du jeu qui nous demande de visiter la fabrique d’armes de Higgs. Réduire cette production à néant revient à guérir le monde de cette influence néfaste. Et ce qui rend tout ceci possible est directement connecté à notre naissance par le code que l’on entre pour ouvrir la porte.

Tu es né pour stopper tout ceci. 

Pas nécessairement complexe, mais la symbolique est belle.

Cycle de représailles

DS2 effectue un virage assez marqué vis-à-vis du premier jeu. Et la principale raison qui sous-tend les changements liés au gameplay réside dans l’insertion de phases de tirs plus poussées. Sam est bien plus agile pour rendre plus accessibles les phases d’actions. Il dispose de plus d’outils qui sont eux-mêmes dispensés de façon plus fluide au cours de l’aventure.

Ce choix de design résonne avec le meurtre du bébé numérique que nous avons tant chéri. Plus facile de lever les armes en réaction, surtout quand celles-ci sont distillées aux quatre coins de l’Australie.

Higgs et ses sbires produisent en effet des armes et les distribuent ici et là, aux bandits et autres maraudeurs. Il s’agit en secret du plan de l’APAS pour motiver le voyage de Sam.

Mais ce grand plan symbolise donc la limite du second amendement des États-Unis. Les communautés s’arment et s’affrontent, les victimes cherchent à se défendre et se retrouvent à devoir porter des fusils en guise de dissuasion.

Chaque rencontre génère de nouvelles victimes, qui prendront à leur tour les armes.

Subvertir Metal Gear

Il me semble que nous sommes parvenus à un pivot majeur du jeu. Car si le jeu fait autant de références à Metal Gear, c’est évidemment pour traiter un sujet. Et ce sujet, nous venons d’en montrer la teneur.

En effet, si Death Stranding 2 est un mirroir du premier jeu, il en est également un pour Metal Gear Solid. Le joueur, devant faire face à Higgs et son Ghost Merch, bénéficiera d’un arsenal complet pour se défendre.

Les armes appellent les armes.

Dans cette lente escalade à l’armement, nous serons amenés à devoir répondre à Higgs en termes de puissance de feu. Et la première subversion qui intervient est donc liée au DHV Magellan. Il n’aura échappé à personne que son design rappelle le cockpit du Metal Gear Rex, le tank nucléaire bipède détourné par Liquid Snake. Loin d’être une simple coïncidence, nous l’améliorerons d’un canon qui rappelle également son Railgun miniaturisé.

Pour ceux qui pensent toujours qu’il s’agit d’une coïncidence, après avoir terminé la mission du champ de bataille permettant la connexion finale du réseau chiral, Higgs se trouvera dans la position de Gray Fox, écrasé contre le mur par le Magellan.

Vous devriez désormais voir où je veux en venir. Death Stranding 2 réplique des scènes de la saga. Mais il en inverse les rôles, en transforme les intentions.

De cette façon, On the beach rend floue la différence entre le « bad guy » et le « good guy ». Les scènes sont reproduites par une IA en circuit fermé. Une IA qui fournit des armes pour encourager ses marionnettes. Et ce cycle mémétique de violence conduit le héros à devenir méconnaissable.

Et quelle scène est plus héroïque que celle de Snake dans le tunnel de micro-ondes à la fin de Metal Gear Solid 4 ?

Elle sera transgressée.

La figure du héros est déconstruite par le feu. Lorsqu’un Higgs hilare enflamme Sam et le bloque dans un cycle de vie et de mort.

Why me ? Parce que Sam est le pharmakós. Celui qu’on immole en expiation des fautes d’un autre. Les fautes de Metal Gear, les fautes de Kojima mais aussi celles du public qui veut toujours plus de lore et de suites. C’est ce karma qui enferme Sam dans le Samsara. Cette absence de départ vers de nouveaux horizons.

Et c’est de tout ceci qu’il devra se délivrer en atteignant le Nirvana.

C’est un joueur désespéré qui verra son avatar prendre feu et mourir, uniquement pour le rapatrier et recommencer le supplice. Aucune issue ici. Nous ne pouvons rien faire d’autre que de subir. Et ce qui était héroïque pour un Snake porté par des amis donnant leur vie pour lui en dualscreen, devient tristement désespérant pour un Sam isolé. Le joueur n’a d’autre choix que d’appuyer sur carré, espérant une aide venue de n’importe où, hors du champ caméra.

Cette aide viendra de ses alliées qu’il paternalisait quelques heures avant. Les femmes du jeu, héroïnes salvatrices et protectrices de Death Stranding 2. Ce sont en effet elles qui permettront à Sam de faire son deuil, de guérir et deviendront une raison pour lui d’aller de l’avant.

Les pharmakons accomplissent chacun leur tâche et ce que Tomorrow ne peut accomplir du fait de son lien à la poix, c’est Rainy qui le fera grâce au corefall.

Online

Mais Death Stranding va plus loin que le simple conflit qui escalade et se règle par la mort de son opposant. Il bâtit en effet une métaphore du conflit sur internet.

Si la condition d’avatar de Sam est établie et bien remise en avant lors de son épreuve du feu, il faut comprendre qu’Higgs est, lui aussi, un avatar contrôlé depuis la grève. Coupez-lui la main, il reviendra comme neuf deux heures plus tard. Cette dynamique empêche le conflit de se résoudre. Que pouvez-vous faire contre un avatar qui décide de dédier sa vie à vous faire souffrir ?

C’est dans cette optique que la guitare se fait l’image d’une forme de radicalité qui incarne également la « cool attitude ».

Higgs est un personnage à la philosophie radicale, c’est un nihiliste absolu qui distribue des armes dans toute l’Australie et n’hésite pas à utiliser les moyens les plus inventifs pour torturer Sam. Allant jusqu’à chercher à tuer Fragile et Lou.

Son character design le rend cependant « cool ». Sa guitare est cool. Son maquillage est emblématique de The Crow. Très cool. Sa façon de se battre est ultra-cool. Ses répliques et son attitude sont très réussies et créent une atmosphère unique en sa présence.

Ce lien entre « cool attitude » et radicalité est une réelle image de ce que sont devenus les échanges sur les réseaux sociaux. Il faut toujours plus de cynisme, d’ironie, de ton passif-agressif. C’est devenu cool de se connecter à de purs inconnus et d’entrer dans leurs cercles pour exhiber sa radicalité.

Death Stranding le montre par la violence de certaines scènes. Avec un Sam qui n’hésite plus à tirer sur Higgs à vue. Un Magellan qui le coupe littéralement en deux. Mais rien ne suffit. Higgs cherche toujours à les blesser, à raviver certaines douleurs, avec un rire narquois qui plus est.

Il détournera même le BB Theme comme une arme psychologique. Un poison.

Que nous reste-t-il donc à ce moment, si ce n’est de brandir à son tour la guitare et de devenir soi-même radical (et cool).

Monter le volume

Ce conflit par interfaces interposées est sans issue. Higgs reviendra au cœur du Magellan pour « dérober la princesse » à nouveau. Le schéma se répète : on retrouve nos deux champions choisis par une entité d’extinction.

Le rendez-vous sur la grève est donc pris. Une véritable bataille se prépare et le Rex ne suffira plus. Nous devrons créer une arme plus puissante encore.

Plus fort que le Sahelanthropus, Magellan-Man. Mi-échoué géant, mi-metal gear Rex. La guerre fait rage en toile de fond, l’héroïsme est de retour puisque nous avons affaire à une forme next-gen du dualscreen de Metal Gear Solid 4.

Après tout, nous avons, nous aussi, notre guitare désormais. Nous sommes cools et radicaux. De vrais héros !

Mais c’était sans compter sur Higgs et sa super guitare double manche ! Alors là, ça en jette, il faut le dire ! Deux fois plus de radicalité, deux fois plus de « cool attitude » !

Peu importe, nous aurons notre combat dans un cimetière, sans égard pour les tombes que nous ferons voler au gré de notre affrontement.

C’est dans la paume d’une main, cette image de l’humanité déchue, que nous ferons hurler nos cordes devenues bâtons. La musique nous sépare et nous rassemble dans ce duel. Comme pour mieux signifier que chacun y prend un certain plaisir. Et soyons honnêtes, quelle scène digne de n’importe quel jeu Yakuza ! Un final fratricide qui manque un peu de tatouages dans le dos, mais passons.

Vient donc le moment de l’inversion ultime des codes de Metal Gear dans ce combat vu et revu de la saga.

Il n’y a plus de « good guy » ou de « bad guy ». Juste deux opposants prêts à se détruire.

Mais ce combat archétypal sera transgressé lui aussi.

Il ne s’agit plus de réduire la barre de vie de l’autre au sens propre. Il s’agit de lui faire littéralement fermer sa gueule. L’interface est une barre de volume qu’il faudra réduire et se soigner passe par des riffs endiablés.

Celui qui fera taire l’autre aura donc gagné. Un duel qui se déroule sous les yeux de « l’avenir », Tomorrow. Voici l’ultime combat, pathétiquement génial, de Death Stranding 2.

Finalement, personne ne sera apte à se détruire. C’est l’émergence de l’entité d’extinction qui viendra mettre un terme à ce spectacle ridiculement grandiose. Higgs signera son extinction en choisissant de brandir à nouveau sa guitare devant Lou pour chanter le BB Theme.

La redondance de trop ?

Should we have connected?

C’est donc ici que se pose la question principale du jeu. Aurions-nous dû nous connecter si raccourcir les distances ne permet que de créer des millions de conflits irrésolvables sur internet ? Des conflits poussant vers plus de radicalité, si loin que cela devient une forme de « cool attitude ».

Dans cet espace cru, tout se connecte sans savoir vraiment à qui ou à quoi. Adultes et enfants se croisent sans le savoir, quel exemple donnons-nous ? Quelle société bâtissons-nous ?

Mais sous un autre angle, à quelles influences laissons-nous une part de notre subconscient se connecter ? Toutes ces méga corporations qui gèrent notre connexion sont finalement très similaires à l’APAC. Quelles idéologies infusent en nous par ce biais ?

Death Stranding 2 nous invite à nous demander ce qui nous différencie d’une IA, si notre fonctionnement est en circuit fermé sur le passé et conduit à faire fleurir le pire de ce que la culture humaine a produit.

Nos esprits enfermés dans des bulles de fictions se battent pour défendre des frontières illusoires. Nos marques favorites et leurs business plans, une série, un jeu…

Protéger sa bulle, c’est prendre les bâtons en réaction à d’autres bâtons et véhiculer la culture des armes sur internet. Un état d’esprit sur la défensive qui fait lentement céder les barrières jusqu’à finir par saisir la guitare soi-même dans un combat que personne ne peut gagner.

C’est un enfermement dans une illusion, le samsara que nous nous fabriquons. Le jeu ne nous demande pas de devenir bouddhistes, mais de prendre du recul et de la responsabilité pour le futur en acceptant que certaines choses peuvent nous traverser sans rencontrer le mur de nos égos.

Drawbridge

Ainsi, Kojima se sert de références à Metal Gear pour en déconstruire la dimension nocive qu’est le contexte militaire de la saga. Il en fait une forme de mea-culpa volontairement ostentatoire afin de réaffirmer la substance de son œuvre. C’est l’héritage qu’il souhaite laisser au monde.

La plupart des références sont donc subverties pour commenter le support d’origine ou réaffirmer son propos antimilitariste.

Death Stranding 2 agit ainsi comme ce nouveau Qpid qui permet la déconnexion à tout moment. Activé, il supprime de la carte la présence du Ghost Merch et de certains échoués. Les menaces, les éléments toxiques.

C’est aussi simple que ça.

Mais ce n’est pas aussi naïf dans le sens où le désactiver permet certains bénéfices malgré la réinsertion des menaces. Tout comme éviter les camps de brigands laissera croitre leur zone d’influence. Il faut parfois se confronter à cela pour acquérir de l’expérience et mener à bien la mission en restant loyal à son engagement.

L’open world devient donc un terrain de jeu où chacun pourra s’exprimer comme il le souhaite, que ce soit dans les affrontements directs, le contournement pur et dur ou la voie du compromis qu’est l’infiltration.

Cette dernière voie sied particulièrement à ce que produit Kojima depuis toujours. Utiliser la contrainte pour passer l’obstacle, se fondre avec le décor… Aujourd’hui, accepter le cahier des charges AAA pour délivrer son message au plus grand nombre et en faire un commentaire au passage.

Se libérer du contexte, accepter le changement et en faire un véhicule pour le futur.

It was not a mistake!

Désormais, nous pouvons comprendre l’arc qui se déploie entre Neil, Lucy, Sam et Louise.

Neil et Lucy sont un questionnement permanent pour Sam. Le passé n’apporte pas que des réponses plaisantes pour lui. Et l’absence de timeline continue nous empêche de prendre du recul. Tout est décousu et favorise le quiproquo. Chaque rencontre servira à démêler ce sac de nœud quant à la paternité de Louise.

Tout ce boucan sert évidemment à stimuler inutilement l’imagination pour alimenter le Sam(sara), la boucle des illusions.

Car si cette histoire prise au premier degré peut nous laisser sur notre faim ou circonspects, c’est surtout dans le sous-texte et le méta-discours que cet arc prend toute sa valeur. Les personnages y sont plutôt des concepts et leurs dialogues parlent plus de Kojima qu’autre chose.

Neil représente la saga Metal Gear mais aussi Kojima lui-même. Raison d’être de ses deux apparences (Soldat/Employé). 

Lucy représente la force créatrice de l’auteur qui accouche de la substance elle-même. Un rôle sacré confié en japonais à Kikuko Inoue, alliée de toujours d’Hideo Kojima.

Les scènes entre Neil et Lucy sont donc plutôt le dialogue interne romancé qui existe entre un créateur et sa conscience. Un employé de bureau qui se trouve contraint de conduire des missions pour une entreprise qui cherchera à accaparer son « bébé ». Un porter enfermé, dévoyé de sa fonction.

From Ludens to Sedens.

Une conscience qui en vient à flirter avec cette œuvre pour ensuite la regretter, la rejeter.

Est-ce que Metal Gear est une erreur dans la carrière de Kojima? À minima, il semble contenir certains remords pour l’auteur. Death Stranding 2 en déconstruit le côté nocif.

Metal Gear est né à une époque où le créatif était jeune, en mal de réussite. Pour produire sa saga, il lui fallait répondre à certains critères imposés par Konami et le marché. D’une certaine façon, il devait en partie trahir sa conscience.

Le bureaucrate représente donc autant Konami que sa propre conscience ou encore le public. Il est la contrainte qui pousse Neil à continuer.

Mais la rupture n’est jamais complètement faite. Neil et Lucy sont marqués par le destin, par cette médaille du cancer qui les relie. Le signe astrologique de Louise, la substance. Metal Gear sera un jeu sur la paix dans un contexte de guerre.

Ce n’était pas une erreur. C’était le moindre mal ou un mal nécessaire à cette époque. Sans cette saga, Kojima n’aurait jamais atteint autant de personnes et son message serait resté enfermé.

C’est donc vers Snake que Lucy se tournera pour protéger la substance de son œuvre. Pour la libérer. Une scène qui fait probablement écho à la rupture entre Kojima et Konami. 

Metal Gear est mort en tentant de protéger son essence.

Dans Death Stranding, le joueur s’incarne lui-même pour entrer dans son avatar. Ce sont les scènes en FPS que l’on joue pour se rapatrier. Nous comprenons donc que Sam est Neil par le biais du joueur. Pas biologiquement bien entendu. C’est une filiation métaphorique.

Si le passé produit l’avenir, Sam est la continuité de Neil, sa conséquence karmique. Et sous l’angle de la psychanalyse, il est l’ombre jungienne de Sam. Sa part sombre, inconnue.

Metal Gear est assassiné et sa réponse sera nucléaire. L’acte interdit dans la saga précédente finira par se produire dans celle-ci. Comme un ultime acte de vengeance par-delà la mort. La rencontre entre Neil et Sam produit le background du premier Death Stranding.

Once, there was an explosion. Une explosion qui permit la création du premier jeu.

Cet acte terrible sera payé cher. Neil Snake est propulsé dans le Samsara, une boucle de vie et de mort au cœur d’un champ de bataille. Une fête des morts éternelle. Un purgatoire pour expier le péché originel d’avoir pris les armes et causé l’explosion ultime.

Mais même dans cet enfer sans fin, Snake poursuivra sa mission, sa promesse. Avec un bandana chargé du sang de sa muse. Death Stranding 2 est en effet une réaffirmation de cette volonté d’émancipation du contexte.

C’est ainsi que cette scène dans laquelle Kojima (Fragile) transmet l’avenir (Louise) à destination de Snake en passant par les bras des joueurs (fantômes APAS), résume trente-huit années de carrière.

Et plus de vingt-cinq ans de ma vie de joueur.

Au cœur d’une guerre insensée, sans but ni fin, Snake fut le protecteur de l’avenir en attendant Sam.

Le choix de l’acteur prend ici tout son sens. Regrets, tristesse, héroïsme, espoir d’une rédemption. Luca Marinelli arrive à passer tout ceci en un seul regard face caméra.

Sublime.

Neil Vana atteint le Nirvana en se détachant du contexte pour accomplir sa mission.

L’essence de Metal Gear en trois minutes.

Homines Liberantes Svmvs

Kojima a enfin réussi à tuer Snake.

Je pourrais m’arrêter là tant la symbolique parle d’elle-même. Mais nous avons encore quelques éléments à développer avant de conclure.

En premier lieu, nous pouvons déjà revoir la réponse à ce que nous demande le jeu. Should we have connected ?

Force est de constater que Kojima est moins candide sur le sujet. La connexion implique une forme de responsabilité et sa permanence en fait un danger pour le connecté et ceux qui naviguent autour de lui. C’est un outil efficace tant qu’il est maitrisé. C’est le principe du Qpidon de Drawbridge qui coupe la connexion du marionnettiste et de son influence.

Ce marionnettiste étant représenté comme une IA, Kojima en fait une figure figée. Un espace dans lequel rien ne se crée qui réassemble tout ce qui existe à l’intérieur. Le neuf n’est qu’une illusion constituée des échos du passé.

Que Lou soit dans le pod ou non ne change rien. Car, après tout, l’image que Sam voit pourrait très bien être celle de Lou, via le DOOMS.

De la même façon que c’est l’entité d’extinction qui fait se rencontrer Neil et Sam à travers la poix. C’est aussi elle qui ramène Higgs et anime le Ghost Merch par le champ fantôme.

Et l’entité d’extinction… c’est Lou ! Un pharmakon. Le lien entre Higgs et Louise est donc le même que celui entre Higgs et Amélie. 

Higgs vénère l’entité d’extinction en tant que nihiliste. Il se tatouera donc un petit cœur sur le coude. Comme il se tatoue des équations et arbore un masque à l’effigie d’Amélie. Higgs croit au pouvoir des objets et son masque s’inspire de l’Egypte antique.

De toute manière, personne ne pourrait répondre à la question de savoir ce qu’il y a dans le pod. La photo argentique qui révèle le déni de Sam n’est qu’un instant figé dans le temps. Un point de vue extérieur. L’image n’est pas fiable, elle sert d’ailleurs à la fin pour révéler que Sam n’a rien perdu. Si on veut pousser le vice jusqu’au bout, cet argentique n’est même qu’un tas de pixels…

Mais au fond, peu importe ce qui est réel ou non. Le réel lui-même est déjà une fiction.

L’ultime réalité chez Kojima est l’émotion. C’est ce qui nous appartient en bout de course. Et de cette émotion peut naitre une forme de foi (au sens général du terme). C’est à cette foi que Kojima rattache toute sa volonté d’émancipation et de transmission.

Ainsi, la question sous-jacente à « Should we have connected » est donc de savoir ce qui nous distingue d’une intelligence artificielle. Et la réponse est déjà dans chacune des œuvres du créatif japonais. 

Ce qui nous sépare des IA, c’est cette capacité à créer de nouvelles choses, à pousser les frontières du connu. Mais aussi, plus humainement, l’émotion qui guide la foi en des idées, des rêves ou des concepts.

Cette distinction, c’est l’Homo Ludens. Celui qui joue avec les codes, avec le passé, avec l’existant et se sert de l’émotion pour pousser chaque jour le futur un peu plus loin. À travers la danse, la musique, le cinéma, la photographie, le jeu vidéo, la littérature, le dessin, la peinture…

Homines Liberantes svmvs, « nous sommes des Hommes qui libèrent ».

À nouveau, On the beach réclame de quitter la fiction pour ne pas s’enfermer dans une image passée. Il souhaite nous faire réfléchir, extraire la substance derrière l’image et le texte, s’en servir de tremplin. Death Stranding 2 nous demande d’aller créer à notre tour.

Il nous réclame un certain détachement, un effacement du « Je » pour laisser place à ce qui « est ». Une destruction de l’ego pour faire cesser des conflits qui ne créent que d’autres conflits. Une destruction des préconceptions et des formes. Rien n’est acquis, rien n’est éternel. Qu’est-ce que l’infiltration, si ce n’est se fondre dans son environnement pour atteindre son but ?

Le monde est fait de mouvements et de transformations. À commencer par l’art lui-même. Il n’a pas de limites, ni de juste. L’art exprime, écoutons-le un peu plus au lieu de lui dire sans cesse ce qu’il devrait être.

Mais commençons par s’éloigner du néfaste pour se connecter au bénéfique. C’est une quête de Nirvana.

Cela l’a toujours été.

Pour cela, il a sacrifié nos attentes et l’esprit du premier jeu. Il s’en excuse même. Car oui, Kojima s’incarne au travers de Fragile tout du long.

C’est d’autant plus intéressant que Fragile fait directement référence à Kūya. Un bouddhiste itinérant qui parcourait villes et villages accompagné d’images, de danses et de chants populaires. Il est connu pour avoir contribué à la création de ponts, de routes, de puits et à l’enterrement de cadavres abandonnés.

Sur cette représentation de Kūya, les petites statuettes sortant de sa bouche représentent le Nembutsu. Une invocation invitant à penser à Buddha.

Kūya est donc extrêmement populaire au Japon du fait qu’il ait su raviver la foi par des moyens accessibles au plus grand nombre. C’est un très beau parallèle avec ce que fait Kojima Productions au travers de DS2.

Ces univers et ces personnages ne disparaitront pas, ils vivront en nous.

Comme les morts vivent autour et à travers nous. Et nous vivrons dans la mort pour ceux qui viendront après.

Au travers de ce pont que vous traversez chaque matin. Cet abri sous lequel vous attendez le bus pour rentrer le soir. Ces musiques que vous écoutez. Ces films que vous regardez. Le toit sous lequel vous dormez. Le corps que vous déplacez chaque jour.

Nous devons avoir foi en l’avenir et œuvrer pour les prochaines générations. Nous ne sommes jamais seuls et ne savons pas ce que réserve le futur.

Death can’t tear us appart, autrement dit :

— Carnet de pensées sur le jeu —

Dans cet espace j’aimerais compiler diverses ressources complémentaires à l’article pour élaborer certains aspects du jeu et de sa philosophie que je n’ai pas pu déployer dans le texte pour des raisons de concision et d’articulation, mais aussi de temporalité.

• Extrait d’interview d’Hideo Kojima pour le Washington Post:

• Deux posts d’Entei Ryu, Concept artist chez Kojima Productions:

• Une réflexion sur Policenauts et son rapport à l’arc Sam/Lucy, en notant au passage qu’il y a une forme de miroir mis en place concernant l’état de Jonathan et celui de Louise. Ce procédé retravaille le thème de la perte d’une époque, la fuite du temps:

• Pensée additionnelle sur Rainy :

• Un sermont pour le festival de l’Obon au temple bouddhiste de Touzenji en 2004. Le texte est facile à connecter au jeu:

• Un rapprochement à faire entre Amekara Nijie et le Nembutsu :

• Une suite de QRT concernant l’importance de la destruction des corps dans DS2 :

• Un thread (à dérouler sur X) sur la forme sur prends le passage d’un monde à l’autre. Des vivants aux morts, du tangible à l’onirique.

Je tends une perche dans le thread que je vais expliquer ici: Au centre se trouve Die Hardman arroché à Charlie. Il représente la force qui irradie sur les autres personnages. Autour de lui se fait l’unité car il porte le message de Kojima, un message d’éveil, de transformation dans une nouvelle ère. C’est la raison pour laquelle il vient briser l’illusion des IA par une danse marquante et faire un discours qui interrompt une révélation qui sent le réchauffé. Il est donc placé au centre du mandala comme un Bouddha.

Charlie est une illusion de Die Hardman qui sont eux mêmes une illusion de Pliskin et Solid Snake de MGS2. En réalité, tous ces corps sont eux même fictifs et sont des véhicules du fond que veut transmettre l’auteur. La forme est modulable et seul le fond subsiste au temps.

Kojima connecte donc, encore une fois, la fictivité de l’expérience avec celle de nos vies. Tout est illusoire, seule reste l’émotion qui permet d’agir pour une cause. Ainsi, si les formes sont modulables alors chacun doit s’efforcer de trouver un bon usage de chaque chose (cf. Pharmakon).

Pour finir, un mot sur la fin du jeu et son rapport aux fondamentaux du Bouddhisme japonais. La dualité entre « Utérus » et « Diamant » (cf. thread) se voit à la fin du jeu lorsque la géante Lou se fait « diamant », vectrice de vérité et de destruction de la confusion. Elle représente l’univers implacable qui annihile le nihilisme de Higgs et agit comme un « Utérus » (que l’on retrouve dans le visuel du décors) pour Sam et lui rappeler ses leçons apprises du premier jeu et véhiculées par Amélie.

• Une réflexion sur le rapport de DS2 à Snatcher (la conversation avec @MrXQ11 est particulièrement intéressante):

Snatcher pose déjà le conflit comme une émanation du doute. Le jeu de 1988 s’amuse à entretenir le doute envers Harry tout du long. Symboliquement, on en vient donc à suspecter son enfant. La relation Sam/Louise étant finalement un gros mélange des relations Gillian/Harry et Jonathan/Karen.

La citation de fin exprime indirectement le besoin de libérer son cœur de la suspicion pour ne pas aboutir à se tourner les uns contre les autres.

On the beach reprends pour lui cette idée, avec des Snatchers « inversés » (le robot cache désormais l’Homme). Le doute s’immisce par le biais des intelligences artificielles et la perte de repères liée aux images. Par toutes nos habitudes acquises du fait de notre connexion permanente qui véhicule des schémas et des idéologies.

DS2 invite à la réflexion sur les formes suspectes, qu’elles soient inhabituelles ou trop habituelles. Le cœur du joueur doit être purgé du doute, né de ses préconceptions, par une « foi » qui fait émerger de chaque chose, et dans l’instant présent, ses propriétés pharmakoniques pour permettre d’avancer vers un meilleur futur.

L’article Homines liberantes sumus est apparu en premier sur light01C.

However, the theme of this analysis will not really be to understand Selene’s story head-on. On a personal level, I particularly subscribe to the theory that explains the game as the fruit of a single mind, Selene’s mind. And I agree with this idea, because, like any work of art, Returnal speaks far more about its creators it does about the subject it explores.

So I’m going to propose a reading that establishes Housemarque as the subject of its work.

As I write this article, I’m assuming that you’ve completed the game. The article will contain numerous spoilers. For any translation needs, I suggest you use DeepL.

Many thanks to Alkasushi for his superb drawing, which captured the essence of this article!

Creative context

First of all, we need to set the scene for the birth of Returnal. Housemarque is a Finnish studio founded in 1995 by the merger of Bloodhouse and Terramarque. The studio is known for several outstanding titles rooted in the arcade genre. These include Super Stardust HD (2007), Resogun (2013) and, more recently, Nex Machina (2017).

Though the games are acknowledged critical successes, the studio seems to be struggling to find its audience. Or perhaps the genre is slowly being relegated to an ever-smaller niche. Yet the critical reception of Housemarque games is always excellent, as evidenced by their high metacritic scores.

However, after the release of Matterfall in August 2017, the studio failed to meet with the desired commercial success. A similar situation to that of Nex Machina, released shortly before.

This under-performance led the studio to declare the “death of the Arcade”. A change of strategy was thus set in motion by the Finns, who announced a new era and a new project: Stormdivers. The aim is to target a flourishing market to ensure the studio’s survival. However, the Battle Royale will never be released, leaving the way clear for Returnal, a game that blends arcade and high-level production.

Housemarque-style arcade

The term “arcade” is very vague, so we need to understand what it means to the creators of Nex machina.

First of all, the general philosophy can be summed up in a catchphrase: Gameplay is King. This gimmick is accompanied by an appropriate and, in my opinion, smart explanation:

Indeed, it would be a mistake to reduce the gameplay of a video game to its rules, its systems or the depth of the button “combos” to be used. Above all, it’s the fruit of a cyclical exchange between the image on the screen and our inner selves. A game is essentially played in our heads.

Let’s close this digression. For the studio, this philosophy can be broken down into four main principles:

• Embracing simplicity : a principle reminiscent of the creative process of another industry genius, Fumito Ueda and his no less famous “design by subtraction”. Bring in ideas and let them distill down to the most essential ones, then take advantage of the reduction in volume to implement them in the best possible way.
• Depth without complexity : a concept summed up in the fact that the game is easy to pick up, but difficult to master.
• Putting the player on the knife’s edge : creating the permanent tension of micro-managing the different layers of objectives.
• Offer replayability by controlling the game’s flow, trusting the player to learn, and leaving room for curiosity. Offer random variations between runs. The aim of all this is to prevent the player from going into autopilot.

The arcade crash

And so all this is “dead” in 2017. This is the context in which Returnal will be born. Therefore, it’s already interesting to note that the game’s introduction shows a ship crashing on an unknown planet.

What better emblem is there for the arcade than a spaceship? It’s the icon of the “Shoot’em up” video game genre, established with the success of Space Invaders in 1978.

I’m oversimplifying to illustrate, but if a “Shmup” arcade terminal is a machine equipped with buttons and containing a ship in a screen, then Helios is, in fact, an inverted arcade terminal: a ship containing screens and switches. Beyond the fact that the game is inspired by the artistic direction of Alien, the style chosen is no coincidence for a studio that has earned its reputation in the arcade genre. Indeed, Selene’s ship adopts an analog, retro-futuristic design. With sticks and screens featuring old-school graphics.

Helios is a symbol that encompasses everything to do with gaming.
Whether it’s the spirit of the arcade, the spirit of play or the freedom that comes with playing.

The ship’s impact on Atropos serves as a metaphor for the end of the arcade, as announced by Housemarque.

However, with the failure of Stormdivers and the brand-new partnership with Playstation, the arcade ended up as a safe haven for the studio. This is reflected in the fact that Helios is an anchor to which Selene returns again and again.

So we can already see another parallel with the game’s heroine. But first we need to explain another key element.

The stare of the astronaut

If Selene travels through space, it’s first and foremost because she’s tracing a signal that’s personal to her: the white shadow.

In practice, “The White Shadow” is responsible for Selene’s accident when the signal takes the form of the astronaut as it stands in her way.

But then, it is also the source of Helios’ abandonment and Selene’s promise of survival when the white shadow is revealed to be the image of the moon through the water. A guidance to the surface.

In reality, this signal is a materialization of Theia’s dreams, which are imposed on Selene. When the child sitting in the car refers to the moon with the phrase “do you see the white shadow?”, he is rekindling a trauma in his mother that is rooted in the fact that Theia will never be able to take part in the Apollo 11 program.

The astronaut on the road is therefore an unconscious form of trajectory correction. Selene has a problem with parenthood, just like her mother before her. This accident is like a protective mechanism, reproducing the accident that led to the disappearance of Alex (Selene’s twin brother?) and Theia’s paraplegia. An unconscious reproduction to free herself from her child and reclaim the integrity of her life.

This tragic incident is the source of Selene’s torment, haunted by a diminished mother whose shattered dreams become an oppressive cage.

The astronaut is thus a mental fabrication representing this constant pressure. It comes as no surprise, in our reading, that this controlling framework (which he represents) comes into conflict with what Helios represents: the playful, uncontrolled, free attitude.

This anxiety-inducing figure can be likened to conformism, to someone else’s dream. A form of collective thinking, or even social pressure, that would like to impose on Housemarque the codes and standards of a successful product.

In the same way that Selene, becoming the astronaut for her son, will seek to impose her space dreams on a child who cherishes the seabed.

Therefore, the astronaut is faceless, or all faces, it’s a concept and a feeling. He is alternately Theia’s lost dream, Theia’s omnipresence for Selene, Selene’s pressure on Helios, … But he is also a representation of the collective imagination of what AAA video games should be.

In more general terms, it’s a representation of the collective mind that influences generations through a cycle of social pressures exerted on children by the more or less intrusive perspective of their elders. A repeating pattern that can lead to isolation, division and even death: the severed.

Breaking the 4th wall

Returnal is a surprising game, because everything explained above is brought to life in the sequences played out from the point of view of Helios, the child. Moreover, these sequences strongly support the idea of a universe born of a single mind, thanks to a form of omniscience that stems from it.

If the game breaks the fourth wall, it’s not for the sake of a free easter-egg. Above all, this sequence links Helios to the player and puts Selene back to her avatar status.

In his room, we can interact with various toys. It’s a mise en abîme of the sequence’s dichotomy between linear constraint and freedom of choice. Indeed, the toys linked to space dreams are shown as very rigid and hollow (astronaut and space shuttle). They stand in direct contrast with the board and walkie-talkie, which enable the child’s imagination to flow naturally.

But better still, when Helios has come down, he can sit in front of the Astronaut himself. A dialogue opens up between playful freedom and the normative image that constrains play.

All this is conveyed by the floating, stylized choices made to create a non-linear narrative for Helios story. These choices stand above the monolithic figure of the astronaut and his rigid, rectilinear book.

The dialogue ends with the astronaut’s disappearance. This sequence demonstrates his disinterest in ideas that don’t fit into his framework.

To end the sequence, we see Helios retrieving Octo, his octopus-shaped stuffed toy. And the weight of the astronaut’s gaze, surely angered by the child’s persistence in moving away from the “stars”, causes monstrous tentacles to emerge from the visor. A clever way of showing the association between the mother’s anger, the child’s fear of the adult and the stuffed toy.

So, here we discover the source of the recurring design of the bestiary tentacles that plague our “Atropian” cycles.

Finally, under our reading, it conveys the feeling that these unconscious representations we have of a game can terrorize the game itself. A discourse that echoes the principle of simplicity in arcade design at Housemarque mentioned earlier.

Selene, Housemarque’s avatar

With all this in mind, we understand that Selene represents Housemarque in the pursuit of its dream of commercial success. A stellar dream culminating in the crash on Atropos.

Considered as an avatar, Selene combines three representations: she is a near-perfect copy of her mother, Theia, but with two well-known attributes of the god Helios: she has golden hair and a heterochromia that echoes his moniker: the eye of the world. Her spacesuit, meanwhile, evokes the image of the astronaut.

The blending of these three elements produces an image of Selene that isn’t necessarily accurate with the character she’s playing, but it helps with tackling all the game’s concepts and narrative arcs. It mythologizes the character, but more on that later.

This avatar brings three concepts to life:

• The inevitable weight of filiation (Théïa).
• The inseparable “arcade” genre declared dead (Helios).
• The ambition to reach new horizons (the astronaut).

This design echoes fabulous chimeras (griffins, sphinxes, etc.) and allows Returnal to play on the dichotomy between reality and fiction, in such a way as to never be able to make a definitive statement. Indeed, Returnal is built like a neo-myth, but we’ll go into these notions in greater detail later.

It also integrates the inner selves of Helios and Theia into Selene’s journey. Everything is true, taken from the drama of this family, and yet nothing truly is, because it is recombined and mythologized.

This places the player in the position of a guide, a therapist even, who will encourage the avatar to slowly unravel the threads of his story. Playing becomes a liberating act for Selene and Housemarque. Both seeking a way out of their nightmares through iteration.

Ascent and descent

The game takes place in three acts, and we can now offer two ways of reading it as a whole. Let’s start with the first two acts.

The first is when the studio declares that the arcade is dead. This is instant zero for the studio and Selene. Indeed, in the story, it’s the very moment of the car and spaceship crash.

From there, our avatar starts searching for the “white shadow” broadcast signal. The astronaut is the source at the top of the antenna, so Selene begins to trail him. But as we saw earlier, this white shadow is also the moon’s glow through the surface.

Thus, Act 1 takes the form of an ascent to the top of the abandoned citadel, echoing Selene’s ascent from the bottom of the river. Both are following the white shadow.

After her accident, Selene looks for this signal in the same way that Housemarque looks for a way out of his problem. And this process is iterative. The studio gradually calibrates its design through creative loops of additions, deletions and adjustments. In the same way, Selene methodically discovers her own story, trapped in the heart of a temporal cycle.

In the heat of the accident’s chaos, their first common reflex was to move away from the arcade, from Helios, to get a breath of air. To survive.

The ascent to the white shadow is therefore the path that is supposed to lead Housemarque to the realm of AAA. And in parallel, it promises to lead Selene to her mother’s dream: to become an astronaut by surviving the crash and abandoning Helios to his fate.

This desire to free herself from her maternal status is directly reflected in the game’s health system. In ancient times, the absorption of Silphium was known to act as a contraceptive. This is how our avatar repairs her “integrity”, and it connects with the idea of Selene/Theïa being cut off from her dreams by her status as a mother.

This ascent sounds like a macabre and unhealthy liberation. A sequence of events that echoes Théïa’s accident, which cost the life of Alex.

That’s why the escape from Atropos turns out to be nothing but an illusion. That of a dreamed, peaceful life, built on the corpse of a child abandoned to his fate. Our avatar’s death of old age is not a way out. Selene, like the studio, will have to understand why pursuing the astronaut ultimately sends her back to this cursed planet.

The second act is therefore, conversely, a dive into oneself. A form of introspection. The vision is clearer now that the astronaut has disappeared.

Our avatar/studio will have to project herself into the past to trace the origin of the problem. In reality, in this temporal frame, the astronaut hasn’t really disappeared. He simply hasn’t yet had time to form in Selene’s psyche.

The quest thus shifts from an ascent into a descent to the depths of Atropos. A dive into a repressed universe: the aquatic dreams of Helios. In other words, it’s symbolically a return to the arcade and a descent to Helios, trapped in the vehicle.

It’s in the depths of this space that Selene meets Xaos. A form of primordial divinity akin to the Greek Chaos, but whose appearance has fused with Octo. We’ll come back to the mythological elements later.

We can see, however, that its design takes that of a machine from Nex Machina (below) and mixes it with the Octo plush, forming a “Lovecraftian” cosmic entity.

As such, Xaos is a chimera built in a similar way to Selene, the avatar. He is the cosmic entity that will connect Housemarque to the Nex Machina arcade genre and Selene to Helios (as Octo does).

In the depths of this abyssal scar, the blood of a god flows (Ichor). Helios awaits his ascension, locked away.

Reignite the sun

The end of the second act is a revelation. But before that happens, the attentive player will have had the opportunity to notice a new break in the fourth wall.

Returnal’s HUD is, in fact, based on the systems of the ship Helios. It is the only unchanging point in the game that tracks our progress. It transcends intra-diegetic space-time, synchronizing with that of our own reality.

The tasks we obtain during our adventure evolve naturally through iteration and the achievement of objectives. What a surprise, then, to come across this during our final battle:

The HUD reveals itself as a conscious entity. A guide with a purpose of its own. Helios is calling us, and as you may have guessed, he’s looking for Selene to free him from the car. This is the aim of this third act: a quest to “reignite the sun”, to free the arcade genre from its foretold death.

But all this raises questions about the nature of the journey. If Helios addresses us through the interface, then perhaps it’s closer to the player than to the universe in which Selene evolves. Helios needs US to set him free. It’s a leap of faith on the part of the studio, expressed through the game’s interface.

It’s the players who will keep the arcade alive, or let it rest in peace, in this ultimate coup d’éclat that is Returnal.

Dead Chronos waits dreaming

In this way, Atropos becomes a planet outside space and time. The whole game is just one big minute in Selene’s real life. A timeline that stretches from the moment of the crash to the moment of dilemma between her quest for the surface and her quest to save her son.

• The game’s first ending thus represents the moment when Selene comes to her senses in the midst of a chaotic situation: the white shadow, the music, the crash, the surface quest. The sequence ends halfway through, when a shadow catches up with Selene.
• The second is to remember Helios and fight the weight of the astronaut’s gaze (Theia). She must become aware of her son’s presence in the car, and avoid reproducing her mother’s pattern. Indeed, the second ending puts Selene in the astronaut’s position. She is the cause of her own accident. In her solitary ascent, Selene has become Theia, and this realization leads her to reproduce the cycle. To return to the surface alone to live out her dreams is to kill Helios and kill Alex a second time.

The ending is open to interpretation. Does she rescue Helios? Is it too late? I think the game deliberately doesn’t answer that question. Atropos is a liminal space where Selene and Helios are between life and death. In a way, they’re like Schrödinger’s cat.

The purpose of this space is to lead our avatar towards awareness. There is no real beginning, nor any real end. Selene and Helios are locked inside a self-generating cycle. But this is precisely where the interest lies, as we’ll see later.

The game aims to show that hope can be born, even when trapped in this never-ending time capsule.

On the other hand, the whole game is also an introspection into Selene’s psyche and what determines her decision-making process. Each of the biomes, each of the bosses, each of the objects or creatures is made up of key elements from her life.

It may only last a minute for the real Selene, but it’s her entire existence that we’re unravelling on Atropos. Biome by biome. With the aim of purging her decision-making process of the parasites that life has implanted in her. The death of her twin brother, the departure of her father, the weight of a broken mother imposing her dreams on her, the distance induced by a child in love with the depths of the sea while she suffers from thalassophobia and nurtures stellar ambitions, …

In this way, the game is an eternity.

Returnal’s time is thus dilated, cut into cycles and recomposed fragments. All this is like a dream, but it also exists. For in the end, we are faced with a video game fiction that is both sensitive and immaterial. A work that takes the form of a neo-myth.

Returnal as a neo-myth

If Atropos exists without existing, it’s because Returnal’s story is written like a myth. A story featuring gods and heroes not merely for entertainment, but as a vehicle for symbols, values and philosophical thoughts. A story intended to be passed on, modulated, transformed, …

More precisely, Returnal takes the form of a neo-myth. A myth taking refuge in a modern medium. An adaptation to today’s social codes that allows a traditional tale to survive the test of time.

For example, the game takes up the myth of Sisyphus, whose boulder is none other than Selene for the player. With each death, the cycle starts anew, and the player must “push his rock” again. The game discusses the absurdity of such a task, in the same way as the original myth.

Through this parallel, he can discuss the family division that work addiction can generate, the reproductive cycle of parent/child relationships, or nihilism and its possible outcomes.

This theme of work-life balance is strongly reflected in the values of Studio Housemarque. This quality of life, both at work and outside, offers them unique opportunities. The example of Sami Hakala, Development Director, is proof of this. He is a member of a music group, which enabled him to write the main theme for Nex Machina, composed by Ari Pulkkinen. By combining creativity and day-to-day work, Housemarque is a studio that seeks to juggle Order and Chaos.

Now back to the topic. By playing out the myth of Sisyphus, Returnal confronts the player with the absurdity of the world and of life. Through this experience, it can communicate the way in which hope or happiness can actually emerge from such a task.

The game thus evokes Albert Camus’s Sisyphus, who, by accepting the context, is able to transcend his condition. Not through a search for escape, but through direct confrontation with his eternal task. Embracing his fate becomes a revolt of existence in the face of the absurd. A liberating realization.

So we see how Returnal raises modern social issues through its neo-myth. But we can also see how this reinterpretation allows the studio to discuss its creative situation at the same time.

Like Sisyphus, the studio rushed into a quest for immortality, declaring the death of the arcade in favor of a Battle Royale dream. A dream I don’t necessarily interpret as theirs, but rather as the meeting of an era and a necessity. And like Sisyphus, they were punished for it with the failure of Stormdivers. There’s no self-satisfaction on my part in saying this; a studio has to move on and select projects to survive. It’s a difficult time for the teams who invest in and cherish these projects.

Returnal is an acceptance of this reality. And finally, this is how the studio landed on Atropos, Housemarque’s Tartarus. A place where they have no choice but to bring together two rather distant philosophies: the playful spirit of the arcade and the formal constraints of a triple-A narrative. Helios and the astronaut.

A cultural mosaic

Neo-myth means the insertion of modern references. Within the house, the narrative sequences, we can find a significant number of books on mythology or science fiction. These are the building blocks of the story, in order to understand the Vassos family, but they also serve as material for the game’s other key element: the creation of this world.

Earlier, we mentioned the game’s design, which is based on the idea of the fabulous chimera. An assemblage of different elements forming a new entity. Atropos and its creatures also follow this rule. Everything, absolutely everything, is rooted in what we can find in the house.

To give just a few examples, we can draw parallels with Selene’s reading about the heroes of Greek mythology (Perseus, Theseus, Hercules, etc.).These heroes, who obtain magical objects that help them defy the gods, will find an echo in Selene and the technological tools she gathers from the corpses of the “Sentients”.

A parallel can be drawn between reading about Thalassophobia and the bioluminescent design of monsters. There’s a connection between the weapons and the various science-fiction books in the home’s bookcases. There is a connection between the pills on the hall cabinet and the Sylphium repairing our integrity.

The list is not exhaustive, and I’m convinced that it all has its roots in this house. But above all, the focal point of all this lies in the book Ichor Orbital Terminus.

It’s a book we’re given to read two or three times, and it’s a surprising one. Indeed, the book’s excerpts seem to foreshadow the events that occur in some of Selene’s narrative sequences. And yet, these lines evoke the romantic narrative of Tali Acheron, a “necro-physicist” by profession.

We also find echoes of this book in the datalog entries. Helios maintains a data bank that grows as the player uses items or encounters monsters. Each entry contains three levels of data, so patience is required to unlock them. Until the next level is reached, Helios informs us that more data is required to continue his analysis. The data contains a wealth of useful information about the object’s function, its material, how it works and how Selene reacts to it.

What a surprise, then, to find that absolutely every third entry is actually an extract from the book Ichor Orbital Terminus? This means that every object, weapon or relic, once analyzed in depth, finds an attachment to this literary fiction. It’s as if these elements, once fully deciphered, reveal a hidden reality about their nature.

The conclusion is unexpected. Atropos is a video game representation structured around an intra diegetic literary fiction, itself complemented by the other readings, films or games present in the Vassos house.

The universe of the game is thus formed by everything that made up the life of this family. A universe created as a random assembly of all the substance that formed their lives.

Xaos, Chronos, Hélios and Selene

Like any other myth, Returnal uses figures symbolizing creative forces. This neo-myth thus incorporates its own deities. But since we’re going to talk about genesis, we first need to understand what is generated in the technical term.

As a game based on “runs”, Returnal follows in the prolific footsteps of the “roguelite” genre. A modern blend of “rogue like” elements and those of another genre. It generally features a random layout of levels, combined with permanent death ( with various bonuses allowing a form of progression).

Returnal uses procedural generation to create its environments. Each “run” is different in terms of space layout. The game draws from a set of rooms, enemies, weapons and objects, which it arranges randomly until the character dies. The next cycle generates a new configuration, and so on.

We’ve already mentioned Xaos, inspired by the Greek Chaos. A formless, chaotic, primordial mass from which the entire universe emerges. By analogy, Xaos can be assimilated to this set of assets available before their organization. A cosmic entity containing all that exists prior to its existence. He is also represented in the form of an octopus, Octo, since he is the link between Helios and Selene. A guardian for him, a nightmare for her. He is the source of matter that Helios uses to generate Atropos, the space that is required for Selene’s realizations.

Helios is the solar god of the Greek pantheon. But it would be simplistic to consider him solely as a lighting god. Helios is, in fact, associated with a form of creation power. He is the light that brings life in a cyclical process that enables order to emerge from chaos. He transforms formlessness into structure. It is the one that generates the world of Returnal with each cycle. This power of creation therefore aligns very well with what it represents: the playful, creative spirit. Like a child assembling Lego to build a playground.

As one of his main attributes is to observe the world (his nickname is the Eye of Zeus), he guides the player towards him through the HUD, following his progress, or perhaps it’s Xaos (Octo) given his linking function?

Selene is the lunar goddess. In other words, she is a reflection of sunlight, which she “transmits in her absence”. She exists only in the space between chaos and order. Selene therefore symbolizes the reconciliation of opposing forces (which is reflected in her design). Between Helios and the astronaut, between interactivity and linearity, between arcade and triple A. It’s an image for Housemarque.

Finally comes Chronos, god of time. All creation is shaped by time, but Atropos seems to be governed by a time that turns in circle. “Chronos is dead” can be read in various documents in the database. He is an organizing god in the Orphic tradition (which seems to be an important breeding ground for the game’s mythological references).

Selene regularly feels a gaze weighing down on her.

Once again, the screen shatters and Selene perceives her avatar condition. If Xaos is the Studio’s interface, providing assets for the procedural system, narrative elements and so on, then Chronos is the player’s interface for controlling Selene. In a video game, time is managed by the player. The player decides what to do and when to do it. We call this player agency.

Chronos can control and organize time, transcend cycles, generate temporal rifts and link other versions of Selene. He is the image of a player organizing his avatar’s journey until the Atropos moirai cuts the thread of his life and destiny.

In this way, two cosmic forces from Returnal’s pantheon can be used to illustrate the very nature of video games and embody their core actors. Certainly, it’s a medium that takes the form of a co-construction between a player and a studio. Nothing exists without one or the other, and their joint actions form the work of art.

Videogames are, in part, theater, and the player is his own audience! That’s why gameplay is an inner performance that is transmitted outwards. “Game” and ‘Play’. A game is played the way an actor plays a role in a play. The difference is that our performance is translated through inputs on a controller. So it requires a play and a role, an author and an actor, chaos and order (in the sense of Greek mythology).

But let’s close this parenthesis. Each work produced in this way is accompanied by a subjective reading that will contribute to the mythization of the game as it is transmitted orally or on the Internet. In this way, Returnal fully embraces the non-definitive, evolving nature of myth.

Or rather its neo-myth, for Returnal is fully aware that it is a video game.

« Returnal »

To conclude, with all this in mind, the question now is what really returns in Returnal. And the easy answer is obviously Selene, performing cycles, reproducing family patterns. Returnal thus evokes the memetics at the heart of our social relationships, which we unconsciously accept and reproduce.

But in my opinion, this answer is too easy and incomplete. If Selene is coming back, it’s because what’s really coming back is the Housemarque studio, after targeting a market far removed from the arcade that made them such a success.

What’s making a comeback, then, is the arcade spirit that was almost swallowed up, and which the studio will now have to keep ablaze in the triple-A sphere.

An arcade spirit inherited directly from Nex Machina (2017). The similarities are striking. The patterns, the bosses, certain secondary weapons, the dash, the sword, certain robotic enemies, …

In fact, even the sequence of biomes is reminiscent of Returnal:

But we can also find connections to Alienation (2016), Resogun (2013) and Outland (2011).

These include symbols from Outland, such as the Sisters of Chaos, one of whom controls the light of the sun and the other the darkness of the moon. A taste for immense, mysterious statues.

Returnal is a work of return that combines a multitude of symbols, themes, myths, games and books. It’s a fiction made of assembled fictions. A mosaic that speaks as much of the Vassos family as it does of current issues, the studio that conceived them, and the creative process that brought it to where it is today.

Atropos is a symbol of the liminal space within which Housemarque is now forced to push its rock. Between its arcade heritage and an industry-leading level of production.

The game director is transparent with this reading, signing many of his posts with a direct reference to it. As here with “the spirit of Helios lives on”.

With Returnal, Harry Krueger and Housemarque have entered the small circle of my favorite game designers.

And if this work offers such a level of artistic coherence, with so many possible readings, it augurs an equally interesting next step. SAROS seems to have been inspired by Robert W. Chambers’ short story collection The King in Yellow.

A collection that evokes the arrival of a cursed play that brings about a radical change in the perception of reality. This work poses art as a threat to the established order, which is why its description is that of madness. The King in Yellow thus symbolizes the idea of a radical social revolution by the dominated over the dominant, propagated through art.

Is it possible, then, that SAROS, a term defining a period between two eclipses, evokes its own relationship with Returnal? The passage of the moon in front of the sun as a metaphor for a Returnal occulting SAROS. A quest to break free from the previous game, to assert an identity.

Returnal is a cultural revolution for the Finnish studio, an event that has radically transformed its reality, as we’ve seen throughout this article.

Only time will tell.

But if you’re reading this, you’re stuck here too.

L’article [Eng] Returnal: reignite the sun est apparu en premier sur light01C.

Pour autant, le thème de cette analyse ne sera pas vraiment de comprendre l’histoire de Selene directement. A titre personnel, je souscris particulièrement à la théorie qui explique le jeu comme étant le fruit d’un esprit unique, l’esprit de Selene. Et je rejoins cette idée, car, comme toute œuvre, Returnal parle bien plus de ses concepteurs que du sujet qu’il traite.

Je vais donc proposer une lecture qui pose Housemarque comme étant le sujet de son œuvre.

En écrivant cet article, je pars du principe que vous avez terminé le jeu. L’article contiendra de nombreux spoilers. Pour les éventuels besoins de traductions, je vous invite à utiliser DeepL.

Un grand merci à Alkasushi pour son superbe dessin qui a su capter toute l’essence de cet article!

Contexte créatif

Tout d’abord, nous devons mettre en avant le contexte qui a permis la naissance de Returnal. Housemarque est un studio finlandais fondé en 1995 par la fusion de Bloodhouse et Terramarque. Le studio est connu pour plusieurs pépites enracinées dans le monde de l’arcade. Entre autres : Super Stardust HD (2007), Resogun (2013) ou encore plus récemment Nex Machina (2017).

Si les jeux sont des succès critiques reconnus, le studio semble avoir du mal à trouver son public. Ou peut-être que le genre s’est trouvé lentement relégué à une niche toujours plus réduite. L’accueil critique des jeux Housemarque est pourtant toujours excellent et se manifeste par des score metacritic plutôt élevés.

Cependant, après la sortie de Matterfall, en août 2017, le studio ne rencontre pas le succès commercial attendu. Une situation similaire à celle de Nex Machina sorti peu de temps avant.

Une contre-performance qui conduira le studio à déclarer la « mort de l’Arcade ». Un changement de trajectoire se met donc en place chez les Finlandais qui annoncent une nouvelle ère et un nouveau projet : Stormdivers. L’objectif est de viser un marché florissant afin de permettre la survie du studio. Cependant, le Battle Royale ne sortira jamais et laissera le champ libre à Returnal, un jeu qui mêle arcade et production de hautes volées.

L’arcade façon Housemarque

Le terme « arcade » étant très vague, nous devons dès lors comprendre ce que cela signifie pour les créateurs de Nex machina.

Tout d’abord, la philosophie générale se résume par une « catch phrase » assez évocatrice : Gameplay is King. Ce gimmick s’accompagne d’une petite précision bienvenue et, à mon sens, très juste :

En effet, il serait très réducteur de réduire le gameplay d’un jeu vidéo à ses règles, ses systèmes ou la profondeur des « combos » de boutons à utiliser. Il s’agit avant tout du fruit d’un échange cyclique entre l’image à l’écran et notre intériorité. Un jeu se joue avant tout dans la tête.

Refermons cette parenthèse. Pour le studio, cette philosophie se découpe en quatre grands principes :

• Embrasser la simplicité : un principe qui rappelle le processus créatif d’un autre génie de l’industrie, j’ai nommé Fumito Ueda et son non moins fameux « design par soustraction ». Apporter des idées et laisser celles-ci distiller pour n’en retenir que les plus essentielles puis bénéficier de la réduction en volume pour les exécuter le mieux possible.
• Une profondeur sans complexité : un concept qui se résume dans le fait de rendre son jeu facile à prendre en main, mais difficile à maîtriser.
• Mettre le joueur sur le fil du rasoir : créer une tension permanente de micro gestion des différentes couches d’objectifs
• Proposer de la rejouabilité en maîtrisant le flow du jeu, en faisant confiance au joueur pour apprendre, en laissant de l’espace pour la curiosité. Proposer des variations aléatoires entre les « runs ». Le but de tout ceci est d’empêcher le joueur de passer en pilote automatique.

Le crash de l’arcade

Tout ceci est donc « mort » en 2017. Et c’est dans ce contexte que naîtra Returnal. Il est donc d’ores et déjà intéressant de constater que l’introduction du jeu montre un vaisseau s’écrasant sur une planète inconnue.

Quel meilleur emblème pour l’arcade qu’un vaisseau? C’est l’icone du « Shoot’em up« , un genre vidéo ludique établi grâce au succès de Space Invaders en 1978.

Je simplifie à l’extrême pour imager, mais si une borne d’arcade « Shmup » est une machine agrémentée de boutons contenant un vaisseau dans un écran. Hélios est, en fait, une borne d’arcade inversée : un vaisseau contenant écrans et interrupteurs. Au-delà du fait que le jeu s’inspire de la direction artistique d’Alien, le style choisi n’est pas anodin pour un studio ayant obtenu ses lettres de noblesse dans l’arcade. En effet, le vaisseau de Selene s’inscrit dans un design rétrofuturiste très analogique. Avec des sticks et des écrans aux interfaces rétro.

Hélios est un symbole qui englobe tout ce qui se rattache au Jeu en général. Que ce soit l’esprit de l’arcade, l’esprit ludique ou encore la liberté qu’implique le fait de jouer.

L’impact du vaisseau sur Atropos illustre métaphoriquement la fin de l’arcade, tel qu’annoncé par Housemarque.

Cependant, avec l’échec de Stormdivers et le tout nouveau partenariat trouvé avec Playstation, l’arcade prends finalement le rôle de refuge pour le studio. Cela se traduit en jeu par le fait qu’Hélios soit un point d’ancrage auquel Selene revient sans cesse.

Nous voyons donc déjà se profiler un autre parallèle avec l’héroïne du jeu. Mais nous devons d’abord expliquer un autre élément clé.

Le regard de l’astronaute

Si Selene parcourt l’espace, c’est avant tout parce qu’elle remonte la trace d’un signal qui lui est personnel : l’ombre blanche.

En pratique, « The white shadow » est la source de l’accident de Selene lorsque le signal prends la forme de l’astronaute et se met en travers de sa route.

Mais ensuite, il est également la source de l’abandon d’Hélios et de la promesse de survie pour Selene lorsque l’ombre blanche se révèle être l’image de la lune à travers l’eau. Un guide pour remonter à la surface.

Ce signal est en réalité une matérialisation des rêves de Théïa qui s’imposent à Selene. Si l’enfant assis dans la voiture fait référence à la lune avec la phrase « do you see the white shadow ? », il ravive en sa mère un traumatisme qui prend racine dans le fait que Théïa ne pourra jamais participer au programme Apollo 11.

L’astronaute sur la route est donc une forme inconsciente de correction de trajectoire. En effet, Selene a un problème avec la parentalité, tout comme sa mère avant elle. Cet accident est comme un mécanisme de protection qui reproduit l’accident ayant conduit à la disparition d’Alex (le frère jumeau de Selene ?) et la paraplégie de Théïa. Une reproduction inconsciente dans le but de se libérer de son enfant et retrouver l’intégrité de sa vie.

Ce tragique incident est l’origine des tourments d’une Selene hantée par une mère diminuée et dont les rêves brisés deviendront une prison étouffante.

L’astronaute est donc une fabrication mentale représentant cette pression constante. Il n’est pas étonnant, dans la lecture que nous faisons, que ce cadre dirigiste (qu’il représente) entre en conflit avec ce que représente Hélios : l’attitude ludique, non maîtrisée et libre.

Cette figure anxiogène peut être assimilée à un conformisme, au rêve d’un autre. Une forme de pensée collective, voir de pression sociale, qui voudrait imposer à Housemarque les codes et les normes de ce qui fonctionne commercialement.

De la même façon que Selene, devenant l’astronaute pour son fils, cherchera à imposer ses rêves spatiaux à un enfant qui chérit les fonds marins.

L’astronaute n’a donc pas de visage, ou tous les visages, c’est un concept et un ressenti. Il est tour à tour le rêve perdu de Théïa, l’omniprésence de Théïa pour Selene, la pression de Selene sur Hélios, … Mais il est également une représentation de l’imaginaire collectif de ce que doit être le jeu vidéo AAA.

En termes plus généraux, c’est une représentation de l’esprit collectif qui influence les générations à travers un cycle de pressions sociales exercées sur les enfants par la perspective, plus ou moins intrusive, de leurs aînés. Un schéma qui se répète pouvant aller jusqu’à créer l’isolation puis la division, voir la mort : les sectionnés.

Briser le 4ème mur

Returnal est un jeu surprenant, car tout ce qui est expliqué au-dessus prend corps dans les séquences jouées du point de vue d’Hélios, l’enfant. Par ailleurs, ces dernières appuient fortement l’idée d’un univers issu d’un esprit unique du fait d’une forme d’omniscience qui en découle.

Si le jeu brise le quatrième mur, ce n’est pas pour faire un easter-egg gratuit. Cette séquence permet avant tout de lier Hélios au joueur et de renvoyer Selene à sa condition d’avatar.

Dans sa chambre, nous pouvons interagir avec différents jouets. Il s’agit d’une mise en abîme de la dichotomie de cette séquence entre contrainte linéaire et liberté de choix. En effet, les jouets liés aux rêves spatiaux sont montrés comme très rigide et creux (astronaute et navette spatiale). Ils entrent en contraste direct avec le tableau et le talkie-walkie qui laissent libre cours à l’imagination de l’enfant.

Mais mieux encore, une fois descendu, Hélios pourra s’asseoir en face de l’Astronaute lui-même. Un dialogue s’ouvre donc entre la liberté ludique et l’image normative qui contraint le jeu.

Tout cela passe par les choix flottants et stylisés pour construire un récit non-linéaire d’Hélios. Des choix mis au-dessus de la stature monolithique de l’astronaute et de son livre rigide et rectiligne.

Ce dialogue se termine sur la disparition de l’astronaute. Cet enchaînement permet de signifier le désintérêt qu’il peut montrer aux idées qui n’entrent pas dans son cadre.

Pour terminer la séquence, nous voyons Hélios récupérer Octo, sa peluche en forme de pieuvre. Et le poids du regard de l’astronaute, sûrement excédé par cette persistance de l’enfant à s’éloigner des « étoiles », fera émerger de la visière des tentacules monstrueux. Une façon de montrer l’association qui se fait entre la colère provoquée chez la mère, la peur de l’adulte chez l’enfant et la peluche.

Nous découvrons donc ici, la source du design récurrent des tentacules du bestiaire qui accable nos cycles « Atropiens ».

Enfin, sous notre lecture, cela véhicule le sentiment que ces représentations inconscientes que l’on se fait d’un jeu peuvent terroriser le jeu lui-même. Un discours qui fait écho au principe de simplicité dans le design arcade chez Housemarque évoqué plus tôt.

Selene, avatar d’Housemarque

Avec tout ceci en tête, nous comprenons donc que Selene représente Housemarque dans la poursuite de son rêve de succès commercial. Un rêve stellaire aboutissant au crash sur Atropos.

Considérée en tant qu’avatar, Selene combine trois représentations : elle est une copie presque parfaite de sa mère, Théïa, mais avec deux attributs bien connus du dieu Hélios : une chevelure dorée et une hétérochromie qui fait écho à son surnom : l’œil du monde. Sa combinaison spatiale évoque quant à elle l’astronaute.

Le mélange de ces trois éléments produit une image de Selene qui n’est pas nécessairement fidèle au personnage qu’elle interprète, mais cela permet de traverser tous les concepts et arcs narratifs du jeu. Le personnage se trouve ainsi mythisé, mais nous reviendrons là-dessus plus tard.

Ainsi, cet avatar fait vivre trois concepts en son sein :

• L’inévitable poids de la filiation (Théïa).
• L’indissociable genre « arcade » déclaré mort (Hélios).
• L’ambition affichée d’atteindre de nouveaux horizons (l’astronaute).

Ce design fait écho aux chimères fabuleuses (griffons, sphinx, …) et permet à Returnal de jouer sur une dichotomie entre réel et fiction de façon à ne jamais pouvoir statuer définitivement. En effet, Returnal se construit comme un néo-mythe, mais nous détaillerons plus tard ces notions.

Ce procédé permet également d’intégrer les intériorités d’Hélios et de Théïa au voyage de Selene. Tout est vrai, issu du drame de cette famille et, cependant, rien ne l’est vraiment car recombiné, mythisé.

Cela place le joueur dans une position d’accompagnateur, voir de thérapeute, qui poussera l’avatar à lentement démêler les bouts de son histoire. Le fait de jouer devient donc un acte libérateur pour Selene et Housemarque. Chacun cherchant une issue à son cauchemar par l’itération.

Ascension et descente

Le jeu se déroule en trois actes et nous pouvons désormais proposer une double lecture globale du jeu. Commençons par les deux premiers actes.

Le premier se situe au moment où le studio déclare que l’arcade est mort. C’est l’instant zéro pour le studio et Selene. En effet, dans le récit, c’est l’instant même du crash en voiture et en vaisseau.

À partir de là, notre avatar se met en quête du signal de diffusion « ombre blanche ». L’astronaute en est la source au sommet de l’antenne et Selene se met donc à sa poursuite. Mais comme nous l’avons vu plus haut, cette ombre blanche est aussi l’éclat de la lune à travers la surface.

L’acte 1 prends donc la forme d’une ascension jusqu’au sommet de la citadelle abandonnée faisant écho à la remontée de Selene depuis le fond de la rivière. Les deux suivent l’ombre blanche.

Après son accident, Selene cherche ce signal de la même façon qu’Housemarque cherche une issue à son problème. Et ce processus est itératif. Le studio calibre peu à peu son design par des boucles créatives d’ajouts, de retraits et d’ajustements. De la même manière, Selene découvre sa propre histoire de façon méthodique coincée au cœur d’un cycle temporel.

Au cœur du chaos que représente cet accident, leur premier réflexe commun fut de s’éloigner de l’arcade, d’Hélios, pour reprendre une bouffée d’air. Pour survivre.

L’ascension vers l’ombre blanche est donc le chemin censé conduire Housemarque au royaume du AAA. Et de façon parallèle, elle promet de conduire Selene au rêve de sa mère : devenir astronaute en survivant au crash et en abandonnant Hélios à son sort.

Cette volonté de se libérer de son statut maternel transparaît directement au travers du système de santé du jeu. L’absorption de Silphium, durant l’antiquité, était connue pour agir comme contraceptif. C’est de cette façon que notre avatar répare son « intégrité » et cela se connecte à l’idée d’une Selene/Théïa amputée de ses rêves par son statut de mère.

Cette ascension sonne donc comme une libération macabre et malsaine. Une suite d’événements qui fait écho à l’accident de Théïa et ayant coûté la vie à Alex.

C’est pour cela que la fuite d’Atropos se révèle n’être qu’une illusion. Celle d’une vie rêvée, paisible, bâtie sur le cadavre d’un enfant abandonné à son sort. La mort de vieillesse de notre avatar ne sera pas une échappatoire. Selene, comme le studio, devra comprendre pourquoi poursuivre l’astronaute la renvoie, à terme, sur cette planète maudite.

Le second acte est donc, inversement, une plongée en soi. Une forme d’introspection. La vision est plus claire désormais puisque l’astronaute a disparu.

C’est donc dans le passé que notre avatar/studio devra se projeter pour remonter à l’origine du problème. En réalité, dans cette temporalité, l’astronaute n’a pas vraiment disparu. Il n’a simplement pas encore eu le temps de se former dans la psyché de Selene.

La quête passe donc d’une ascension à une descente dans les fonds marins d’Atropos. Une plongée orientée vers un univers refoulé : les rêves aquatiques d’Hélios. Autrement dit, il s’agit symboliquement d’un retour à l’arcade et d’une descente vers Hélios, coincé dans le véhicule.

C’est au plus profond de cet espace que Selene rencontre Xaos. Une forme de divinité primordiale assimilable au Chaos grec, mais dont les traits auraient fusionné avec Octo. Nous reviendrons sur les éléments mythologiques plus tard.

Nous pouvons cependant constater que son design reprend celui d’une machine tirée de Nex Machina (ci-dessous) pour se mixer à la pieuvre Octo, formant ainsi une entité cosmique « Lovecraftienne ».

Ainsi, Xaos est une chimère construite de façon similaire à Selene, l’avatar. Il est l’entité cosmique qui va connecter Housemarque à l’arcade de Nex Machina et Selene à Hélios (comme le fait Octo).

Au plus profond de cette balafre abyssale, le sang d’un dieu coule (Ichor). Helios attend son ascension, enfermé.

Rallumer le soleil

La fin de ce second acte fait office de révélation. Mais avant d’arriver à celle-ci, le joueur attentif aura eu le loisir de remarquer une nouvelle rupture du quatrième mur.

Le HUD de Returnal est, en effet, basé sur les systèmes du vaisseau Hélios. Il s’agit du seul point invariable du jeu qui compile notre avancée. Il transcende l’espace-temps intra diégétique en se synchronisant avec celui de notre réalité.

Les tâches que nous obtenons au fil de notre aventure évoluent naturellement à force d’itération et d’atteinte d’objectifs. Quelle surprise, donc, de tomber sur ceci lors de notre dernier combat :

Le HUD se révèle être une entité consciente. Un guide avec un but qui lui est propre. Hélios nous appelle et vous l’aurez compris, il cherche à ce que Selene le libère de la voiture. C’est le but de ce troisième acte: une quête pour « rallumer le soleil », libérer l’arcade de sa mort annoncée.

Mais tout ceci questionne sur la nature du voyage. Si Hélios s’adresse à nous par le biais de l’interface alors celle-ci est peut-être plus proche du joueur que de l’univers dans lequel Selene évolue. Hélios a besoin que NOUS le libérions. Il s’agit donc d’un acte de foi de la part du studio mis en abîme par le biais de l’interface du jeu.

Ce sont les joueurs qui feront vivre l’arcade ou qui le laisseront reposer en paix dans cet ultime coup d’éclat qu’est Returnal.

Dead Chronos waits dreaming

Ainsi, Atropos devient une planète hors de l’espace et du temps. Tout le jeu ne représente qu’une grosse minute dans la vie réelle de Selene. Une temporalité qui va du moment du crash jusqu’au moment de dilemme entre sa quête de surface et celle pour sauver son fils.

• La première fin du jeu représente ainsi le moment où Sélène reprend ses esprits au cœur d’une situation chaotique : l’ombre blanche, la musique, le crash, la quête de surface. La séquence se clôt à mi-chemin, lorsqu’une ombre rattrape Selene.
• La seconde consiste à se souvenir d’Hélios et combattre le poids du regard de l’astronaute (Théïa). Il s’agit de conscientiser la présence de son fils dans la voiture et de ne pas reproduire le schéma de sa mère. En effet, la seconde fin place Selene dans la position de l’astronaute. Elle est la cause de son propre accident. Dans sa remontée solitaire, Selene est devenue Théïa et cette réalisation la conduit à la reproduction du cycle. Remonter seule à la surface pour vivre ses rêves, c’est tuer Hélios et tuer Alex une seconde fois.

La fin reste libre à interprétation. Sauve-t-elle Hélios ? Est-ce trop tard ? Je pense que le jeu ne répond volontairement pas. Atropos est un espace liminal où Selene et Hélios sont entre la vie et la mort. D’une certaine façon, ils sont comme le chat de Schrödinger.

Le but de cet espace est de conduire notre avatar vers une prise de conscience. Il n’y a aucun réel début, ni aucune véritable fin. Selene et Hélios se trouvent enfermés à l’intérieur d’un cycle auto générateur. Mais tout l’intérêt est ici justement, comme nous le verront un peu plus loin.

Le jeu veut montrer que l’espoir peut naître, même enfermé dans cette capsule qui ne finit jamais.

D’un autre côté, tout le jeu est également une introspection dans la psyché de Selene et dans ce qui détermine son processus décisionnel. Chacun des biomes, chacun des boss, des objets ou créatures est constitué par des éléments clé de sa vie.

Si tout ne dure qu’une grosse minute pour la vraie Selene, c’est pourtant toute son existence que nous démêlons sur Atropos. Biome après biome. Dans le but de purger son processus décisionnel des parasites que la vie lui a implanté. La mort de son frère jumeau, le départ de son père, le poids d’une mère brisée lui imposant ses rêves, la distance induite par un enfant enamouré de fonds marins tandis qu’elle souffre de thalassophobie et nourri des ambitions stellaires, …

En cela, le jeu est une éternité.

Le temps de Returnal est ainsi dilaté, découpé en cycles, en fragments recomposés. Tout ceci est comme un rêve, mais cela existe également. Car au final, nous sommes face à une fiction vidéo ludique à la fois sensible et immatérielle. Une œuvre qui prend la forme d’un néo-mythe.

Returnal en tant que néo-mythe

Si Atropos existe sans exister, c’est parce que le récit de Returnal est écrit comme un mythe. Un récit mettant en scène des dieux et des héros non pas en tant que simple divertissement, mais portant des symboles, des valeurs et pensées philosophiques. Un récit ayant pour but d’être transmis, modulé, transformé, …

Plus précisément, Returnal prend la forme d’un néo-mythe. Un mythe trouvant refuge dans un support moderne. Une adaptation aux codes sociaux actuels qui permet à un récit traditionnel de subsister à travers le temps.

Par exemple, le jeu reprend à son compte le mythe de Sisyphe dont le rocher n’est autre Selene pour le joueur. À chaque mort, le cycle repart de zéro et le joueur devra « pousser sa pierre » à nouveau. Le jeu discute ainsi de l’absurdité d’une telle tâche, au même titre que le mythe originel.

Par ce parallèle, il peut discuter de la division familiale que peut générer l’addiction au travail, du cycle reproductif des relations parents/enfants ou encore du nihilisme et ses issues possibles.

Ce thème de l’équilibre entre vie professionnelle et personnelle transparaît d’ailleurs fortement dans les valeurs du Studio Housemarque. Cette qualité de vie au travail et en dehors, leur offre des opportunités uniques. L’exemple de Sami Hakala, directeur développement, en est la preuve. Ce dernier fait partie d’un groupe de musique et cela lui a permis de signer le thème principal de Nex Machina composé par Ari Pulkkinen. En mariant la créativité et le travail au quotidien, Housemarque est un studio qui cherche à jongler entre Ordre et Chaos.

Mais revenons au sujet de cette partie. Par la mise en jeu du mythe de Sisyphe, Returnal permet de confronter le joueur à l’absurdité du monde et de la vie. Par cette expérience, il peut faire comprendre la façon dont l’espoir ou le bonheur peut malgré tout émerger d’une telle tâche.

Le jeu fait donc écho au Sisyphe d’Albert Camus qui, par l’acceptation du contexte, peut transcender sa condition. Non pas par une quête visant à s’échapper, mais bien par la confrontation directe avec sa tâche éternelle. Embrasser pleinement son destin devient une révolte de l’existence face à l’absurde. Une prise de conscience libératrice.

Nous voyons donc comment Returnal évoque des sujets sociaux modernes par le biais de son néo-mythe. Mais nous pouvons également voir comment cette réinterprétation permet au studio de discuter de sa situation créative au passage.

Comme Sisyphe, le studio s’est précipité vers une quête d’immortalité en déclarant la mort de l’arcade pour se tourner vers un rêve de Battle Royale. Un rêve que je n’interprète pas forcément comme étant le leur, mais plutôt celui né de la rencontre entre une époque et un besoin. Et comme Sisyphe, ils furent punis pour cela avec l’échec de Stormdivers. Il n’y a aucune satisfaction de ma part en disant cela, un studio se doit d’avancer et de sélectionner des projets pour survivre. C’est une situation difficile pour les équipes qui s’investissent et chérissent ces projets.

Returnal fait donc office d’acceptation de cette situation. Et finalement, c’est de cette façon que le studio atterri sur Atropos, le Tartare d’Housemarque. Un lieu dans lequel ils n’ont plus le choix que de faire cohabiter deux philosophies assez lointaines : l’esprit ludique de l’arcade et les contraintes formelles d’un triple A narratif. Hélios et l’astronaute.

Mosaïque culturelle

Qui dit néo-mythe dit insertion de références modernes. Au sein de la maison, les séquences narratives, nous pouvons retrouver un nombre important de livres sur la mythologie ou la science-fiction. Ce sont les éléments constitutifs du récit, pour comprendre la famille Vassos, mais ils servent également de matériel à l’autre élément clé du jeu : la génération de l’univers.

Plus tôt, nous avions évoqué le design du jeu calqué sur l’idée de la chimère fabuleuse. Un assemblage d’éléments différents formant une entité nouvelle. Atropos et ses créatures suivent également cette règle. Tout, absolument tout, prends racine dans ce que nous pouvons trouver dans la maison.

Pour donner quelques exemples, nous pouvons faire des rapprochements avec les lectures de Selene sur les héros de la mythologie grecque (Persée, Thésée, Hercules, …). Ces héros, qui obtiennent des objets magiques les aidant à défier les dieux, trouveront un écho chez Selene et les outils technologiques qu’elle recueillera sur les cadavres des « Sentients ».

Il est possible de faire un parallèle entre les lectures sur la Thalassophobie et le design bioluminescent des monstres. Sur la relation entre les armes et les divers livres de science-fiction présents dans les bibliothèques de la maison. Une connexion entre les pilules sur le meuble d’entrée et le Sylphium réparant notre intégrité.

La liste n’est pas exhaustive et je suis convaincu que tout prend racine dans cette maison. Mais surtout, le point central à tout ceci réside dans le livre Ichor Orbital Terminus.

Un livre qu’il nous est donné de parcourir à deux ou trois reprise et qui est surprenant. En effet, les extraits du livre semblent annoncer les événements qui se produisent dans certaines séquences narratives de Selene. Pourtant, ces lignes évoquent le récit romanesque de Tali Acheron, « nécro-physicienne » de son statut.

Nous trouvons également un écho à ce livre dans les entrées du journal de bord. Hélios tient en effet une banque de donnée qui se complète à mesure que le joueur utilise des objets ou rencontre des monstres. Chaque entrée contient trois niveaux de données et il faudra donc faire preuve de patience pour les débloquer. Tant que le palier suivant n’est pas atteint, Hélios nous informe qu’il lui faudra plus de données pour poursuivre son analyse. Nous trouverons dans ces données diverses informations utiles sur la fonction de l’objet, sa matière, son fonctionnement, sur la façon dont Selene y réagit.

Quelle surprise, donc, de constater qu’absolument toutes les troisièmes entrées ne sont en réalité qu’un extrait du livre Ichor Orbital Terminus ? Cela signifie que chaque objet, arme ou relique, une fois analysés en profondeur, trouve un attachement à cette fiction littéraire. Comme si ces éléments, une fois décryptés intégralement, révélaient une réalité occulte sur leur nature.

La conclusion est inattendue. Atropos est une représentation vidéo ludique structurée autour d’une fiction littéraire intra diégétique, elle même complétée par les autres lectures, films, ou jeux présents dans la maison des Vassos.

L’univers du jeu est donc formé par tout ce qui a pu constituer la vie de cette famille. Un univers conçu comme un assemblage désordonné de toute la substance ayant formé leurs existences.

Xaos, Chronos, Hélios et Selene

Comme tout mythe, Returnal utilise des figures symbolisant des puissances créatrices. Ce néo-mythe intègre donc ses propres divinités. Mais puisque nous allons parler de genèse, nous devons d’abord comprendre ce qui est généré au sens technique.

En tant que jeu basé sur des « runs », Returnal s’inscrit dans la lignée prolifique du genre « roguelites ». Un mélange moderne entre des éléments « rogue like » et ceux d’un autre genre. On y retrouve généralement un agencement aléatoire des niveaux qui se combinent à une mort permanente (modulo divers bonus permettant une forme de progression).

Returnal exploite une génération procédurale pour créer ses environnements. Chaque « run » est différente en termes d’agencement de l’espace. Le jeu pioche donc dans un ensemble de salles, d’ennemis, d’armes ou encore d’objets, qu’il organisera de façon aléatoire et ceci jusqu’à la mort du personnage. Le prochain cycle générant une nouvelle configuration et ainsi de suite.

Nous avons déjà évoqué Xaos, inspiré du Chaos grec. Une masse informe, chaotique et primordiale d’où tout l’univers émerge. Par analogie, Xaos est donc assimilable à cet ensemble d’assets disponibles avant leur organisation. Une entité cosmique qui contient l’ensemble de l’existant avant son existence. Il est également représenté sous la forme d’une pieuvre, Octo, puisqu’il fait la liaison entre Hélios et Selene. Un gardien pour lui, un cauchemar pour elle. Il est la source de matière dont Hélios se sert pour générer Atropos, l’espace nécessaire aux réalisations de Selene.

Hélios est le dieu solaire du panthéon grec. Mais il serait réducteur de l’assimiler uniquement à son rôle d’éclairage. Hélios est, en effet, assimilé à une forme de pouvoir de création. Celui de la lumière qui permet la vie dans un processus cyclique qui fait émerger l’ordre du chaos. Il permet la transformation de l’informe en structure. Il est celui qui génère le monde de Returnal à chaque cycle. Ce pouvoir de création s’aligne donc très bien avec ce qu’il représente : l’esprit ludique et créatif. Comme un enfant qui assemblerait des Lego pour fabriquer un terrain de jeu.

L’un de ses attributs principaux étant d’observer le monde (son surnom est l’œil de Zeus), il guide le joueur vers lui au travers du HUD en suivant son avancée, ou peut être s’agit-il de Xaos (Octo) étant donné sa fonction de lien ?

Selene est la déesse lunaire. Autrement dit, elle est un reflet de la lumière du soleil qu’elle « transmet en son absence ». Elle n’existe que dans l’espace entre le chaos et ordre. Selene symbolise donc la réconciliation de forces contraires (ce qui transparaît dans son design). Entre Hélios et l’astronaute, entre interactivité et linéarité, entre arcade et triple A. Il s’agit donc d’une image pour Housemarque.

Enfin, vient le tour de Chronos, dieu du temps. Toute création s’inscrit dans le temps, mais Atropos semble régit par un temps qui se ferme sur lui-même. « Chronos is dead » peut on lire dans divers documents de la base de données. Il s’agit d’un dieu organisateur dans la tradition orphique (qui semble un terreau important pour les références mythologiques du jeu).

Selene sent régulièrement un regard peser sur elle.

À nouveau, l’écran vole en éclats et Selene entraperçoit sa condition d’avatar. Si Xaos est l’interface du Studio, celui qui fournit les assets au système procédural, les éléments de narration, etc. Alors Chronos est l’interface du joueur pour le contrôle de Sélène. En effet, dans un jeu vidéo, le temps est géré par le joueur. Il décide de ses actions et de leur ordonnancement. Nous appelons cela, l’agentivité du joueur.

Chronos est ainsi capable de contrôler et d’organiser son temps, de transcender les cycles, de générer des failles temporelles et mettre en relation d’autres versions de Selene. Il est l’image d’un joueur organisant l’épopée de son avatar jusqu’à ce que la moire Atropos ne coupe le fil de sa vie, de son destin.

Par ce biais, deux forces cosmiques du panthéon de Returnal permettent d’évoquer la nature même du jeu vidéo et de représenter ses acteurs principaux. Assurément, il s’agit d’un médium qui émerge d’une co-construction entre un joueur et un studio. Rien n’existe sans l’un ou sans l’autre et leurs actions conjointes forment l’œuvre.

Le jeu vidéo est, en partie, du théâtre et le joueur est son propre public ! C’est pour cela que le gameplay est une performance intérieure qui est transmise vers l’extérieur. « Game » et « Play ». Un jeu se joue comme un acteur joue un rôle au sein d’une pièce. À la différence près que notre performance se traduit par des inputs sur une manette. Il faut donc une pièce et un rôle, un auteur et un acteur, le chaos et l’ordre (au sens de la mythologie grecque).

Mais fermons cette parenthèse. Chaque œuvre ainsi produite s’accompagne d’une lecture subjective qui viendra contribuer à la mythisation du jeu lors de sa transmission orale ou sur Internet. Returnal adopte ainsi pleinement la nature non-définitive et évolutive du mythe.

Où plutôt de son néo-mythe, car Returnal est conscient d’être un jeu vidéo.

« Returnal »

Pour conclure, avec tout ceci en tête, la question qui se pose désormais est de déterminer ce qui revient réellement dans Returnal. Et la réponse facile est bien évidemment Selene, effectuant des cycles, reproduisant des schémas familiaux. Returnal évoque ainsi la mémétique au cœur de nos rapports sociaux que l’on accepte et reproduit inconsciemment.

Mais cette réponse est trop facile et incomplète à mon sens. Si Selene revient, c’est parce que ce qui revient avant tout, c’est le studio Housemarque après avoir ciblé un marché éloigné de l’arcade qui a pourtant fait leur succès.

Ce qui fait son retour, c’est donc l’esprit de l’arcade qui fut presque englouti et que le studio devra désormais maintenir enflammé dans la sphère triple A.

Un esprit de l’arcade hérité directement de Nex Machina (2017). Les ressemblances sont frappantes. Les patterns, les boss, certaines armes secondaires, le dash, l’épée, certains ennemis robotiques, …

En réalité, même l’enchaînement des biomes est proche de celui de Returnal:

Mais nous pouvons également trouver des connexions à Alienation (2016), Resogun (2013) ou encore Outland (2011).

On y trouve, par exemple, des symboles venus d’Outland tels que les sœurs du chaos dont l’une contrôle la lumière du soleil et l’autre l’obscurité de la lune. Le goût pour les statues immenses et mystérieuses.

Returnal est une œuvre de retour qui combine une multitude de symboles, de thématiques, de mythes, de jeux ou encore de livres. C’est une fiction faite de fictions assemblée. Une mosaïque qui parle autant de la famille Vassos, que de sujets actuels, que du studio qui les a conçus, ou encore du processus créatif qui l’a conduit là où il est.

Atropos est un symbole de l’espace liminal au sein duquel Housemarque est désormais contraint de pousser son rocher. Entre son héritage arcade et un niveau de production à la pointe de l’industrie.

Le directeur du jeu est d’ailleurs transparent avec cette lecture, en signant beaucoup de ses posts avec une référence directe à celle-ci. Comme ici avec « the spirit of Helios lives on ».

Avec Returnal, Harry Krueger et Housemarque sont entrés dans le cercle assez restreint de mes concepteurs de jeux favoris.

Et si cette œuvre offre un tel niveau de cohérence artistique, avec autant de lectures possibles, cela augure une prochaine étape tout aussi intéressante. En effet, SAROS semble s’inspirer du recueil de nouvelles Le roi en jaune par Robert W. Chambers.

Un recueil qui évoque l’arrivée d’une pièce de théâtre maudite provoquant un changement radical dans la perception de la réalité. Cette œuvre pose l’art en menace pour l’ordre établi, c’est la raison pour laquelle la description qui en est rendue est celle de la folie. Le roi en jaune symbolise ainsi l’idée d’une révolution sociale radicale par les dominés sur les dominants et se propageant par l’art.

Est-il possible alors que SAROS, un terme définissant une période entre deux éclipses, évoque son propre rapport à Returnal ? Le passage de la lune devant le soleil posé en métaphore d’un Returnal occultant SAROS. Une quête d’affranchissement du jeu précédant, d’affirmation d’une identité.

Returnal est une révolution culturelle pour le studio finlandais, un événement ayant transformé sa réalité de façon radicale comme nous l’avons vu tout au long de cet article.

Seul l’avenir nous le dira.

Mais si vous lisez ceci, vous êtes coincé ici aussi.

L’article Returnal: rallumer le soleil est apparu en premier sur light01C.

J’ai, en effet, déjà beaucoup écrit sur le jeu depuis ces trois dernières années, et je suis plutôt satisfait de la vue d’ensemble que mes articles forment.

Cependant, il me reste quelques éléments à apporter sur un concept qui se forme lentement depuis le second trailer. En effet, il semble que tout s’enroule autour d’une idée de convergence. D’une forme de singularité au sens physique du terme.

Sans plus tarder, plongeons ensemble dans ces ultimes lignes avant la sortie du jeu le 26 juin 2025.

Comme d’habitude, je vais parler de plusieurs jeux d’Hideo Kojima. Prenez garde aux spoils et pour les traductions en anglais, vous pouvez utiliser DeepL.

Big Bang

Le monde de Death Stranding est un monde post-apocalyptique. La civilisation organisée en grands groupes urbanisés a laissé place à la nature. Et ces espaces sauvages sont ponctués par des abris survivalistes. Des bunkers robustes où les habitants isolés se terrent et vivent suspendus aux livraisons des « porters ».

Ce monde est un monde explosé dans lequel la « matière sociale » s’est éparpillée. Et si l’on veut présenter les choses sous un angle différent, nous pourrions dire que, ce qui fut autrefois uni et dense, a connu un Big Bang.

En effet, le Big Bang décrit l’évolution de notre univers dans ses premiers instants. Le passage d’un état extrêmement dense de la matière à l’univers très éparse que nous connaissons.

Dans la mesure où, l’enjeu principal de Death Stranding est la diffusion du réseau chiral, nous pourrions également parler de « Grand boum » de la connaissance. Il ne faut pas oublier que chaque lieu fonctionne comme une bulle et le savoir qui s’y trouve ne parvient pas au voisin le plus proche.

Autrement dit, le travail du joueur, de Sam, est une tentative de réunifier les parties. De faire converger le savoir et les gens pour permettre à nouveau à l’Homme d’avoir les mains sur son avenir.

Avec un soupçon d’extrapolation et de poésie, nous pourrions donc dire que le premier jeu est un Big Bang que l’on cherche à recoudre.

Big Crunch

Une théorie « achirale » au Big Bang réside dans le Big Crunch. Cette idée selon laquelle l’univers, devenu froid et très peu dense, risque de se contracter à nouveau sur lui-même. Un retour à l’état d’origine en un point nommé Singularité.

Néanmoins, il s’agit d’une théorie qui ne fait plus vraiment consensus parmi les scientifiques. Pour autant, cela reste un terreau très prolifique pour la science fiction et je pense que Kojima Productions s’en inspire pour Death Stranding 2.

L’un des effets de cet effondrement terminal se situe dans le rapprochement physique des corps célestes. Les galaxies se rapprochent, l’univers se densifie.

C’est ce que nous pouvons observer dans les derniers trailers avec la lune ou encore la nébuleuse du crabe (bravo Jacklab pour avoir identifié ça).

En d’autres termes, les catastrophes que l’on observe dans le jeu sont peut-être liées au renforcement des interactions gravitationnelles et électromagnétiques de ces astres. Peut-être qu’elles agissent comme un catalyseur pour le Death Stranding.

Fusion métaphysique

Une autre forme de convergence réside dans l’émergence de la grève dans le monde de Sam. La poix, l’abysse, les échoués,… En bref, tous les éléments métaphysiques présentés dans le premier jeu. La vie et la mort se côtoient, à défaut de se succéder, mais c’est aussi une fusion de l’onirique et du réel.

En dernier lieu, la convergence entre l’Homme et la machine sera un thème majeur du jeu. Le recours à l’IA et notre rapport à la mort à travers elle. Un sujet que j’évoque depuis trois ans, mais qui vient donc ici se greffer à cette thématique de réunion. Les morts pourraient être maintenus en vie dans des machines et être mis au travail via le réseau chiral?

Singularité mémétique

De toute évidence, l’univers de Death Stranding 2 est donc comparable à un Big Crunch. Mais un point particulier de ces convergences exprime plus qu’il n’en dit.

Death Stranding est une fresque vidéo-ludique qui va passer de Mario à Donkey Kong en passant par le versus gaming et autres genres. Avec cette œuvre, Hideo Kojima repense le jeu vidéo en connectant la modernité de l’Open World aux concepts premiers des jeux d’arcade. En réaffirmant la traversée comme un élément ludique constant et non pas un temps calme et peu actif.

C’est un jeu qui tente de faire le lien entre le passé et le futur. Ainsi, il se trouve bourré de références plus ou moins subtiles.

De surcroît, les trailers de Death Stranding 2 sont eux aussi bourrés de références. Par exemple, les plus faciles à voir:

• Le chat ailé de Boktai
• Le DHV Magellan, mélange de Rex et du vaisseau Laplace (Lunar Knights)
• Le cyborg ninja
• Le bras mécanique de Tarman
• Neil qui devient littéralement Snake l’espace d’une minute
• Neil qui mime Cliff

La liste n’est pas exhaustive, mais vous trouverez aisément des créateurs qui répertorient tout ceci.

Il semble que DS2 soit également une convergence du travail d’Hideo Kojima. Une thématique qui rappellera presque une version élargie de Metal Gear Solid 4 et sa fiction métastasée. Un récit de monstres chimériques que le joueur doit conduire vers une défragmentation.

Dans ce cadre, c’est sous les ailes d’une victoire, les ailes de la déesse Niké, que Snake fait une apparition mémétique. Dans une apothéose faite de feux d’artifice. Comme une célébration de la guerre. On imaginerait presque les applaudissements d’un public enthousiaste, déjà enflammé par l’approche de Metal Gear Solid Delta. Enfin le retour de la vraie guerre!?

Ce Snake-ci attends gentiment son heure dans un cimetière, sous les traits de Neil. Ou plutôt lieN. Un contrebandier, un livreur illégal. Comme une opposition fraternelle à Sam. Ils partagent d’ailleurs une origine narrative commune dans cette relation à Lucy, cette image de Cliff et cette connexion à Bridget.

Deux enfants d’un même auteur. Sam et Neil. DS et MGS. La corde et le bâton.

C’est une image qui en vaut cent. Peut-être un soupçon de regrets chez Kojima? Metal Gear Solid brille de mille feux dans cette cérémonie dédiée aux armes et à la guerre. Dans tout ce que les Etats-Unis produisent et propagent de pire. La facette sombre de l’Amérique que Death Stranding présentait déjà à égale valeur avec sa facette lumineuse.

On peut d’ailleurs voir Neil avoir un rictus l’espace d’une seconde. Comme si cet univers n’avait rien à faire dans sa tête. Rien à faire dans Death Stranding.

Mais, si la déesse de la victoire est présente sur l’épaule de Neil, c’est peut-être pour rappeler que Metal Gear réussit à ne jamais prôner la guerre tout en la rendant amusante. Grâce à sa virtualité assumée, voire ostentatoire, la victoire du message émerge de l’échec volontaire de la fiction à se maintenir sérieuse.

Son triomphe réside dans son approche postmoderne du récit et assurant la transmission du message aux générations futures. Neil, MGS, sera victorieux d’une façon ou d’une autre. Comme le triomphe de Cliff vit à travers Sam.

Death Stranding transforma le bâton en corde. Le second fera converger les deux au sein de Drawbridge.

Convergence ludique

Par conséquent, si Neil interprète Snake, il ne faut pas s’arrêter à la simple référence. Car ce que les derniers trailers montrent du jeu, c’est aussi et surtout une réunion des gameplays. Un point de rencontre entre Death Stranding et Metal Gear Solid.

• Non seulement un gameplay de connexion étoffé : celui du premier opus.
• Mais aussi un gameplay de séparation éprouvé : celui de Metal Gear Solid.

Saut à plat ventre, tir couché sur le dos, pistolet à la hanche, customisation des armes, customisation des véhicules, tenues de camouflage,… Le panel a l’air très large. Il sera très certainement plus travaillé que celui du premier opus.

Le ton est donc donné. Il est résolument plus disposé à l’action et prêt à répondre à chacune des intentions du joueur.

Rassemblement virtuel

Si Kojima fait se contracter à ce point son univers, c’est qu’il ressent un doute et un danger dans ce phénomène. Il cherche donc à créer un contexte favorable à la diffusion de son message.

La caractéristique principale de la convergence de Death Stranding 2 repose sur une connexion distante. Une solution trouvée à un problème qui vient directement modifier nos rapports sociaux. La connexion n’est en effet plus directe mais intermédiaire. Et un intermédiaire géré par un tiers.

Quel contrôle avons-nous sur cette connexion? Est-elle équivalente à une connexion directe? Quelle est la nature de l’échange que nous faisons pour entretenir ces liens? Un peu de notre vie privée? Un peu de notre pilotage? À qui donnons-nous ces clés? Et pour quel usage?

J’ai déjà abordé dans mon premier article les concepts qui sous-tendent les films de sous-marins. En résumé, nous pouvons dire qu’au sein d’un sous-marin, l’extérieur est l’ennemi et l’intérieur est la survie. Fragile a d’ailleurs une ligne qui exprime plus ou moins la même chose dans le dernier trailer.

Post Covid, nous avons tous été propulsés dans un « sous-marin » numérique. Un véhicule à taille de foyer qui parcourt Internet pour se connecter à l’extérieur. Pour travailler, s’amuser, apprendre,…

Mais la question qui se pose est de savoir à quel point nous avons pu faire de l’extérieur un ennemi?

Pire encore, nos « sous-marins » virtuels sont connectés par des intermédiaires. Tous ensemble, rassemblés par des câbles qui convergent vers quelques tiers. Donc, en étant plus direct, l’image que l’on obtient du monde extérieur est désormais largement fournie par Google, X, Meta, Microsoft, TikTok, Instagram, etc.

Est-il possible qu’à certains degrés nos ennemis nous soient désignés par ces intermédiaires? Nos pensées sont-elles volontairement influencées? Comment réagir? Comment s’en libérer?

Concentration artistique

Vous l’avez compris, cette contraction qui semble sous-tendre chaque élément du jeu n’est qu’une image pour le monde de demain et entrevu lors de la pandémie. Il s’agit du contexte.

Mais Kojima est un vétéran dans cet espace de pensée et jamais le contexte n’est venu aplatir son message. To the wilder you sonne ainsi comme un hymne à la liberté et au libre arbitre, tout en faisant peser les sacrifices que cela implique. Suivre sa voie, c’est bien souvent s’isoler, se mettre en marge du groupe.

C’est donc un appel à se défaire du contexte, aussi difficile cela soit-il. Comme une quête d’acceptation. Et peu importe le filtre que nous décidons d’appliquer à nos vies, il n’y aura pas de réalité ultime. Pas de pilule rouge ou bleue.

Il n’y a aucune forme d’aboutissement transcendant chez Kojima. L’immanence est reine.

Par conséquent, il s’agit de plonger dans notre version de nous-mêmes la plus sauvage. Puis, indépendamment de notre environnement, trouver la foi au sens fondamental du terme. Une démarche qui peut faire penser au Cogito de Descartes sous certains aspects.

L’objectif est de redescendre à l’ultime réalité des sens et des émotions que Metal Gear Solid 2 évoque et que la forme hyperréelle de Metal Gear Solid 3 impose par son lien au cinéma.

Kojima veut nous faire trouver un sens au voyage de Sam, pour en trouver un nous-mêmes. Puis enfin se servir de cette foi comme d’une force créatrice pour bâtir le futur, ensemble. Dans une compétition saine car asynchrone. En parallèle les uns des autres.

Autrement dit, comme le game-design qu’il propose depuis toujours : en évitant le conflit direct. En trouvant un moyen de contourner l’obstacle.

Le casting impressionnant des jeux Death Stranding trouve donc un sens dans cette quête en mettant en scène des Homo Ludens d’autres domaines artistiques. En cela, il est donc également le résultat d’une recherche de convergence des arts de la musique, du cinéma, de la photographie, de l’animation, etc.

Un pont levis pour rester fidèle à soi-même

Retenons donc que Kojima érige l’objet de la foi comme une boussole intérieure tout en ayant l’époque actuelle comme contremaître. Sa Mission naît toujours de cette rencontre et Death Stranding 2 en sera une nouvelle matérialisation.

La philosophie de Kojima cherche à maintenir un « parallélisme créatif » en contournant les obstacles. Dans un espace où tout se lie et s’uniformise, le pont levis agit comme un droit à la déconnexion. À prendre du recul. Un droit à s’isoler des masses et autres influences qui ont leur propre cap.

En revanche, il permet de ne pas fermer l’accès à de nouveaux espaces. La connexion émane d’une intention qui se lie à la Mission.

En ligne avec le schéma créatif dialogique de KJP, Death Stranding 2 rebat les cartes. Il le fait au moyen d’un rééquilibrage de la dimension candide du premier jeu.

Par conséquent, il pose une question rugueuse à l’opus précédent et son joueur : Should we have connected?

Et ce travail passe par la mise sous tension des accomplissements du joueur il y a cinq ans. Pour redéfinir les contours de la Mission de Sam en fonction de cette nouvelle ère qui approche.

Comme une corde tendue vers l’avenir qui se transmet de la fiction vers son public. Afin de trouver une issue immanente au nihilisme et à nouveau battre cet environnement qui s’impose à nous, sans concession.

L’article Un pont levis face aux convergences est apparu en premier sur light01C.

J’ai pris mon temps pour rédiger cet article tout simplement car j’ai déjà écrit beaucoup de choses en amont. Des choses justes et d’autres moins. Mais il me semble avoir dressé une fresque qui trouve certains échos dans ce trailer. Cela dit, je dois avouer qu’il m’a laissé perplexe sur quelques points qui restent encore aujourd’hui en suspens.

Le trailer est très singulier, beaucoup d’éléments sont difficiles à connecter. En surface cela ne semble pas énormément évoluer par rapport au premier.

Mais les apparences sont souvent trompeuses. Je vais donc tenter de lever autant que possible ce voile de mystère avec vous. Je ne discuterai pas de chaque détail. Certains l’ont déjà fait très proprement et très intelligemment.

Je vais plutôt tenter de capter les intentions de fond qui devraient nous aider à donner un sens à l’ensemble. La bonne nouvelle est que, bien que je me sois probablement trompé (désolé d’avoir hypé si fort les fonds marins), il me semble que ce n’est qu’une question d’assemblage et qu’il me faut donc simplement emboiter les pièces différemment.

L’article spoile beaucoup de jeux de Kojima, le film « Everything, Everywhere, all at once » ainsi que deux éléments de gameplay du DLC d’Horizon Forbidden West.

Si nécessaire, pour traduire les phrases en anglais, je vous invite à utilser DeepL.

Commençons donc très simplement par revisionner le trailer de Death Stranding 2 pour ceux qui ne l’ont plus en tête:

La mission

Cet aperçu de presque dix minutes pose l’objectif du jeu de façon claire. Après avoir rebatit les Etats-Unis d’Amérique, la tâche qui nous revient n’est, ni plus ni moins, que de reconnecter le monde.

Le voyage débute par le Mexique, frontière naturelle des ex-USA. C’est une Fragile érigée au rang de commandante de Drawbridge qui nous explique qu’ici, la situation est la même. Les gens sont isolés et nous devons les connecter. Mais cette fois il ne sera pas question d’étendre la frontière des UCA, au sens invasif du terme. Il s’agit simplement de les connecter au réseau chiral.

Il semble, en effet, que la zone contrôlée par les UCA soit celle d’antan, et que le réseau ait permis son automatisation. Des robots remplacent les livreurs et libèrent, selon les mots d’un orateur inconnu, l’Homme du besoin de se déplacer.

C’est donc sur les zones non connectées, hors des frontières, que Drawbridge opère. L’inconnu, l’inexploré, devient l’espace où l’Homme s’exprime en réponse à une machine qui occupe et gère l’espace connu. Une discussion très actuelle sur notre rapport à l’intelligence artificielle qui arrive sur diverses activités et forcent l’Homme dans des changements complexes.

En réalité, c’est une situation que nous avons déjà connu la première fois que nous avons connecté l’Ancien au réseau. Ce dernier refuse l’entrée au sein des UCA mais accepte volontiers le réseau. Ainsi, les structures (ponts, cordes, échelles,…) sont bel et bien partagées. L’utilisateur peut exploiter le réseau de livraison mais il n’a aucune obligation de partager ses données avec son contracteur. C’est une situation confortable qui permet à l’Ancien de recevoir ses médicaments sans pour autant être contraint d’intégrer un projet national.

Apporter le réseau au monde et le connecter. La mission semble par nature louable et bien intentionnée. Mais est-ce réellement désintéressé?

L’IA

D’après Fragile, Drawbridge est une entreprise civile financée par un bienfaiteur mystère ayant accès a d’énormes ressources monétaires et technologiques. Un bon samaritain que Sam associe immédiatement à un ponte des UCA. Le DHV Magellan montre l’étendue des moyens à disposition.

La question se pose donc immédiatement. Qui aurait intérêt à secrètement déployer le réseau chiral par le financement d’un groupe privé dans le but d’étendre les frontières du réseau?

La réponse est, à mon sens, dans cette citation, comme je le suspectais déjà dans mes articles précédents.

APAS semble être le nom des Services déployés par l’APAC. Un service public automatisé ayant pris la suite de Bridges après qu’ils ne se soient retirés. Il s’agit de robots et d’intelligences artificielles qui s’occupent de réaliser différentes tâches (dont les livraisons) au sein du territoire couvert par le réseau.

Si quelqu’un a intérêt à déployer le réseau c’est donc bien l’APAC. Connecter le monde revient en effet à accroitre le marché de ses services et son influence. Drawbridges serait donc l’un de ses bras invisibles.

Cependant, la bague portée par Fragile sur « son âme artificielle » montre peut être un consentement de façade. Ou plutôt une symbiose, au sens biologique du terme. Deux entités qui collaborent pour un bénéfice mutuel (ou non!). Un peu comme Kojima Productions et Sony, via Guerrilla, sur le moteur Decima et la licence Death Stranding. Un mode de fonctionnement qui peut tendre vers des mécanismes parasitaires, à l’image de ce qui est développé dans MGSV.

Le moteur de jeu qu’ils développent mutuellement a d’ailleurs beaucoup évolué.

Un espace de jeu figé?

Nous l’avions vu dans un article précédent, ce monde où des machines font les trajets (conceptuels) à notre place, fige notre univers et nous enferme dans des bulles toujours plus petites. Une zone standardisée et allergique à la prise de risque qui met sur la touche tout ce qui dérange et permet potentiellement la remise en question.

Or, du risque, il semble que c’est bien ce que nous allons rencontrer dans cet open world. Death Stranding posait un espace de jeu figé dans un but précis: permettre la prévision et reprendre en main le futur par ce biais. Sa suite prend un chemin chiral, si je puis dire. Tout semble dynamique et les constructions ne sont pas à l’abris de catastrophes naturelles. Le trajet n’est plus certain et demande à celui qui le parcours de revoir ses plans.

Dans un espace de cette taille, en mouvement constant, il semble que la place accordée aux véhicules sera très importante. Pour la sécurité qu’ils procurent mais également leur mobilité face à l’urgence des cataclysmes.

Peut être l’occasion pour Kojima de faire référence à « son dieu », Georges Miller et son détonnant Fury Road, au travers d’un gameplay de traversée en véhicule plus travaillé que le premier jeu? Plus travaillé mais peut-être aussi plus varié?

En effet, l’évolution du Decima est intéressante car le DLC d’Horizon Forbidden West apporte des bateaux permettant de traverser les couches d’eau. Il transforme même le « Sunwing » en véhicule sous marin, permettant le franchissement des différentes strates de l’open world. Il est ainsi possible de passer du ciel aux fonds marins sans le moindre chargement.

Je pense qu’il est aisément concevable que ce DLC sorti début 2023 bénéficie du travail de KJP. Cette symbiose avec Guerrilla permet d’envisager la traversée des différentes couches d’espace (ciel, terre, mer) à l’aide d’une multitude de moyens de locomotion.

Mais, le mouvement constant semble également passer par la mise en retrait de la solitude qui marquait nos pas dans le premier jeu. En effet, la poupée à l’image de Fatih Akin devrait nous accompagner sur nos trajets. J’ai très hâte de voir ce qui sera fait avec ce personnage, puisque sa première apparition tourne immédiatement en dérision la tendance actuelle des compagnons bavards accrochés aux derrières des protagonistes. A l’image du bruit incessant d’un Mimir de God of War par exemple.

Cordon chiral

Dans un contexte où le Covid a propulsé notre monde dans le tout numérique, il n’y a de meilleure allégorie que de propulser des âmes humaines dans des machines. Des machines armées d’ailleurs. Death Sranding 2 semble mettre à l’honneur son action et peut être que cela n’est pas innocent (nous pouvons y trouver beaucoup de références à Metal Gear). Mais nous reviendrons à ce sujet après avoir pensé la nature des robots qui parcourent le trailer (puisque j’ai déjà vendu la mèche).

Tout d’abord, le fait que les fils auxquels ils se trouvent suspendus ne soient pas noirs pose déjà une grande question. En effet, ces derniers symbolisaient leur connexion au monde des morts. Ils venaient par le bas, de sous la terre. L’abysse, refoulant ces âmes, les faisait s’échouer sur Terre comme une vague sur la rive.

Pure intuition donc, les fils blancs, venant par le haut représentent un être vivant projeté dans ces robots. Ou plutôt des consciences échouées dans une machine, l’image la plus absolue de notre état projeté sur internet.. Les fils blancs, descendants, rappellent ceux d’une marionnette et, par extension, un contrôle par une entité supérieure.

Si les cordons noirs du premiers jeu remontaient de l’abysse, la question qui se pose est alors « d’où tombent ces fils blancs » ?

Ghost in the shell

Dans la poursuite de mon hypothèse, il est forcément bon de savoir que Mamoru Oshii fera partie du casting du jeu. Le créateur de Ghost in the shell et Avalon, entre autres, est naturellement lié à cette thématique de conscience errant au cœur d’entités faites de câbles et de métaux . Il est presque certain que Kojima joue une fois de plus avec le quatrième mur en superposant des couches de lecture post modernes en plaçant Oshii sous les traits d’un personnage connecté à ces sujets.

L’univers de Death Stranding 2 semble repousser la frontière entre Ka et Ha, Ghost et Shell, pour les diviser puis les assembler autrement. Un choix visuel sur les corps qui se joue déjà de nos acquis. En conciliant la poix, la machine et l’Homme par exemple. Le BT et l’animal de compagnie. Mais aussi en transformant l’Odradek, une « main » pour BB28, en visage de samouraï géant. Des choix qui discutent très frontalement la question de l’essence.

Le trailer montre de nombreux exemples de créatures hybrides dont la nature nous interroge:

• Le chat ailé, échoué, fidèle compagnon du capitaine du DHV Magellan.
• Le capitaine lui même et son moignon de poix, utilise des prothèses mécanisées.
• Le personnage d’Elle Fanning semble être une hybridation entre un humain et un Cnidaire.
• La poupée vivante, prenant les traits de Fatih Akin, qui accompagnera Sam dans son périple.
• Fragile utilise une paire de mains mécaniques.
• Le samouraï géant à la silhouette humaine mais s’orientant via un Odradek et riant comme un Brise Brouillard sous ecstasy.
• Higgs se définit lui même comme un fantôme, n’ayant d’humain que son visage.
• Les robots humanoïdes de l’APAC et leurs éclaireurs, canidés de métal.

Ainsi, dans Death Stranding 2, une conscience est probablement capable d’être stockée ou d’exploiter un support artificiel ou « chiral ». Et peut être que ce Ghost n’est qu’une image, une empreinte de cette conscience passée. Peut-être qu’il n’est qu’une coquille vide, animée par les vestiges de ce qui fût.

Les questions que soulève Ghost in the Shell seront peut-être essentielles à Death Stranding 2.

Une guerre sans fin par procuration

Dans cet espace où Sam devra affronter des machines, on peut voir la facilité déconcertante qu’il peut avoir à sortir les armes face à elles. Le gameplay a l’air plutôt fluide pour favoriser le passage de la livraison à l’action. Le fait de pouvoir poser son sac laisse entrevoir une véritable tenue de combat qui montre la direction prise par Death Stranding 2.

Ce gameplay orienté action m’a dérouté au début. Death Stranding offrait la possibilité de combattre bien sûr. Mais la Director’s cut sonnait comme un hommage et une émancipation face à d’anciens codes hérités de Metal Gear. Cependant, au vu du trailer, il semble que c’était plutôt un DLC annonciateur. Kojima semble avoir envie de renouer avec son passé.

Mais méfions-nous car tout ceci n’est peut-être qu’un leurre. Une mémoire musculaire qu’il compte exploiter contre nous pour questionner le sujet du précédent jeu. Qu’avons-nous retenu du premier jeu? Sommes-nous des marionnettes prêtes à tirer sur tout ce qui bouge dès qu’on nous lâche un peu la bride?

Peut-être que cette aisance pour l’action représente le fait qu’il est plus facile de s’affronter sur nos réseaux, par machines interposées. Il est plus facile de sortir une arme contre un robot comme il est plus facile de se prendre le bec face à un écran sans vie. Le « tout connecté », tout à distance et sans risque physique, faciliterait donc le conflit et la division?

La potentielle insertion d’âmes humaines dans ces robots poserait des questions morales à nos actes dans le jeu et, métaphoriquement, hors de celui-ci.

Both stick and rope

L’image qui sort majoritairement de ce tout tient dans la dualité des choses. A la fois connexion et déconnexion. Corde et bâton. La plupart des éléments présentés ont deux symboliques antagonistes:

• Le bras d’Elle Fanning, membre servant à connecter, est venimeux.
• Le bras du capitaine est capable de piloter le vaisseau, utiliser des prothèses mais présente un aspect répulsif par nos interactions précédentes avec la poix.
• La tenue de livreur de Sam arbore un camouflage rappelant un treillis et semble renforcée pour le combat.
• Un exosquelette sur ses bras semble capable de faciliter le port d’objets lourds mais aussi d’absorber le recul d’une arme.
• Le chat échoué semble amical malgré la menace que les échoués représentent dans le premier jeu.
• La bague que porte Fragile n’est pas portée sur sa main biologique, indiquant un consentement de façade?
• La poupée qui accompagne Sam, inspirée des poupée Bunraku, possède deux visages.
• Louise dans le premier trailer est à la fois ange et démon, bébé et échouée.
• Higgs utilise une guitare pour se battre tout en jouant la berceuse de BB.
• Le DHV Magellan lui même, notre base mobile, rappelle le Metal Gear REX, arme de destruction massive de Metal Gear Solid.
• Le samouraï utilise un Odradek, outil de traversée permettant d’éviter le danger, pour voir et se battre.
• La poix, image de destruction du premier jeu, contient des acides aminés. Elle est assimilée à la soupe primordiale qui, en sciences de la vie et de la Terre, est une mixture au cœur d’une théorie sur l’apparition de la vie sur Terre.

Le jeu met l’accent sur la dualité de chaque chose. Il laisse envisager le fait qu’un outil devient corde ou bâton selon les intentions de son utilisateur. Un concept qui était présent dans le premier jeu mais que Death Stranding 2 semble ériger en principe central.

Aurions-nous dû nous connecter si tous nos outils peuvent devenir une menace? Le réseau chiral, outil salvateur du premier jeu, devient peut être une menace par son omniprésence? La grève, par laquelle il passe pour effectuer ses calculs, est peut être de retour grâce à lui?

On the beach

Les grèves ont une dimension onirique. C’est une sorte d’espace personnalisé contenant notre intériorité. Une zone à notre image que nous rejoignons à notre mort. Mais depuis la connexion du réseau chiral, les grèves et le réel sont donc fondamentalement intriqués.

La question que je me suis posé en lisant le titre du jeu, « On the beach », était la suivante: où est la grève? Avec ces plans dingues et une direction artistique qui devrait enfin faire honneur à son artbook, soit rien n’est sur la grève, soit tout est dessus. Curieusement, le jeu semble ancré dans le réel tout en déployant des visuels spectaculaires et hors de ce monde.

La raison, d’après moi, est que les grèves et le réel ont commencé à se mélanger. Sam et Amelie ont coupé la grève primordiale des autres grèves. Mais est-il possible d’en créer une autre? Une grève artificielle? On l’appellerait, au hasard… le « cloud computing ».

En effet, depuis le Covid, c’est bien une part plus grande de notre intériorité que nous projetons tous aux quatre coins de la toile.

Par notre temps libre sur internet mais désormais aussi très largement par le télétravail. Une projection toujours plus large de nous reste enfermée dans ces « nuages » que des machines parcourent, aspirent et compilent pour fournir des données statistiques à diverses entités. Peut-être que les fils blancs tombent alors des « nuages » ? Une grève primordiale, nouvelle menace d’extinction, qui surplombe le réel.

Ainsi, internet et la réalité sont de plus en plus mêlés et je pense que c’est ce que Death Stranding 2 va matérialiser par un mélange des mondes. L’individu se cristallise dans des machines, et les grèves (l’intériorité humaine) infusent donc lentement la réalité.

Ces fantômes de nous que nous laissons perdurent, comme une grotte de Lascaux moderne. Comme le font encore les corps pétrifiés de Pompeï qui nous dévoilent leur univers. La mort, marqueur de l’absence, du silence et de la fin, recule et laisse place à une empreinte numérique de l’individu. Une coquille vide et figée qui hante le réseau pour l’éternité. De véritables sarcophages qui traverseront les âges.

Deux champions

Résumons très grossièrement l’histoire de Death Stranding.

L’humanité est mise sur le fil de l’extinction. Deux champions émergent et doivent décider de l’avenir de l’espèce humaine. Hantés par les défunts et des visions cauchemardesques de l’avenir, Sam et Higgs s’opposent par leurs réactions face à l’absurdité de la vie, face à la mort et l’angoisse existentielle. En effet, le DOOMS, frappant certains individus, est présenté comme une malédiction. Mais il sert aussi d’avantage sélectif.

Ainsi, ce qui transforme lentement Higgs en nihiliste (auto)destructeur, change également Sam en bâtisseur de l’avenir par l’esprit ludique. Il devient l’Homo Ludens, menant l’humanité un peu plus loin, faisant reculer l’extinction d’un cran.

Si je fais ce rappel, c’est parce que Death Stranding 2 présente deux personnage clés dotés d’une « mutation » du même ordre. Nous nous trouvons ainsi avec un schéma similaire au premier jeu à la différence que les mutations en question sont de natures physiques.

Si tout démarre avec la mort et le retour de Sam étant bébé, le premier jeu se clôt sur la mort et le retour de Louise. On peut donc supposer qu’elle devient la dernière rapatriée d’Amélie. Il semble que Death Stranding 2 démarre également par la mort d’un bébé… de Lou. Mais ce sont bien deux « papillons » qui reviennent de l’au-delà, dans deux cocons de natures différentes.

Mue

Le premier cocon, évident, est l’espèce de chrysalide dans laquelle se trouve Elle Fanning. La poix semble s’être solidifiée autour d’elle pour garantir son retour. Un retour qui lui vaut des bras armés de nématocystes capables de projeter la dangereuse pluie nommée Timefall.

C’est une mutation intéressante puisque cela injecte un concept mortifère à la fonction du bras de l’Homme, membre de connexion au monde et à l’autre. La mort n’existe plus uniquement comme un risque environnemental (Timefall) mais passe désormais par la connexion humaine également (nématocystes).

Le personnage d’Elle semble représenter un nouveau chemin pour l’espèce humaine. L’actrice étant jeune, elle portera peut-être l’image d’une génération qui internalise les doutes liés à l’avenir, la mort et le temps face aux défis de notre ère. Un mal-être né d’une époque en proie à la perte de sens et à une division grandissante forçant à se forger une carapace et ériger des murs. Et donc, à l’image de ce bras venimeux, nous répandons peut être ce cocktail toxique malgré nous, en nous connectant à un monde hyperconnecté.

Everything, Everywhere, All at Once (EEAO)

Un schéma qui me rappelle l’exubérant Jobu Tupaki du film Everything, Everywhere, All at Once des « Daniels ». Une ado en crise existentielle dévorée par le nihilisme, s’abandonnant à une absurdité toxique permanente en réponse à un mal-être, à une existence déconnectée de toutes parts. Une brèche née de la vie hyperconnectée de sa mère.

Le multivers haut en couleurs qui en nait devient un champs des possibles infini (et méta) en réaction à la surcharge de tout ce qui se connecte à nous, malgré nous, en permanence.

Tout ce qui nous frustre trouve une solution dans ces dimensions délirantes. On se prend à rêver de ce que nous aurions pu être pour mettre fin aux difficultés d’un réel plat, fade, voir repoussant. En faisant ces expériences originales, nous devenons un autre pour s’échapper de soi, de nos vies. Et la course au n’importe quoi est devenue un symbole de notre ère où la réussite est devenue une fin en soi et se mesure en vues, en billets… en « likes ».

Comme le dit Rémi Gaillard, « c’est en faisant n’importe quoi que l’on devient n’importe qui ». Devant cette crise de l’identité qui se nourrit d’un contraste entre rêves et réalité, seule reste l’angoisse Sartrienne et le nihilisme qui lui succède souvent. Tous les personnages se perdront dans ce labyrinthe existentiel pour sauver l’enfant d’un suicide maquillé en bagel de « néantisation » collective.

EEAO est une superbe béquille à cette quête de sens que traverse notre époque. Sa résolution philosophique ne réside pas dans l’espace infini, et presque Lovecraftien, de l’Existence Sartrienne. Il le dépasse purement et simplement. Sa solution réside plutôt dans les fruits de la connexion qui permettent la réalisation de l’existence par la réduction du scope de nos vies. En se concentrant sur ici et maintenant, sur ce et ceux qui nous entourent.

Ce nihilisme destructeur est une thématique que l’on retrouve dans Death Stranding sous les traits d’un Higgs « néantiseur ».

Nommé d’après le Boson (presque Bowser!), « particule de Dieu », donnant sa masse à toutes les autres. Il est enfermé dans un rôle fonctionnel, un outil ludique et scénaristique. En tant que Boss de jeu vidéo, il crée le mouvement de Sam et du joueur, il « donne sa masse » à l’ensemble du jeu en kidnappant la « princesse Beach ».

Son destin immuable et éternel s’oppose donc à l’agenda du joueur « constructeur », bâtisseur de l’avenir et co-auteur du jeu par l’acte ludique. L’angoisse Sartrienne est ainsi dépassée par Homo Ludens (qui contient Homo Faber) et le nihilisme est en échec sur toutes les lectures du jeu.

Il me semble possible que le personnage d’Elle porte ce thème dans Death Stranding 2 étant donné la question identitaire qui est véhiculée par son affiche et la dualité thématique de son bras venimeux.

Transhumanisme

Le second cocon est en fait la chambre de stase de laquelle émerge Higgs. Un retour de l’antagoniste en cosplay d’Eric Draven, protagoniste principal de The Crow et figure torturée de la vengeance. Il semble se nommer lui même « fantôme ». Difficile donc de ne pas penser à Ghost in the shell à nouveau.

Homme ou machine? Higgs incarne l’image de l’artiste rétro, toute une époque à vrai dire, encapsulée dans un robot. Un futur où la mort n’est plus l’arrêt de l’existence et où l’humain est maintenu en vie artificiellement. Presque émulé. Comme ces artistes numérisés qui reviennent d’entre les morts pour donner leur voix et sortir un nouveau morceau. Transformant la musique en arme commerciale au son d’une guitare électrique électrisante, lui et ses machines de l’APAC représentent un chemin transhumaniste invasif pour l’espèce humaine.

Cependant, il est d’ores et déjà intéressant de se demander qui sera le corbeau nécromancien de notre antagoniste. Qui a ramené Higgs et dans quel but? Surtout que ce dernier semble être au cœur d’un système continental de distribution d’armes. Un système dont l’enjeu serait le contrôle par la violence et la division.

Mais sa quête personnelle est peut-être toute autre. En effet, sa connexion à Louise est omniprésente. On la trouve dans la chanson qu’il chante dans le premier trailer. Sa guitare de combat en joue d’ailleurs les premières notes. On la trouve dans le quipo qu’il porte autour du cou, petit cadeau de départ d’Amélie à Louise.

Mais on trouve aussi ce lien dans ce qu’il ressent en effleurant le pod de BB28. Tel Eric Draven guidé par les visions morbides de sa bien aimée, serait-il revenu venger Louise, troquant un corbeau pour une pieuvre?

Quel genre de lien les unissent? La question reste ouverte.

Sarcophages

Ce cocon et cette chambre de stase représentent en fait plus largement deux sarcophages. Et je pense que l’image n’est pas anodine puisque c’est cette représentation qui se trouve projetée sur les nouveaux « Qpid ».

Le Qpid du premier jeu récupérait l’image du monolithe de 2001: l’odyssée de l’espace. En effet, le bloc mystérieux du film de Kubrick se pose en véhicule de la connaissance. Un bloc mystérieux vecteur d’évolution.

C’est une image qui s’adapte parfaitement à ce que nous faisons dans le premier jeu. Grâce au Qpid, nous connectons les preppers au réseau et récupérons les connaissances stockées chez eux pour permettre l’adaptation, l’évolution, face au Death Stranding.

Le nouveau « QPid » porte donc une autre symbolique. Dans l’Egypte antique le sarcophage permettait au mort de continuer à vivre dans l’au-delà tout en demeurant en communication avec le monde des vivants. Il se pourrait donc que notre voyage cherche à faire communiquer des gens depuis l’autre monde? Ou plutôt, avec tout ce que nous avons déjà évoqué, peut-être que nous établirons le système qui permettra aux robots d’accueillir le fantôme numérisé des morts?

No rest for the wicked!

Mais si l’on revient sur nos deux « cocons », l’image est dès lors très claire. De façon fluide et logique, Higgs revient d’entre les morts, de la grève, mais surtout… Elle Fanning en ferait tout autant. Après tout, le sarcophage, comme la chrysalide, est un symbole de transcendance. Et je dirais même plutôt qu’un fragment d’eux en revient. Ka ou Ha ? « Ghost » ou « Shell »?

La question reste, elle aussi, ouverte.

Elle, Louise, BB28

Si le personnage d’Elle Fanning porte un bandage au coude, le lien est facilement faisable avec Lou. Il cache sa tâche de naissance en forme cœur. Mais dans ce cas nous aurions avancé de près de vingt ans dans le temps?

C’est bien une possibilité au vu des dernières images qui montrent Sam dans une tenue proche de celle d’un mécanicien, baluchon sur le dos. Mais cela expliquerait aussi ses cheveux blancs dans le premier trailer.

Kojima expliquait dans sa dernière vidéo HideoTube que le second opus fait immédiatement suite au premier. Et cela semble clair puisque l’on voit plusieurs fois Louise encore enfant, mais aussi Sam dans sa tenue Porter grise.

Cependant, la temporalité reste floue. Elle serait même effaçable. En effet, BB28 aurait été littéralement supprimée de l’histoire par Bridges quatre ans avant notre rencontre avec elle. Peut être comme un écran de fumée? Une désinformation pour dissuader les curieux ayants leurs entrées chez Bridges de remonter la piste de BB28?

Quoiqu’il en soit, si BB28 a été « décommissionnée » quatre ans plus tôt alors nous sommes loin de la vingtaine d’années du personnage d’Elle. Le problème est toujours le même, et donc peut-être qu’Elle n’est pas Louise.

Mais une possibilité émerge de nos paragraphes précédents. Si la grève se mêle au réel, alors le passage du temps pourrait en être affecté? Peut-être que c’est ce qui affecte nos personnages qui rajeunissent? Ou louise qui vieillit? Ou bien les deux?

Quand sommes-nous? Une question qui manque au casting des cinq W.

Un autre point troublant est que cette scène finale se déploie en plaçant Elle Fanning au centre de la mise en scène. Si l’on joue Sam, la chose serait explicable en flashback, comme entre Sam et Cliff pour le premier jeu…

Cependant la présence de Sam et de l’équipage du Magellan rend la chose assez curieuse. C’est d’ailleurs Elle qui se retrouve en débardeur gris quand Sam arbore une tenue stéréotypée d’une équipe de maintenance.

Si je ne doute aucune seconde du fait que Sam sera jouable, je me questionne toujours sur la potentielle jouabilité de Louise. Aura-t-on un jeu en deux parties? Après tout, Louise est la dernière rapatriée d’Amélie. Mais cela fait également écho au tour du monde des navires de Magellan, dont il n’a lui même jamais vu la fin.

Conclusion

Thématiquement, je trouve que positionner Sam entre nos deux « papillons » est un choix plus rationnel. De ce point de vue, il me semble que, en tant qu’Homo Ludens, ce sera à lui, et donc à nous, de trouver à nouveau la voie. Un positionnement à l’image de la ludographie de Kojima. A l’image de Kojima. Peu importe le contexte il faut apprendre à cheminer entre les difficultés, se fondre dans le tout, contourner les obstacles pour réaliser la mission.

Mais cela semble aussi un choix très sage et convenu. Habituel. Peut-être un peu réchauffé pour un jeu qui donne l’impression de défier l’absence de prise de risque de l’Entertainment. Un jeu à l’image de Sam et de la mascotte de KJP, qui veut ouvrir des voies nouvelles et abattre les cloisons figées du AAA.

Et après tout, Kojima aime changer son protagoniste de façon quasi systématique. Solid Snake, Raiden, Naked Snake, Old Snake, Big Boss, Venom Snake,… Chacun de ces personnages trouve sa raison d’exister dans la prise de conscience que le joueur et le personnage doivent effectuer ensemble. Non pas pour résoudre un scénario mais bien capter la substance qui vit à l’intérieur.

Alors pourquoi ne pas venir présenter, en 2025, son premier personnage principal féminin?

L’article On the beach? est apparu en premier sur light01C.

And then, during a discussion with my friend Flying_Fox, he made me understand that the game is essentially a scoring game, that making it more unpredictable would make some deliveries impossible. I had never taken this obvious step. How could I play a game and only see the thematic dimension of it? What would it imply to play the game again and observe it in its game form? The « version + » as Hideo Kojima prefers to call it, arrived at the right time and I decided to start again from scratch, starting from the actual game, to see where it leads. Cross-referencing interviews and even thinking about previous games.

All of Kojima’s games are autobiographical of course, and I hope one day to see the immense work of Flying_Fox come to fruition. Although my knowledge is much more limited and narrowed, I will try to present the way I approach Death Stranding from now on, between intentions and themes, game systems and narration. Already noticeable at the borders of my first article, l’éveil de l’Homo Ludens (the awakening of Homo Ludens), this vision, I had only scratched the surface.

Thank you to all the people I could exchange with. Flying_Fox, without whom this article might never have been born, but also all those who contributed to build the French Stranding community with whom we shared moments of pure sympathy and more difficult moments. Almost five years later, this community, which was formed around the game, is still very much in line with what Death Stranding is trying to provoke: the connection and the act of creation through music, writing, technology,…

I invite you to start together this new dive, a new milestone in our journey…

English is not my native language so feel free to contact me if you see anything ^^

This article will necessarily contain spoilers and I strongly advise you to have finished the adventure before reading it.

DOOMS: awareness of death

It is very easy to identify the general intention of Death Stranding from a thematic point of view. In a very graphic way, the game talks about our relationship with death through the concepts and imagery created. For example, Sam is a hero marked by the accident that made an entire city and his own family disappear. These marks, he carries them directly on his body in the form of permanent imprints. He lives with death inside him and this constant memory of powerlessness but, probably, also the regret of being the only one to have survived.

In fact, this character cannot die. He is what we call a repatriate. A man who has crossed the borders of life and death, has returned and will always return: I’ll keep coming! A fate that is based on the nature of videogames. In other words, he is like all those characters unable to die, who come back from our game over to allow us to finish the game. His curse is to feel the dead stranded in his world through the DOOMS. In short, a « super power » that is accompanied by an allergic reaction and tears.

The ghosts in the game, maybe my parents are one of them, seeing me in this world. I wanted to have that kind of metaphor, that within you, you’re connected to the people that passed away.

H. Kojima – Interview for Vulture

If at first sight we are dealing here with uncommon capacities, by lowering these metaphors to more down-to-earth considerations, we can easily draw a parallel with the phenomenon of consciousness. The consciousness of death (of oneself or of loved ones) which provokes tears when emotions and memories storm us. Deaths that we carry within us, each of us, in our memories and our daily life.

It seems clear that Sam is the portrayal of a man who feels these things and resonates inevitably with his author, his story and his sensibility.

It must be said that Hideo Kojima himself linked some of these themes to his childhood, which, according to him, he lived in solitude, a form of rejection and misunderstanding. He also talks about his thalassophobia, connected to his father, and sadly about the death of his parents at different times.

Feelings that still live with him today and permeate his creations.

I bought as soon as I found CICADA by my favorite Shaun Tan. Got emotional when reading it at the cafe. It resembles my lonely despair game creation everyday life. I’m the CICADA.👍🌈 pic.twitter.com/93aXwIi4mE

— HIDEO_KOJIMA (@HIDEO_KOJIMA_EN) May 11, 2019

If Death Stranding happened, it is probably because Kojima feels the need to defeat death through creation. But I also think that the theme of connection is born in the fact that his moral support came from overseas, through movies and especially Taxi Driver. More precisely, his connection to Travis Brickle (Robert De Niro in the film) allowed him to understand that his feelings were shared around the world, that he is not alone nor is he sick. So the connection in Death Stranding tends, according to him, to relay that feeling to the player.

To reconsider this fight of Man against death and oblivion, the Japanese creator believes that he must review the structure of the Video Game and propose new standards against the immutable codes inherited from arcade games.

Reimagining Mario to redesign Video Games

The Open World trend has never really waned over the years and, finally, the formula is starting to feel a bit outdated. For example, have you ever wondered, while walking through those big open spaces, when do you really play? All games require you to get from point A to point B, whether it’s an imposed goal or not. You move your character to that point and then you play with the combat system or any other game system.

However, beyond these points of interest where you actually play, what do you do in between? Can looking at the scenery, the art direction, or pressing a stick forward be considered as playing? Of course, all games need to be built on an alternation between tension and relief to reach a targeted experience. Open worlds favor moments of relaxation.

In the end, regardless of the answer, the game tension in these traversals is often very low. And the lower the gameplay tension is, the more the game will feel like a succession of character deliveries at key points of the experience. From this perspective, it’s an interesting choice on Kojima’s part to put the player in the shoes of a delivery man.

This is probably one of the reasons why the studio decided to reinstate Mario as a game principle, starting again from the fundamental idea of a single-screen (flip-screen) to overcome. Thus, the open world created by Kojima Productions (KJP) is made up of very pronounced landforms from which emerge the notion of « Crossing » or  » Passing through » (proper to Mario) through the landscape. The level design is no longer just a tool for immersion, a technological showcase to discover, but a component of the game systems.

The map becomes fully interactive and Sam’s Odradek will reveal the values that are directly linked to the game rules.

This system implies a permanent game of risk management and trajectory choice for the player who must protect his cargo. Just like Mario, which, in order to cross a single-screen, requires to evaluate jumps and paths in order to avoid falling into a hole, missing a platform or being hit by an enemy. The game is therefore permanent as it consists in crossing the screen and not just existing at each end of it.

In a somewhat mischievous way, the game is put back at the heart of the pizza delivery simulator experience.

To support his design, Hideo Kojima will consciously break the playability of his own Mario. And even if the animation of Sam’s jump remains a wink to Nintendo’s plumber, there are no more huge jumps over cliffs. Sam Porter is designed to look like a credible human worker. To overcome holes you will now need tools… or you can try the double jump which remains there for the tribute to arcade platformers.

By restricting Sam’s maneuverability, Kojima makes him more capable of conveying a feeling of immensity in the settings and spaces. It is through this lever that the game design imposes a feeling of freedom but also of constraints to its player. Every river resist you, every mountain becomes impassable but everything remains surmountable with the right tools. The problems that the player will have to solve will therefore be connected to the game field.

One of the major breaks with « classic  » or even  » historical  » video games is that it focuses on the packages and less on the avatar. As mentioned above, Sam is immortal and the only way to fail a mission is to destroy the goods you are carrying. Ultimately the failure in the game shifts from dying as an avatar to not completing your delivery. We will see later that this is very important in terms of the general philosophy of the project.

Thus, Kojima aims to reshape some of the almost timeless codes in the triple A sphere. Death Stranding defines itself according to the history of video games by embracing its origins but also by cutting with these most ancient inherited codes. The idea of abolishing game-over is therefore logical. The latter being a legacy from arcade terminals which had the objective of making us insert coins into the machine, breaking the experience was justified by an economic model.

Since then, few games have risked, or even simply been interested in revamping these codes, even if we can observe an emergence of recent games that work around this notion of death of the avatar. Of course, the indie scene has been developing innovative concepts for a long time. But Death Stranding plays in the AAA category where risk-taking is much more sporadic.

That’s why, instead of a GAME OVER screen segmenting the experience, Death Stranding transfers its player to a place that acts as a waiting room: The Abyss. You can take your time here, perform a few actions to connect with other players, and once you’re ready, leave where you left off. There is no interruption of the game’s thread. There is a continuity where the death of the avatar is not a disconnection but rather a state shift with a reduced game tension, to breathe.

Even better, the game accepts failure diegetically. The packages will be damaged and therefore your score will be lower. Goodbye to the maximum reward! Another example, if Death (through the BTs) defeats you, a crater is created. The map changes and adds this unbridgeable space. One more obstacle on your path complicating access to high scores but also leading to the removal of a playground for you. Failing in the face of Death means depriving yourself of Play.

So let’s explore the routine that is created to understand what we really lose.

Making contact

It all starts by introducing the character of Sam and the cinematics that present him as an isolated, tired and rather cynical character. Sam’s concept is rooted in Kojima’s observation of Europe and America where everyone is connected through internet but no one is really connected in the sense of an attachment or a form of fraternity. A world where many people are isolated at home and build walls between themselves and their neighbors while contributing to the constant division present on social networks. A vicious cycle of segmentation of society.

Sam is built from a mix between this observation and that of the consciousness of death mentioned above. In the end, he is a somewhat nihilistic character who lives from day to day, haunted by the vanished, waiting for his turn. The starting point of his adventure will be his meeting with BB, his mother Bridget and his sister Amelie. It is therefore the family bond that will motivate Sam to take the first step with Bridges. Then his connection to Life, by choosing to save BB, will make him take the second.

This is how the player discovers Sam, gets to know how to control him. In the manner of Metal Gear Solid V, there is a sense of getting in touch with the avatar that echoes the fact of learning to walk. The player, unaccustomed to having to be active during the action of walking in video games, will quickly make a mistake that leads to losing balance and thus learning how to deal with it. Like a child, the player learns (again) to walk, to control his avatar. The first step in the open world is marked by the beauty of the environment that embellishes the learning process while building a feeling of solitude in a vastly empty and cold universe.

The few ladders and ropes belonging to Igor, who died in the introduction, will bring us back to his memory. In other words, the first likes that we will dispense will go to a man who helps us beyond death. Immediately a feeling of transcendence emerges from this action. Igor’s work outlives him to assist our first steps in this Icelandic-like America.

However, the encounter with the BTs immediately contrasts with the beauty of the area. The universe is broken and Death is an obstacle that must be dealt with. This implies to find one’s way through a materialization of the memory of the dead that are the BTs, which can very well trap us if we are not attentive enough.

The first step

Sam intends to find his sister, this link is the only thing he still cares about, the only thing capable of moving him out of his day-to-day life. This is another echo to Mario (Sam) in search of Princess Peach (Amelie) kidnapped by Bowser (Higgs). The first step is thus motivated by a very common and historic quest in video games.

While this is an easy plot device, it will later be discussed and overtaken by the « princess » liberation scene after an utterly clichéd and codified Boss fight. A mastered and extremely meta overkill under this lecture that inspires a huge disconnection with the general atmosphere of the game. The very realistic aspect of the graphics creates even more awkwardness for the player who has to question what he is looking at or else remain stuck in this unease about the scene where Sam and Amelie are running on the beach.

To begin with, the first connection with a prepper always requires the player to leave the marked terrain. This way the player is always put in the position of a pioneer. Making contact is done in an empirical way and involves planning the route blindly. The key word is « discovery ».

This first step is therefore a form of leap of faith motivated and guided by Bridges. An allegory for Kojima taking his (new) first steps with Sony in 2015 and, in the same way as he does, Sam wants to stay out of Bridges in the end, to remain independent and freely build Louise’s future.

To build my demonstration, I will now imagine Bridges’s quest as a project. To complete this project, let’s say we need to create music. As the project manager I will aim to extend my area of interest to music and encounter various difficulties: experience in this field, knowledge, hardware, costs… My best option to succeed is to establish a link with a musician so that he brings me all this. So we can see that the first step is complicated since I am venturing alone in a new field, without knowing where I am going.

This uncertainty is reflected by questions in Death Stranding: How many rivers will I find on my way? What kind of soil? What topography? So I’ll assess my risks blindly during the preparation phase by bringing several ladders, ropes or boots. Then, the terrain reveals its difficulties through direct experience and the delivery is more or less a success. Once this Musician is found I establish a connection with him. A connection that I will have to nurture regularly so that he can work properly and provide quality work for my project. To establish a relationship of trust.

As said above, the metaphor I use is not random as it represents a situation comparable to Kojima searching the world for a game engine in 2015, making a connection with Guerrilla and then working collaboratively with them. But the same could be said of creating and implementing the various components of the game.

So, over this past year, we’ve been working on Decima. There are things we don’t know, we ask them, we make some requests. On our end, of course, we use the Decima engine very differently from the way they use it, especially when it comes to the cutscenes. So we make our own things there, and send it to them, show it to them, get their feedback.

H. Kojima – Interview for IGN

Optimization and expansion

If at the time of our first steps we were beginners, we have now acquired experience and especially established a network. This link reveals the map of the connected area, we now know its topography. A map that we can consider like having a better vision of the requirements or difficulties of our project in the field we had targeted. The field of music is now well connected to our project and we only have to optimize our exchanges with the musician.

Moreover, this musician (in game) even provided us with a Harmonica that will help my BB in my next trips to keep on making my trips to him but also to the others more reliable. The game indeed materializes the appreciation preppers have for Sam with unique items.

This is where scoring has its roots because, ultimately, if we accept deliveries and want to improve the relationship between the preppers and Sam, we will have to ensure and guarantee a certain quality of service. This leads to a work of optimization of our paths. For example, crossing those rivers that used to be a problem has been solved by a durable and reliable bridge. I lose less time for my future trips and I can focus on a camp of Mules to make my work more efficient and improve my link with the preppers. A link that depends on my score measured in Likes.

We can even add bonus constraints (premium deliveries) to improve this score. To confirm the value of our optimizations and get a « medal » as a testimony of an outstanding work.

A process that also mirrors that of the game’s creator.

For the new game elements I want to try, you always want to make it and then evaluate and iterate – and those we are doing on the other game engine candidate. We are getting to a very good point about how we are feeling about the visuals so we are very close to making a decision on the game engine. And once that is decided we will be in full production.

With Sony I have a relationship that goes back over 20 years, there is already this connection.

I was fortunate enough that I got many offers from many different people but for me for my first project it was very important to have trust where I was working. In those terms, there was already a relationship of trust with Sony.

H. Kojima – Interview for Eurogamer

Doing a good job means optimizing solutions to problems in our comfort zone (aka the chiral network). And since we are building a digital network, KJP has provided an asynchronous multiplayer that will allow me to share builds or paths with other players. Optimizing these solutions by cooperating with other people in the chiral network always improves my score. And my score now also depends on the work of other players.

On the contrary, my work is shared with others. It also influences their paths and therefore the score of these players. This mutual relationship generates appreciations that will be materialized by Likes. Building a bridge at a strategic place guarantees you a lot of Likes because this bridge is useful to everyone. Similarly, a rain shelter well positioned by another player will encourage you to thank him for his initiative with these same Likes.

Ultimately, multiplayer creates a notion of common good that values relevant work through Likes. If a construction is not really useful it is less likely to receive those thumbs up and thus generate a feeling of usefulness in the community. This feeling becomes the driving force of the chiral network where interaction is only positive and creates a virtuous circle. Strand contracts enhance this feeling by allowing you to strengthen your connection to players you identify as relevant to your journeys.

Interactivity of the map takes on an even greater dimension since walking in the footsteps of other players will slowly transform the landscape, shaping assets and textures to form paths. Real veins shared by cells that will feed the organs of the system, reinforcing the feeling that one belongs to a super organism. A common project. This interactive and shared open world is, to me, definitely one of the most interesting from a ludic point of view, as it redefines its core concepts.

Concerning negative interactions, if a construction bothers you, you are free to ignore it by deleting it. You can recognize the Mute, or Hide, function of social networks in order to focus on what is relevant. To avoid wasting too much time. So negative interaction can’t really outweigh the experience except to spoil the scenery a bit.

So, in a joint effort, the project will continuously grow by combining different areas of expertise and each new prepper to be connected will first demand to go back to zero, to the pioneer state, to leave the chiral networ

Reclaiming time

If you have been following up to this point, you have understood the parallel between Death Stranding and project management. The delivery induces some preparation and discoveries that will lead, through repetition, to optimization and therefore to maximize your score. And this is where the problem of randomness arises. What place should be left to randomness in a game design that talks about optimization?

It is clear that the map is very static. Mules are placed in fixed areas, rocks always fall in the same places, BTs are also in fixed locations, the wind always blows on the same heights and the rain…

Rain, although restricted to fixed areas, is defined in time. You can indeed wait for the rain to end under a shelter. It’s a little bit of randomness that slips into a well-regulated environment. On the other hand, you will have access to weather forecasts that will regulate the rains again. Under this observation is born a common criticism made to the game (and that I also made) which lies in this idea of a frozen universe. Would it have been better with BTs who can surface from everywhere at any time? To have unpredictable rain, wind or rockslides? Mules that roam the universe smartly? A world, say, more organic and less arcade-like?

The main problem with a map full of random events is that it necessarily becomes more complicated for the player to think ahead. If it is good to note that the randomness would reinforce the visceral aspect of survival, of the unpredictable moment and thus of the immersion in the universe, in the character and in the story. If it is good to recall that randomness would allow the present moment to reach a peak in all the surprise that it generates and the discomfort of being caught off guard. It is also good to see that by doing this we would sacrifice a lot of what is mentioned above concerning problem solving and especially the search for optimization that results from it. The whole scoring system would become flawed and would have to be redesigned.

In the end, I think it is important to understand that procedural rhetoric does not really emerge in survival aspects of the game, but rather in optimization ones. This observation slightly distances Death Stranding from the word « Walking simulator » since the emphasis is less on actual walking than in the idea of Path and its perpetual improvement.

After all, according to the game, to anticipate is to reclaim time, to forecast and plan. To go beyond the present moment and transition from animals to human beings.

Predicting the weather is akin to predicting the future. Some animals have a kind of sixth sense that helps them to avoid danger, but we have something far better: the ability to gather data and act accordingly. Only Humans possess this power to plan ahead. We have the capacity to live each day imagining what tomorrow will be like. And our imagination once gave rise to a rich, vibrant culture. But somewhere along the line we lost sight of tomorrow. We reduced ourselves to animals, focused only on the here and now.

Heartman during the first delivery to the Timefall farm.

One of the highlights of planning comes once the roads are built. Mules are beaten by our optimizations, the roads weave through the BTs, the route is safe for a very large part and we can move larger volumes of cargo. This is where tours are born: accepting many deliveries at once and organizing them in a logical sequence using menus.

But why this optimization-oriented design? Why would Kojima make a game about planning for the future?

From Sapiens to Ludens

One of the first answers for me is that Sam, who has a strong awareness of death, is carrying a BB. Everything you do in the game will make this baby react. BTs will scare him, falling will make him cry, and running fast will amuse him to the point that he will be giving you Likes. Many interactions will be rated by BB who will also form a bond based on Sam’s actions. He is a symbol for future generations. This generation that judges and will judge the future you are building for them. A theme Kojima has always cherished and which also keeps him in the creative process.

Last year I had some difficult circumstances and my family was telling me: you’re old, you should retire now and take it easy. Fortunately a lot of fans around the world are waiting for my games so I decided I wanted to keep making games. I established my own company and within two-and-a-half months we were able to make a teaser and deliver something to the people, finally. And seeing the reaction of the people – most people seemed to like it – made me feel really good that I made the right choice. My decision was correct.

Hideo Kojima – interview for Eurogamer

And maybe this act of creation, this link that occurs through the game and its construction, is a way for him to transmit this desire. Just like the independent porters who appear once you have established a network. Porters that walk in your footsteps, you who are already walking in Kojima’s footsteps by playing Death Stranding.

When you think about it, it’s a rope to creativity and connection. An attempt to lead the way and offer everyone the opportunity to experience being the lead of a project. Leading the way, creating connections, feeling useful through shared construction, solving problems and optimizing solutions,…

Kojima Productions wrote a note of intent when they opened their website (see right). A text that connects to the mascot of the studio: Ludens. This character is inspired by the work of Johan Huizinga, author of the book Homo Ludens in which he seeks to demonstrate game’s social function.

According to Huizinga, play predates culture. The latter is learned and then played in the same way that one learns monopoly to play it. One must learn the rules of the game and not break them, because whoever breaks them, breaks the game and therefore the culture.

To illustrate this, let’s take the example of our culture, which anchors first contacts in a handshake. It is a code, an unspoken rule that governs meetings between individuals and that everyone agrees to reproduce in order to maintain a relationship. Thus we will play this handshake to remain in a common game. However, this is not just a « repetition of culture ».

If a « classic » handshake is learned and reproducible, Homo Ludens is able to create other forms of this handshake (like Check or High Five) and thus build new codes from previous ones, infusing other meanings and branching out culture. Innovation is constitutive of the playful attitude and thus culture unfolds both through play and as a game.

Homo Ludens, the man who plays is therefore the foundation of our societies.

In play there is something “at play” which transcends the immediate needs of life and imparts meaning to the action. All play means something. If we call the active principle that makes up the essence of play, “instinct”, we explain nothing; if we call it “mind” or “will” we say too much. However we may regard it, the very fact that play has a meaning implies a non-materialistic quality in the nature of the thing itself.

Johan Huizinga, Homo Ludens

Huizinga, and later Roger Caillois, will define several properties of Play. The latter is thus, according to Caillois:

• Free, not obligatory.
• Distinct from the routine of life, in a space of its own, outside reality.
• Uncertain, indeterminate in its outcome in order to integrate the player’s action.
• Unproductive, with no gain or loss in value.
• Framed by rules followed by the players as an absolute dogma.
• Imaginary, implies the illusion of an alternative reality.

Several properties are debatable and have since been discussed, but it seems clear that play is a space separated from reality, from which one can enter and leave without constraint, thus implying a total acceptance of the rules that govern it. It is a space over which the player is able to influence and create uncertain outcomes, thus implying the notion of choices and consequences. A game is a form of simulator that confronts rules and player choices. It is a vector for experience in decision making and creativity that underlies them.

This is why, although Kojima is known to be a pioneer for integrating movie codes into video games, he remains lucid on the specificity of the video game medium, which lies in its interactivity.

First off, games are not movies. The player controls the character, that has to be very clear or else it leads to failure. A game is about the player controlling, going where they want to go, looking at what they want to, and from there, getting to catharsis.

Hideo Kojima – Interview for Heat Vision

If we observe today a growing influence of cinema on video games, confusion can sometimes arise when the latter takes over the ludic experience. A marker of such a takeover can sometimes be found in the « ludo-narrative dissonance ». The phenomenon that arises when the spectrum of possible action by the player does not resonate with the story, the character construction or the narrative. Similarly, a misalignment of avatar and player goals can arise from a misfit between game codes and narrative codes inherited from movies or literature.

Death Stranding presses on this particular point where movie codes integrate videogames without overtaking the experience.

As shown earlier, Hideo Kojima goes back to the fundamentals of his medium by reinserting Mario’s essence into the heart of his open world, while cutting through other conventions, such as the death of the avatar that cuts off the experience. A recalibration that brings the experience closer to a more cinematic flow that connects with its staging and performance capture techniques. An approach to continuity already noticed in the sequence shots in Metal Gear Solid V.

It is a coherent whole that favors catharsis through playful and cinematographic codes working together.

Earth may not be forever, but we still have the responsibility to leave what traces of life we can. Building the future and keeping the past alive are one and the same thing.

Solid Snake – Metal Gear Solid 2

We can therefore understand differently the themes of Creativity and Connection that run through the game. We can even dare to read, out of context, Snake’s quote in MGS2 under another angle: Building the art of Video Games is mixing it with other arts that precede it, or succeed it, without denaturing the essence of each of them.

Because in the end, as the studio’s note of intent underlines, Homo Ludens is also Homo Faber, the Man who creates. And maybe Death Stranding is an invitation to create and feel this connection, this common work, the pleasure of a job well done. A simulator that allows you to optimize everything. Whether it is in deliveries, the shooting range, the circuit races,… To finally allow you to confront others in ranked competitive versions.

A simulator that also allows you to create digital photography. Of course this is not specific to this game, but maybe it makes a little more sense in this game?

From another point of view, maybe it is also an invitation to make Homo Ludens and Homo Faber converge within the player? To become the master of his own work, to connect the useful with the pleasant? Open your horizon, take the first step, get out of your « chiral network »… Sam will reconnect the world and overcome his aphenphosmophobia. To put it plainly, accepting death and overcoming it through work, through interaction with others and especially with Louise, who becomes a part of his future.

The eternal gulf between being and idea can only be bridged by the rainbow of imagination.

Johan Huizinga, Homo Ludens

From Sapiens to Ludens! If the play generates Culture, then the future belongs to the one who imagines and creates it.

L’article [Eng] Redesigning the Open World to change the future est apparu en premier sur light01C.

Et puis, au hasard d’une discussion avec l’ami Flying_Fox, ce dernier me fais comprendre que le jeu est avant tout un jeu de scoring, que le rendre plus imprévisible rendrait certaines livraisons impossibles. Je n’avais jamais pris cette mesure pourtant évidente. Comment ai-je pu jouer à un jeu et n’en constater que la dimension thématique? Qu’est-ce que cela impliquerait de refaire le jeu et de l’observer sous sa forme de jeu? La « version + » comme préfère l’appeler Hideo Kojima est arrivée au bon moment et je me suis donc relancé dans l’aventure pour reprendre de zéro, en repartant du Jeu, pour voir où cela mène. Croiser des interviews voir même penser aux jeux précédents.

Tous les jeux de Kojima sont autobiographiques bien sûr et j’espère un jour voir l’immense travail de Flying_Fox aboutir sur quelque chose. Bien que ma connaissance soit bien plus limitée et focalisée, je vais m’efforcer ici de vous présenter la façon dont j’aborde Death Stranding désormais, entre intentions et thématiques, systèmes de jeu et narration. Déjà sensible aux frontières de mon premier article, l’éveil de l’Homo Ludens, cette vision, je n’avais fait que l’effleurer.

Merci à tous ceux avec qui j’ai pu échanger. Flying_Fox, sans qui cet article n’aurait peut être jamais vu le jour, mais également tout ceux qui ont contribué à construire la communauté French Stranding avec qui nous avons partagé des moments de pure sympathie et des moments plus difficiles. Près de cinq ans plus tard cette communauté, qui s’est formée autour du jeu, est toujours bien en ligne avec ce que Death Stranding cherche à provoquer: la connexion et l’acte de création par la musique, l’écriture, la technologie,…

Je vous invite donc à démarrer ensemble cette nouvelle plongée, une nouvelle pierre à l’édifice…

L’article comportera certains passages en anglais. Pour les personnes ayants des difficultés, je vous invite à ouvrir DeepL et traduire ces phrases pour mieux comprendre!

Cet article contiendra nécessairement des spoilers et je vous conseille vivement d’avoir terminé l’aventure avant sa lecture.

DOOMS: la conscience de la mort

Il est très facile de situer l’intention générale de Death Stranding d’un point de vue thématique. D’une façon très imagée, le jeu parle de notre rapport à la mort au travers des concepts et imageries créés. Par exemple, Sam est un héros marqué par l’accident qui a fait disparaitre une ville entière et sa propre famille. Ces marques, il les porte directement sur son corps sous la forme d’empreintes indélébiles. Il vit avec la mort en lui et ce souvenir constant d’impuissance mais, probablement, aussi le regret d’être le seul à en avoir réchappé.

En effet, ce personnage ne peut pas mourir. Il est ce qu’on appelle un rapatrié. Un homme qui a traversé les frontières de la vie et de la mort, en est revenu et en reviendra toujours: I’ll keep coming! Une destinée qui trouve son fondement dans la nature de son medium, le jeu vidéo. Autrement dit, il est à l’image de tous ces personnages incapables de mourir, qui reviennent de nos game over pour nous permettre de terminer le jeu. Sa malédiction est de sentir les morts échoués dans son monde via le syndrome du DOOMS. En somme, un « super pouvoir » qui s’accompagne d’une réaction allergique et de larmes.

Si à première vue on a ici affaire à des capacités hors du commun, en réduisant ces métaphores à des considérations plus terre à terre, on peut très vite faire le parallèle au phénomène de la conscience. La conscience de la mort (de soi ou de ses proches) qui provoque des larmes lorsque les émotions et les souvenirs nous assaillent. Des morts que l’on porte en nous, nous aussi, dans nos mémoires et notre quotidien.

Il semble clair que Sam est l’image d’un homme qui ressent ces choses et fait forcément écho à son auteur, son histoire et sa sensibilité.

Il faut dire qu’Hideo Kojima lui même situe certains de ces thèmes dans son enfance, qu’il a vécu, d’après lui, dans la solitude, une forme de rejet et d’incompréhension. Il parle également de sa thalassophobie, connectée à son père, et tristement du décès de ses parents à des époques différentes.

Des sentiments qui vivent toujours avec lui aujourd’hui et qui viennent imprégner ses créations.

I bought as soon as I found CICADA by my favorite Shaun Tan. Got emotional when reading it at the cafe. It resembles my lonely despair game creation everyday life. I’m the CICADA.👍🌈 pic.twitter.com/93aXwIi4mE

— HIDEO_KOJIMA (@HIDEO_KOJIMA_EN) May 11, 2019

Si Death Stranding est né, c’est probablement car Kojima ressent le besoin de vaincre la mort par l’ouvrage, par l’œuvre. Mais je pense également que le thème de la connexion nait dans le fait que son soutient moral est venu de l’étranger, par les voies du cinéma et notamment Taxi Driver. Plus précisément sa connexion à Travis Brickle (Robert De Niro dans le film) lui a permis de comprendre que ses sentiments étaient partagés à travers le monde, qu’il n’est pas seul et qu’il n’est pas malade. C’est ainsi que la connexion dans Death Stranding tends, d’après lui, à relayer ce sentiment au joueur.

Pour resituer ce combat de l’Homme face à la mort et à l’oubli, le créateur nippon estime qu’il doit revoir la structure du Jeu Video et proposer de nouveaux standards face aux codes immuables hérités des jeux d’arcade.

Repenser Mario pour repenser le Jeu Video

La tendance à l’Open World n’a jamais vraiment décliné avec les années et, finalement, la formule commence à accuser un certain coup de vieux. Par exemple, vous êtes vous déjà demandé, en parcourant ces grands espaces ouverts, quand est-ce que vous jouez vraiment? Tous les jeux réclament d’aller d’un point A à un point B, qu’il soit un objectif imposé ou non. Vous déplacez votre personnage jusqu’à cet endroit puis vous jouez avec le système de combat ou tout autre système de jeu.

Cependant, au delà de ces points d’intérêts où vous jouez effectivement, que faites vous entre? Peut-on considérer le fait d’observer le décors, la direction artistique ou presser un stick vers l’avant comme du jeu? Bien sûr, tous les jeux ont besoin de se construire sur une alternance entre tension et relachement pour atteindre une expérience cible. L’open world favorise les moments de relachement.

Au fond, quelle que soit la réponse, la tension de jeu dans ces phases de traversées est souvent très faible. Et plus cette tension de jeu est faible, plus le jeu ressemblera à une suite de livraison du personnage aux points clés de l’expérience. Vu sous cet angle, c’est un choix intéressant de la part de Kojima de placer le joueur dans la peau d’un livreur.

C’est probablement l’un des constats qui pousse le studio à faire le choix de réinsérer Mario comme principe de jeu, en repartant de l’idée fondamentale de tableau à traverser. Ainsi l’open world créé par Kojima Productions (KJP) est constitué de reliefs très marqués d’où émergent les notion de « Franchir » ou de « Traverser » (propre à Mario) par le biais du décors. Le level design n’est plus seulement un outil d’immersion, de vitrine technologique à parcourir, mais bel et bien un composant des systèmes de jeu.

La carte devient donc intégralement interactive et l’Odradek de Sam viendra en révéler les valeurs qui s’imbriquent directement dans les règles du jeu.

Ce système implique donc un jeu permanent de gestion des risques et de choix du trajet pour le joueur qui doit protéger ses colis. A l’image de Mario, qui, pour traverser un tableau, demande d’évaluer les sauts et le trajet sous peine de tomber dans un trou, de manquer une plateforme ou d’être touché par un ennemi. Le jeu est donc constant du fait qu’il réside dans la traversée du tableau et non pas à chaque extrémités du tableau.

De façon peut être un peu narquoise, le Jeu est remis au cœur de l’expérience du simulateur de livraison de pizzas.

Pour accompagner ce design, Hideo Kojima va sciemment casser la maniabilité de son Mario. Et même si l’animation du saut de Sam reste un clin d’œil au plombier de Nintendo, fini les immenses sauts au dessus des précipices. Sam Porter est pensé pour ressembler à un travailleur humain crédible. Pour franchir ce trou vous aurez désormais besoin d’un outil… ou vous pouvez tenter le double saut qui reste là pour l’hommage aux platformers arcades.

En limitant la maniabilité de Sam, Kojima le rends plus apte à transmettre un sentiment d’immensité des décors et des espaces. C’est par ce levier que le game design impose un sentiment de liberté mais aussi de contraintes à son joueur. Chaque cours d’eau résiste à son joueur, chaque montagne devient infranchissable mais tout reste surmontable avec les bons outils. Les problèmes que le joueur devra résoudre seront donc connectés à l’espace de jeu.

L’une des cassures majeures avec le jeu vidéo dit « classique » voir « historique » réside dans le fait que tout le jeu tourne autour des colis et moins autour de l’avatar. Comme vu plus haut, Sam est immortel et le seul moyen d’échouer une mission est de détruire les marchandises que l’on transporte. En fin de compte l’échec en jeu se déporte du fait de mourir en tant qu’avatar vers l’idée de ne pas aboutir à la livraison. Nous verrons plus tard que c’est très important au regard de la philosophie générale du projet.

C’est ainsi que Kojima vise à repenser certains codes presque immuables dans la sphère des triple A. Death Stranding se redéfinit par rapport à l’histoire du jeu vidéo en embrassant ses origines mais aussi en tranchant avec ces codes hérités les plus anciens. L’idée de supprimer le game over est donc naturelle. Ce dernier étant un héritage des bornes d’arcades qui avaient pour objectif de nous faire insérer des pièces dans la machine, la cassure de l’expérience était justifiée par un modèle économique.

Depuis, peu de jeux se sont risqués, voir même simplement intéressés à repenser ces codes, même si l’on peut observer une émergence de jeux récents qui travaillent autour cette notion de mort de l’avatar. A noter, bien sûr, la scène indépendante qui propose depuis longtemps des concepts innovants. Mais Death Stranding joue dans la catégorie des AAA où la prise de risque est bien plus sporadique.

C’est la raison pour laquelle, à la place d’un écran GAME OVER segmentant l’expérience, Death Stranding transfère son joueur dans un lieu qui fait office de salle d’attente: L’abysse. Vous pouvez prendre tout votre temps ici, effectuer quelques actions pour vous connecter à d’autres joueurs et une fois prêt, repartir où vous en étiez. Il n’y a pas d’interruption du fil du jeu. Nous avons une continuité où la mort de l’avatar n’est pas une cassure mais plutôt un changement d’état avec une tension de jeu allégée, pour souffler.

Mieux encore, le jeu accepte l’échec de façon diégétique. Les colis seront abimés et donc votre score sera plus faible. Adieu la récompense maximale! Autre exemple, si la Mort (à travers les échoués) vous terrasse, un cratère se forme. La carte se transforme et ajoute cet espace infranchissable. Un obstacle de plus sur votre trajet compliquant l’accès aux meilleurs scores mais aussi conduisant à la suppression d’un terrain de jeu pour vous. Échouer face à la Mort revient donc à se priver soi même de Jeu.

Explorons donc la routine qui se crée pour comprendre ce que l’on perds réellement.

Prise de contact

Tout commence au travers du personnage de Sam et les cinématiques qui nous le présentent comme un personnage isolé, fatigué et assez cynique. L’idée prends racine dans un constat fait par Kojima sur l’Europe et l’Amérique où tout le monde est connecté par internet mais personne ne l’est réellement au sens d’un attachement ou d’une forme de fraternité. Un monde où beaucoup de gens sont isolés chez eux et dressent des murs avec leurs voisins tout en contribuant à la division constante présente sur les réseaux sociaux. Un cycle vicieux de segmentation du tissu social.

Le personnage de Sam est construit à partir d’un mix entre ce constat et celui de la conscience de la mort évoqué plus haut. En fin de compte, c’est un personnage un peu nihiliste qui vit au jour le jour, hanté par les disparus, attendant son tour pour les rejoindres. Le point de départ de son aventure naitra de sa rencontre avec BB, sa mère Bridget et sa sœur Amelie. C’est donc le lien familial qui motivera Sam à faire un premier pas avec Bridges. Puis sa connexion à la Vie, en choisissant de sauver BB, lui fera faire le second.

C’est ainsi que le joueur découvre Sam, prends connaissance de son maniement. A la manière de Metal Gear Solid V, il y a une forme de prise de contact avec l’avatar qui fait écho au fait d’apprendre à marcher. Le joueur, peu habitué à devoir être actif durant l’action de marcher dans le jeu vidéo, sera vite confronté à l’erreur qui conduit au déséquilibre et donc à l’apprentissage de celui-ci. Comme un enfant, le joueur (ré)apprends à marcher, à contrôler son avatar. Le premier pas dans l’open world est marqué par la beauté de l’environnement qui enjolive l’apprentissage tout en construisant un sentiment de solitude dans un univers immensément vide et froid.

Les quelques échelles et cordes d’Igor, mort dans l’intro, nous ramèneront à son souvenir. En d’autres termes, les premiers likes que nous distribueront iront à un homme qui nous aide par delà la mort. Immédiatement une sensation de transcendance émerge de cette action. L’œuvre d’Igor lui survit pour faciliter nos premiers pas dans cette Amérique aux allures d’Islande.

Cependant, la rencontre avec les échoués tranche immédiatement avec la beauté de la zone. L’univers est cassé et la Mort constitue un obstacle avec lequel il faut composer. Cela implique de tracer son chemin à travers une matérialisation du souvenir des morts que sont les échoués, qui peuvent très bien nous prendre au piège si l’on est pas suffisamment attentif.

Le premier pas

Sam compte retrouver sa sœur, ce lien est la seule chose à laquelle il tient encore, la seule chose capable de le bouger hors de son quotidien. C’est un autre écho à Mario (Sam) en quête de la princesse Peach (Amelie) enlevée par Bowser (Higgs). Le premier pas est donc motivé par une quête des plus banales et ancienne dans le jeu vidéo.

Bien que cela soit une ficelle facile, cela sera plus tard discuté et dépassé par la scène de libération de la « princesse » après un combat de Boss tout ce qui est de plus cliché et codifié. Une surenchère maitrisée et extrêmement méta sous cette lecture qui inspire une énorme déconnexion avec l’ambiance générale du jeu. L’aspect très réaliste des graphismes crée encore plus de gêne chez le joueur qui doit ici questionner ce qu’il regarde sous peine de rester coincé dans ce malaise au sujet de la scène où Sam et Amelie courent sur la plage.

Pour débuter, la première connexion avec un prepper exige toujours du joueur de sortir du terrain balisé. De cette manière le joueur se retrouve systématiquement en position de pionnier. La prise de contact se fait de façon empirique et implique de prévoir le trajet au doigt mouillé. Le mot d’ordre est « découverte ».

Ce premier pas est donc une forme d’acte de foi motivé et guidé par Bridges. Une image pour un Kojima faisant ses (nouveaux) premiers pas avec Sony en 2015 et, de la même façon que lui, Sam souhaite rester hors de Bridges à la fin, pour rester indépendant et construire librement le futur de Louise.

Pour construire ma démonstration, je vais désormais imager la quête de Bridges comme un projet. Pour mener à bien ce projet, admettons que nous ayons besoin de créer une musique. En tant que directeur du projet je vais donc viser à étendre ma zone d’intérêt à la musique et rencontrer diverses difficultés: au niveau de l’expérience dans le domaine, du savoir, du matériel, des coûts… Ma meilleure option pour réussir reste donc d’établir un lien avec un Musicien pour qu’il m’apporte son expérience. On voit donc que le premier pas est compliqué puisque je m’aventure seul dans un nouveau domaine, sans savoir où je mets les pieds.

Cette incertitude se traduit, au sein de Death Stranding, par des questions: combien de rivières vais-je trouver sur ma route? Quel type de sol? Quelle topographie? Je vais donc évaluer mes risques à l’aveugle durant la phase de préparation en prévoyant plusieurs échelles, cordes ou bottes. Ensuite, le terrain révèle ses difficultés par l’expérience directe et la livraison abouti tant bien que mal. Une fois ce Musicien trouvé j’établis une connexion avec lui. Une connexion que je vais devoir alimenter régulièrement pour qu’il puisse travailler correctement et fournir un travail de qualité pour mon projet. Pour établir une relation de confiance.

Comme dit plus haut, la métaphore que j’emploie n’est pas aléatoire puisque cela représente une situation comparable au fait de voir Kojima rechercher un moteur de jeu à travers le monde en 2015, établir une connexion avec Guerrilla et travailler ensuite en collaboration avec eux. Mais on pourrait en dire autant du fait de créer et mettre en place les différents composants du jeu.

Optimisation et expansion

Si lors de nos premiers pas nous étions néophytes, nous avons désormais acquis de l’expérience et surtout établi un réseau. Ce lien nous révèle la carte de la zone connectée, nous connaissons désormais sa topographie. Une carte que l’on peut assimiler au fait de posséder une meilleure vision des prérequis ou difficultés de notre projet dans le domaine que nous avions ciblé. Le domaine de la musique est désormais bien connecté à notre projet et nous n’avons plus qu’à optimiser nos échanges avec le musicien.

D’ailleurs, ce musicien (en jeu) nous a même partagé un Harmonica qui aidera mon BB dans mes prochaines sorties pour continuer à fiabiliser mes trajets vers lui mais aussi vers les autres. Le jeu matérialise en effet l’appréciation des prepper pour Sam par des objets uniques.

C’est là que le scoring prends racine car, finalement, si l’on accepte des livraisons et que l’on veut améliorer les relations entre les preppers et Sam, il faudra assurer et garantir une certaine qualité de service. Cela entraine un travail d’optimisation des trajets. Par exemple, la traversée de ces rivières qui, autrefois, posaient problèmes ont été solutionnées par un pont durable et fiable. Je perds donc moins de temps pour mes futurs trajets et je peux me concentrer sur un camps de Mules pour fiabiliser mon travail et améliorer mon lien avec les preppers. Un lien qui dépends de mon score compté en Likes.

On pourra même ajouter des contraintes bonus (les livraisons prémiums) pour améliorer ce score. Pour vérifier la valeur de nos optimisations et obtenir une « médaille » en témoignage de notre qualité de travail.

Un processus qui rappelle lui aussi celui du créateur du jeu.

Faire du bon travail passe par optimiser les solutions aux problèmes rencontrés dans notre zone de confort (aka le réseau chiral). Et puisque nous établissons un réseau numérique, KJP a prévu un multijoueur asynchrone qui va me permettre de partager des constructions ou des chemins avec d’autres joueurs. Optimiser ces solutions en coopérant avec d’autres personnes dans le réseau chiral améliore toujours mon score. Et mon score dépends donc désormais aussi du labeur des autres joueurs.

Inversement, mon travail est partagé avec d’autres. Il influence également leurs trajets et donc le score de ces joueurs. Cette relation mutuelle génère des appréciations qui seront matérialisées par le Like. Placer un pont à un endroit stratégique vous garanti beaucoup de Likes car ce pont est utile à tout le monde. Inversement un abri contre la pluie bien placé par un autre joueur vous incite à le remercier pour son initiative par ces mêmes Likes.

En fin de compte le multijoueur crée une notion de bien commun qui valorise le travail pertinent au travers des Likes. Si une construction ne sers pas vraiment elle est moins susceptible de recevoir ces pouces en l’air et donc de générer un sentiment d’utilité dans la communauté. Ce sentiment devient le moteur du réseau chiral ou l’interaction est uniquement positive et crée un cercle vertueux. Les ponts de connexion viennent accroitre ce sentiment en vous permettant de renforcer votre connexion aux joueurs que vous jugez pertinents pour vos trajets.

L’intérêt de l’interactivité de la carte prends donc une dimension encore plus grande puisque marcher dans les traces d’autres joueurs va lentement transformer le terrain, travailler les assets et les textures, pour former des chemins. De véritables veines partagées par des cellules qui alimenterons les organes du réseau, renforçant ce sentiment d’appartenir à un super organisme. Un projet commun. Cet open world interactif et partagé fait pour moi définitivement parti des plus intéressants d’un point de vue ludique tant il en remanie les codes.

Concernant les interactions négatives, si une construction vous gêne vous êtes libre de les ignorer en les supprimant. On peut y voir se profiler la fonction Mute, ou Masquer, des réseaux sociaux afin de se concentrer sur le pertinent. Pour ne pas perdre trop de temps. L’interaction négative ne peut donc pas vraiment prendre le pas sur l’expérience si ce n’est de gâcher un peu le paysage.

Ainsi, dans un effort commun, le projet va continuellement croitre en associant différents domaines d’expertise et chaque nouveau prepper à connecter réclamera en premier lieu un retour à zéro, un retour à l’état de pionnier, une sortie du réseau chiral.

La reconquête du temps

Si vous avez suivi jusque là vous avec donc compris le parallèle entre Death Stranding et la gestion de projet. La livraison induit une préparation et une découverte qui mèneront, par la répétition du trajet, à l’optimisation et donc à la maximisation du score. Et c’est là que se pose le problème de l’aléatoire. Quelle place laisser à l’aléatoire dans un game design qui parle d’optimisation?

Il est clair que la carte du jeu est très statique. Les mules ont des zones délimitées, les rochers tombent toujours au même endroit, les échoués sont également dans des espaces fixes, le vent souffre toujours sur les mêmes hauteurs et la pluie…

La pluie, bien que restreinte à des zones fixes, est définie dans le temps. Vous pouvez bel et bien attendre la fin des pluies sous un abri. C’est une petite part d’aléatoire qui s’insinue dans un espace bien réglé. En revanche vous aurez accès à des prévisions météo qui viendront de nouveau régler ces pluies. Sous ce constat nait un reproche fréquent fait au jeu (et que j’ai pu faire également) qui tient dans cette idée d’un univers figé. Cela aurait-il été mieux avec des échoués qui peuvent surgir de partout à tout moment? D’avoir une pluie, un vent ou des éboulement imprévisibles? Des mules qui parcourent l’univers de façon intelligente? Un monde, disons, plus organique et moins arcade?

Le problème principal d’une carte remplie d’aléas c’est qu’il devient forcément plus compliqué pour le joueur de prévoir à l’intérieur. S’il est bon de noter que l’aléa renforcerais l’aspect viscéral de la survie, du moment imprévisible et donc de l’immersion dans l’univers, dans le personnage et le récit. S’il est bon de rappeler que l’aléa ferait culminer le moment présent dans toute la surprise qu’il génère et l’inconfort d’être pris au dépourvu. Il est aussi bon de voir qu’en faisant cela on sacrifierait beaucoup de ce qui est cité au dessus concernant la résolution de problème et surtout la recherche d’optimisation qui en découle. Tout le système de scoring du jeu deviendrait bancale et devrait être repensé.

Au final, il me semble important de comprendre que la rhétorique procédurale du Jeu n’émerge pas vraiment dans l’apect survie du jeu mais plutôt dans celui de l’optimisation. Un constat qui éloigne légèrement Death Stranding du mot-valise « Walking simulator » puisque l’emphase est moins porté sur la marche en elle même que sur l’idée de chemin et de son amélioration perpétuelle.

En effet, selon le jeu, prévoir c’est reconquérir le temps, c’est se projeter et planifier. Dépasser le moment présent et passer de l’animal à l’être humain.

L’un des points culminants de la planification apparait une fois les routes construites. Les mules sont dépassées par nos optimisations, les routes se faufilent entre les échoués, le trajet est sans risque pour une très grande partie et on peut déplacer de plus gros volumes de cargaisons. C’est ici que naissent les tournées: accepter beaucoups de livraisons à la fois et les organiser en une suite logique via les menus.

Mais pourquoi ce design tourné vers l’optimisation? Pourquoi faire un jeu sur le fait de planifier le futur?

From Sapiens to Ludens

L’une des premières réponse pour moi réside dans le fait que Sam, qui a une forte conscience de la mort, porte un BB. Tout ce que vous ferez dans le jeu fera réagir ce bébé. Les échoués lui feront peur, chuter le fera pleurer et courir vite l’amusera au point qu’il vous donnera des Likes. Beaucoup d’interactions seront jugées par BB qui établira lui aussi un lien de confiance selon les actions de Sam. Il incarne une représentation des générations futures. Cette génération qui juge et jugera le futur que vous leur construisez. Un thème cher à Kojima depuis toujours qui le maintient également dans la démarche de création.

Et peut être justement que cet acte de création, ce lien qui passe par le jeu et sa construction, est un moyen pour lui de transmettre cette envie. A l’image des porters indépendants qui apparaissent une fois que vous avez établi un réseau. Des porteurs qui marchent dans vos pas, vous qui marchez déjà dans les traces de Kojima en jouant à Death Stranding.

A bien y réfléchir c’est une corde tendue à la créativité et la connexion. Une tentative de montrer la voie et de proposer à chacun d’expérimenter le fait d’être le chef d’orchestre d’un projet. Ouvrir la route, créer des connexions, se sentir utile par la construction partagée, résoudre des problèmes et optimiser les solutions,…

Le studio Kojima Productions a rédigé une note d’intention lors de l’ouverture de leur site web (cf. ci-contre). Un texte qui se connecte à la mascotte du studio: Ludens. Ce personnage est inspiré par les travaux du penseur Johan Huizinga, auteur du livre Homo Ludens dans lequel il cherche à démontrer la fonction sociale du jeu.

Pour Huizinga, le jeu précède la culture. Cette dernière est apprise puis joué de la même façon que l’on apprends le monopoly pour y jouer. Il s’agit d’intégrer les règles du jeu et de ne pas en sortir car celui qui les brise, brise en même temps le jeu et donc la culture.

Pour imager la chose, prenons l’exemple de notre culture qui ancre les premiers contacts dans une poignée de main. C’est un code, une règle tacite qui régit la rencontre entre individus et que chacun accepte de reproduire pour maintenir l’entente. Ainsi nous jouerons cette poignée de main pour rester dans un jeu commun. Pour autant Il ne s’agit pas d’une simple « lecture de la culture ».

Si une poignée de main « classique » est apprise et reproductible, Homo Ludens est capable de créer d’autres formes de cette poignée de main (comme le Check ou le High Five) et ainsi construire des nouveaux codes a partir des codes précédents, insuflant d’autres significations et ramifiant la culture. L’innovation est constituante de l’attitude ludique et donc la culture se déploie à la fois par le jeu et comme un jeu.

Homo Ludens, l’Homme qui joue serait donc le fondement de nos sociétés.

Huizinga, puis plus tard Roger Caillois vont définir plusieurs propriétés du Jeu. Ce dernier est donc, d’après Caillois:

• Facultatif, libre d’accès et de sortie.
• Distinct de la routine de la vie, dans un espace qui lui est propre, hors du réel.
• Incertain, indéterminé dans son résultat afin d’intégrer l’action du joueur.
• Non productif, sans gain ou perte de valeur.
• Cadré par des règles suivies par les joueurs comme un dogme absolu.
• Imaginaire, implique l’illusion d’une réalité alternative.

Plusieurs propriétés sont discutables et ont d’ailleurs été discutées depuis mais il semble clair que le jeu est un espace séparé du réel, duquel on peut entrer et sortir sans contrainte, impliquant donc une acceptation totale des règles qui le régissent. C’est un espace sur lequel le joueur est capable d’influer et de créer des résultats incertains, impliquant donc la notion de choix et de conséquences. Un jeu est une forme de simulateur qui fait se confronter les règles et les choix du joueur. C’est un vecteur d’expérience dans la prise de décision et la créativité qui les sous-tends.

C’est ainsi que, bien que Kojima soit connu pour être un pionnier dans l’intégration des codes du cinéma dans le jeu vidéo, ce dernier reste lucide sur la particularité de ce medium qui réside dans l’interactivité.

Si l’on observe aujourd’hui une influence croissante du cinéma sur le jeu vidéo, la confusion peut naitre parfois lorsque ce dernier prends le pas sur l’expérience ludique. Un marqueur de cette prise de contrôle peut parfois être trouvé dans la « dissonance ludo-narrative ». Le phénomène qui nait lorsque la palettes des actions possibles du joueur ne résonne pas avec le récit, la construction des personnages ou la narration. De la même façon, un mauvais alignement des objectifs de l’avatar et du joueur peut provenir d’un mauvais agencement entre les codes ludiques et les codes narratifs hérités du cinéma ou de la littérature.

Death Stranding appuie sur ce point névraglique où les codes du cinéma intègrent le jeu vidéo sans prendre le pas sur l’expérience.

Comme montré précédement, Hideo Kojima renoue avec les fondamentaux de son medium en réinsérant l’essence de Mario au coeur de son open world, tout en tranchant avec d’autres conventions, comme la coupure de l’expérience par la mort de l’avatar. Un recalibrage qui rapproche l’expérience d’un flux continu plus cinématographique qui connecte d’ailleurs avec ses techniques de mises en scènes et de performance capture. Une approche de la continuité déjà perçue dans les plans séquences de Metal Gear Solid V.

Le tout est un ensemble cohérent qui favorise la catharsis via des codes ludiques et cinématographiques agissants de concert.

On peut donc comprendre autrement le choix des thématiques de Créativité et de Connexion qui parcourrent le jeu. On peut même se risquer à lire, hors contexte, la citation de Snake dans MGS2 sous un autre angle: Construire l’art du Jeu Vidéo c’est le mélanger avec d’autres arts qui le précèdent, ou lui succèdent, sans dénaturer l’essence de chacun d’entre eux.

Car finalement, comme le souligne la note d’intention du studio, Homo Ludens est aussi Homo Faber, l’Homme qui crée. Et peut être que finalement Death Stranding est une invitation à créer et sentir cette connexion, ce travail commun, le plaisir du travail bien fait. Un simulateur qui vous permet d’optimiser un peu tout. Que ce soit dans les commandes, le stand de tir, les courses du circuit,… Pour finalement vous permettre de vous confronter aux autres dans des versions compétitives classées.

Un simulateur qui vous permet aussi de créer de la photographie numérique. Certes ce n’est pas propre à ce jeu, mais peut être que cela prends légèrement plus de sens dans cette oeuvre?

Sous un autre angle, peut être est-ce aussi une invitation à faire converger Homo Ludens et Homo Faber chez le joueur? Devenir maitre de son travail, connecter l’utile à l’agréable? Ouvrir son horizon, faire le premier pas, sortir de son « réseau chiral »… Sam va reconnecter le monde et vaincre son aphenphosmophobie. En clair, accepter la mort et la vaincre par l’ouvrage, par l’interaction avec les autres et surtout à Louise qui devient une partie de son avenir.

From Sapiens to Ludens! Si le jeu fait la culture, alors le futur appartient à celui qui l’imagine et le crée.

L’article Repenser l’Open World pour changer le futur est apparu en premier sur light01C.

The mystery of this attraction could lie in this tweet:

However, the illusion fades, the sight clears, the game slowly reveals its secrets. A lot of studies about it but also around it. Finally, it seemed obvious to me that toHowever, the illusion is resorbed, the view becomes clearer, the game gives up its secrets, slowly. With a lot of studies about it but also around it. Finally, it seemed obvious to me that in order to give back to this game the genius that inhabits it, I would have to understand its title. So I will try to give you an interpretation of the phantom pain and its therapy applied to the game.

The article is very descriptive at the beginning to explain the story and mechanics of the game but I hope you will read well until the end which talks more about the themes and concepts.

Given that the game was released in 2015, it goes without saying that what is written here will necessarily echo other articles or videos, but I want to assure you of the sincerity of my vision when I write these lines. I would like to thank all those who have contributed to shedding light on the shadows, those who have tried to transmit knowledge and explanations. I hope not to betray you and to pay tribute to you through my words. To contribute in my turn to this great exchange of points of view. I like the idea that « 1000 generations of Jedi live through me » but also that I live in the words of others in the same way, in an infinite spiral in search of meaning.

I obviously can’t name you all but thank you.

Finally, it goes without saying that everything will be spoiled, sometimes even other games in the series , and that you should read these lines in your good conscience.

Phantom pain

To put it in perspective, phantom pain is a medical term that appears to have appeared in the 16th century through the observations of Ambroise Paré. However, the first person to provide a clinical description was Sylas Weir Mitchell in 1871. The phenomenon is described as a pain felt on an amputated limb, a lost limb, which thus becomes a ghost for the patient. Indeed, the disappearance of the nerve endings does not suppress the neuronal connections, the brain continues to maintain an electrical activity on the areas of the brain that contribute to the nervous return of the lost limb. We therefore have two different levels of information:

• Nervous information: the limb no longer exists, it no longer sends a signal
• Neuronal information: the brain still has the area linked to the lost limb, which is electrically active

The duality of information generates the pain that patients experience. A tingling sensation on missing limbs. On the other hand it is good to note that this feeling (between hallucination and cognitive automatisms) disappears with time as the image of the body is reconstructed, as the new physical limits of the body are accepted.

The resulting treatment consists of mirror therapy which aims to give the brain the illusion (by visual feedback) that the limb still exists by placing a mirror in front of the existing limb (from the patient’s point of view he sees two limbs) : https://www.sciencesetavenir.fr/videos/la-therapie-miroir-cest-quoi_kffl3z

V has come to

Venom Snake is the character that the player embodies in MGSV. Following an accident in 1975, V spent almost nine years in a coma. He wakes up in 1984 bedridden in a hospital. Everything is blurred and before finding strength, a second shock will send him back to the bottom of his bed: The accident deprived him of an arm and filled his body with multiple foreign bodies. Teeth, bones, metal… including a massive chunck in his frontal lobe which presses his optic nerve, source of visual alterations for him.

Venom thus carries with him, permanently, pieces of his old friends but also the history of this incident.

The first phantom pain that the player will face, through Venom, will be physical and translated by an absent gameplay, a gameplay that the player possess in himself without being able to exploit it.

Following the attack on the hospital by an armed group, Snake is left on his own and unable to escape. Whether it is through the first person staging or through various lense-flare effects (which sometimes mark the hazy mind of Venom, sometimes the pain he undergoes) everything is done to give the player the feeling of being overwhelmed by events. Nothing is going right, everything is out of control and moving too fast for a character who has neither the strength to defend himself nor a clear enough mind to distinguish reality from illusions. It will take the help of a mysterious character named Ishmael and a shot of Dygoxyne to get the machine going.

So we start by crawling… slowly… We waddle more than anything in fact. The gameplay is very basic: we advance in a corridor made of hexagon tiles. As for the phantom pain that fades with time, Venom gradually regains control of his body and we can crawl on all fours and then finally stand up. The reconnection is made and the player recovers the ability to sneak around that created the genre over thirty years ago.

We have, through these progressive steps, recovered the gameplay of the series which ends with the obtention of a weapon and a room to try it out. The player has thus reactivated his muscle memory at the same time as Venom and the phantom pain linked to the gameplay fades away, Snake is back.

Now go! Let the legend come back to life!

Memories are still hazy for Venom who hallucinates a burning whale sweeping the militia helicopter that chases him. An echo to Moby Dick, a king of vision of the future in the form of a reference to the book.

After Ishmael’s disappearance, Venom crosses paths with Ocelot. He is completely lost. The urgency to escape from his attackers pushes him to trust the man who wants to help him.

During the journey between Cyprus and Afghanistan, Ocelot will brief Venom on the milestones of those years in a coma. Nine years have contributed to the legend, from realities to rumors, exaggerations to interpretations.

It seems that the world would have preferred Big Boss dead. To defend himself and survive he will have to rebuild his militia. His first task, after obtaining a bionic left arm , will be to free Kazuhira Miller, his former right arm … Ironic.

All for revenge

Rebuild and take revenge on those who took everything from this private military group: Diamonds Dogs was born from the ashes of MSF. The goal is simple: To grow just to fight Cipher, led by Zero, and take revenge for the events of Ground Zeroes. But let’s start by having a look back at these events since they are at the origin of everything on many levels.

The 1975 events follow almost directly the end of Metal Gear Solid: Peace Walker.

Paz, a triple agent (CIA, KGB, Cipher), is found adrift in the Caribbean waters and finds herself detained at Camp Omega, under the control of the US army, controlled by Cipher. The detention center is part of a very confidential list of Black Sites. Clandestine prisons controlled by the CIA but outside the of the United States jurisdiction. Detention and interrogation procedures are therefore outside the United States federal judicial system. So let’s say that prisoners have almost no rights and do not exist in the eyes of the world.

These black sites pose an ethical problem and Ground Zeroes speaks very well about it. This camp echoes very coldly to the detention center of Guantánamo , in Cuba, mainly known for having locked up suspects linked to the attacks of 9/11 on the World Trade Center. These attacks were claimed by Al-Qaeda whose leader is none other than Osama bin Laden. The history of this camp will however remain a murky area for the rights of prisoners and the ethical definition of the means necessary to fight terrorism. Ground Zeroes deploys the complete panoply: Rape, physical torture, psychological torture, murders, detention in cages, harsh interrogations,…Many things make us uncomfortable in this prequel to The Phantom Pain. Let’s remember that Paz is in her twenties and that Chico is only a teenager at this time. A situation which, again, evokes the reality of the detention of children on this site.

Captured and tortured, Paz will be regularly interrogated and Chico, a child saved by Big Boss in Peace Walker, will try to rescue her. I want to write that it goes wrong! That would be an understatement! He gets caught and will be used to torture Paz psychologically and vice versa. I told you above that the site is supervised by the CIA and thus falls into the invisible nets of Cipher. A man within this organization intervenes on the site to get the answer to a question: Where is Zero?

Paz, a Cipher agent, is the last person who have met with him. Zero hides himself at the head of a complex system of intermediaries, each communicating information to others but not knowing each other. A system which slowly extends its control over the American institutions in the shadows thanks to the almost infinite funds recovered during Operation Snake Eater in 1964. The name of this invisible octopus? Cipher. This is how he protects his identity, but it is also his loophole. No one really knows who is receiving or giving the information. Paz, however, has met him and Skullface, using unethical methods, obtains his position. Two important facts to note as a result:

• Chico sends a distress call to Big Boss and asks him to rescue him.
• Skullface “traps” Paz by placing 2 bombs in her body… yes… in her body!

The story will take a dramatic turn when Skullface, under the cover of an inspection by the IAEA (International Atomic Energy Agency), will blow up MSF while Big Boss is in a rescue operation for Paz and Chico.

Several important points here:

• Inspection is a set-up, IAEA will deny that any inspection had to take place
• Huey Emmerich decided on his own to accept the inspection because, by hiding their nuclear weapon under water, it would allow them to be clean in the eyes of the world.
• Kaz was against this plan and Big Boss too, but it was already in motion. Big Boss decides to validate the work to hide the Metal Gear Zeke.
• Skullface acts under the control of XOF at Camp Omega but removes the logo on the helicopters and badges on its soldiers. The group then becomes anonymous while they attack MSF.
• MSF is a Private Military Company (PMC) without a nation. It is therefore an “on demand” military strike force. A useful group for many covert operations in various countries but also a source of concern when their capabilities are unknown or, on the contrary, revealed. The ideal being that they remain in the shadows.

The base is reduced to ashes but the final blow is dealt to MSF when Paz, throwing herself into the ocean, explodes in flight, sending Big Boss’s helicopter to crash down and leaving its occupants for dead. A macabre plan whose smoke and helicopters were visible from the coast and began to raise questions in public opinion.

It should therefore be remembered that the event put the United States in a fairly complex situation to manage and turned public opinion towards subjects that they prefer to keep in silence : Black Sites, PMCs, the treatment of prisoners of war, nuclear weapons owned by private military companies, etc. The IAEA and the UN had to write an official statement in order not to get splashed. Some countries preferred to restrict the informations circulating.

1975 is the starting point of a real explosion whose shock wave is both physical and political. Ground Zeroes evokes several epicenters because it is written in plural. Indeed it is the starting point of a process which takes place at both the level of Men (all the protagonists will be affected) and Nations. This title also has a meaning that we will cover to much later.

We have a glimpse here of the idea behind the sentence of mission 46 ironically called Truth.

If facts tell us that MSF, the discreet armed wing of various secret interests, is the victim of an attack on the part of XOF, Skullface. History will wirte in the books and press that it was a vendetta between two military powers suspected of holding a nuclear warhead. The facts are therefore interpreted under the sole prism of the information available. But you will see later that it all goes much further and that The Phantom Pain connects its wagons very well with an old theme already addressed in Metal Gear Solid 2: Sons of liberty: information control.

On these basis, the Diamond Dogs, in 1984, will seek revenge based on the only data they have: What organization is capable of building a false inspection from IAEA? Who can know Big Boss and Miller to the point of making such a precise plan? What is the only link between Paz and MSF? You have it in miles: CIPHER. A shapeless hydra that extends its control over the world a little more each day.

A mutilated Venom therefore finds a mutilated Kaz too. A pain lives in them that will not disappear, the loss of their men and some of their limbs. This will be the fuel for Kaz’s revenge but the bedrock of Venom’s intentions. Two quite distinct motivations that we do not necessarily perceive at first glance. Especially if like me you experienced the communication around The Phantom Pain as being The fall of Big Boss, the missing link. Two hazy areas that we have trouble seeing after a first completion of the game.

If these notions are today laughed at by a lot of disappointed fans of the game, I think I would be able to show them that everything is there but not as we expected, and above all that it brings a lot to the saga and, in prime, that their reaction was expected or even sought. But I will explain this later.

Afghanistan is a big place!

If Venom walks through the back door into Afghanistan on the back of his horse, we’re going to have to step back to contextualize and talk about it more broadly. I will not retrace the entire history of the Cold War between the United States of America and its allies, the capitalist western bloc, against the USSR and its allies, the communist eastern bloc. I’m just going to clear few things.

This showdown began at the end of the Second World War and ended with the fall of the communist regimes around 1989. It should be noted that it is probably G. Orwell who democratized the use of the term “Cold war” in an essay titled You and the atomic bomb published in 1945 in the London Tribune newspaper. The remote confrontation has many effects on the world at several levels: politic, economic, cultural, sport, scientific,… It is above all a huge period of military and nuclear deterrence, of the arms race which constrains the blocs not to confront each other directly and to deport the conflict to other areas of the world.

What interests us is the context in which the plot of The Phantom Pain will unfold. The Afghan revolution in 1978 and the seizure of power by the People’s Democratic Party of Afghanistan established the Democratic Republic of Afghanistan. A civil war breaks out between the power supported by the USSR and the Islamists. However, the forces of the power in place are quickly overwhelmed. In 1979 the Soviets intervened to avoid the collapse of the regime they supported by declaring to act for the maintenance of peace in Central Asia.

The risk was in fact too big to see Afghanistan come under Islamist influence and see Chinese or American military bases pop up. Tanks against soldiers armed with rifles on horses. Although on paper the fight seems unfair, the Islamist resistance, by declaring this fight as a “Jihad” (a holy war) galvanizes its troops who organize themselves in guerrillas in a war of attrition. United States, through Jimmy Carter, seizes this opportunity by providing logistical support to Mujahideens (Operation Cyclone) which will keep an asymmetrical war going far too long. A Soviet “Vietnam war” of sort which will largely contribute to the fall of the Soviet Union at the end of the day. The United States obviously cannot get directly involved in this conflict and this is where PMC makes sense.

The first thing to understand is why Kazuhira is being held prisoner by the Soviet army in Afghanistan. He and his team were training the Mujahideens as CIA intermediaries so as not to involve them. In comparison, it was during this period that Osama bin Laden organized the departure for Jihad fighters from multiple countries towards the border between Pakistan and Afghanistan where they would be trained and armed by the ISI (Pakistan’s intelligence agency) but largely funded by the United States and placed under CIA’s logistic. This parallel is interesting because it was in this very spot, on what Ocelot calls the Zero Line, that Miller and his team were training the fighters.

The Skulls intervened there to decimate his team and take him prisoner. But what is difficult to say is for what purpose?

Quite simply, the task force that chased Snake to the hospital failed in its mission. The only option to get him out again is to capture his old friend and wait for him to show up. This is the reason why the Skulls unit emerges immediately after picking up Miller: they come to finish their job, kill Big Boss.

The second thing to understand in MGSV is that you are acting as an intermediary for various interests. You will often be employed by the CIA, the Mujahideens and even regularly by Cipher themselves. More ironically by XOF through Cipher.

The importance of understanding this subtlety is that your goals are dictated by your employer. When you say that you have to understand that you will only have his version and that by carrying out the mission to the letter, sometimes (regularly in fact), you will be able to realize that there is a manipulation coming from him. Here I will refer you to a very cool video made by Keyser44Soze which retraces the story of mission 3: A hero’s way.

Thus, silencing this commander mainly serves the cause of those who destroyed the village of Da Smasei Laman and the group of Mujahideen fighters there: the Hamid fighters. If you killed this soldier during your game I hope you will enjoy this information.

An interesting point to note here is also how Kojima plays with his fans by titling his mission “A Hero’s way”. The player, and especially the fan who expects Big Boss to fall, thinks of himself as the hero of the story by carrying out his mission. As if the hero’s way is dramatic, which is supported by Miller’s phrase in the briefing: “ Nothing personal. We’re only doing this because it gets us one step closer to our goal “. On the other hand, under the light of the video, we finally understand that the hero is rather the commander, the target of the mission, and that it is his morality, his will to spare civilians which is actually “the hero’s way”.

On the other hand, it should be understood that nothing is always all black or all white in MGSV. If this soldier finds the honor of saving civilians, he is nonetheless a pivot of the Soviet scorched earth policy. A tactic that aims to literally leave nothing exploitable after their passage: houses, resources, infrastructure, arable land is mined, etc. Although this soldier has a certain morality, he nevertheless contributes to stoking the fire which pushes civilians to leave their lands and the resistance fighters to take revenge. The captured Soviet soldiers are left in agony, feet, hands and noses cut off: a message for the Soviet soldiers still in office who in turn will burn other villages… and so on.

Come to think of it, the Diamond Dogs are like this soldier: ethics is one thing, but it doesn’t break the cycle.

Anyway the questions remain, who hired us and why?

Skullface’s testings in Afghanistan

If I have developed a lot of the story by navigating at the rhythm of the missions until now, it was in order to understand the mechanics of this game between information and manipulation. We will now develop what occupied XOF in Afghanistan.

Skullface has used Afghanistan as a test site for its parasites. In order to ensure that they work under all circumstances, they are deployed on sites that are meticulously selected according to several criteria:

• Various climatic conditions (Afghanistan, Africa are mentioned in the game)
• Several languages must be used on the area to confirm the good targeting of the language
• Low population density to ensure control over the spread of the epidemic

Afghanistan is built on a tribal society with diverse languages and cultures. Pashtuns, Tajiks, Uzbeks,… The conditions being met, XOF proceeded to the test on the Hamid fighters. The test was a success, the occupants of the fort of Da Smasei Laman disappeared without leaving any trace of fighting. The fuzzy rumor spreads that these Mujahideen succumbed following a new scorched earth operation under the orders of the commander of mission 3: A hero’s way. However, XOF cannot afford to let this soldier answer for his non-guilt nor to intervene directly. Through the system of intermediaries the contract ends up in the hands of Diamond Dogs to silence the commander.

However, the Hamid fighters were also secretly aided by the CIA against the formidable Soviet helicopters. The latter had an experimental weapon of American manufacture: the Honey Bee. The rumor of the disappearance of the Hamid fighters intrigued the Red Army, which invested the fort in search of the technology that had decimated the occupants. The risk for the CIA was that the Soviets would stumble upon Honey Bee and prove their support to the Mujahideen, but also that the technology would be sold and end up against their own units on other fronts. So they contact Diamond Dogs to retrieve the experimental weapon from Fort Smasei.

Venom and his group spend their time chasing Cipher’s trail and surviving XOF’s murder attempts without ever managing to figure out what’s going on. The arrival of a character on the Mother Base will allow us to dive a little further into one of the fundamental concepts of the game and to switch to the African track.

The witness: the parasite of American exceptionalism

When the mission arrives in the hands of Diamond Dogs, it is a revenge-hungry Kaz who asks us to go and retrieve the scientist who wants to go back to the West. Huey Emmerich, the instigator of the IAEA visit is the target of this rescue mission. He is the one who opened the door to the Trojan Horse and condemned MSF to disappear in 1975. One of the characteristics of this character is that he acts as a mirror for Diamond Dogs. Huey is a scientist, a civilian, which allows him to have an external point of view and, symbolically, each of his interventions will serve to define Diamond Dogs from the eye of the public opinion of the United States, as a witness of their actions seen by the American prism.

Seen in this light, it is not surprising to discover that Huey was supposed to be Ishmael in the first versions of the game. Indeed, in Moby Dick, Ishmael is the witness of Ahab’s adventure, of his quest for revenge, but also the one who narrates the story. A story seen from the point of view of a civilian biased by the ideology that defines his country: American Exceptionalism.

American exceptionalism is an ideology that stems from the idea of Manifest Destiny that emerged in the late 19th century. Manifest Destiny is the thought that the United States has a divine mission to bring civilization to the West. An idea that can be found in Death Stranding (Kojima’s latest game) in the form of Sam Porter’s main mission.

American exceptionalism is the idea that the special position they hold among nations is due to the fact that the country, the first modern democracy, was built by immigrants. Thus, the structure of their institutions is the result of opportunities and ideals and not constructions like social classes or simple products of history. The very nature of their democracy would thus be the origin of the ambition, a destiny, to propagate it in the world as a source of civilization, freedom and justice.

Huey Emmerich, born in this system of thought, would be the representative of this ideology on board the Mother Base. Firstly, he would bring an external eye to the actions of Diamond Dogs, to present them as murderers or as a threat to peace as holders of nuclear weapons. Secondly, it also allows to represent the shortcomings of the said ideology which justifies all its actions as right or as the good choice to be made while denying the reality of its acts.

Historically and symbolically, Huey is the only former member of MSF to have lost nothing in the 1975 accident. Even worse, he contrasts directly with the pain of Kaz and Venom by having regained the use of his legs thanks to his work. The only losses he suffers during the game are related to his direct choices: StrangeLove’s murder, the loss of his son who is taken from him by Skullface to whom he naively opened the door of MSF, his exile from the mother base which follows the manipulation of the parasites (basis of mission 43: Shining lights, even in death),…

Huey is troubling to the player because he brings up issues from a common sense, civilian perspective. He points out our actions, our image and the implications of our actions as seen by society, by civilians. The player, Ahab, the self-proclaimed hero of this story, will tend not to conform and will therefore develop a hatred for Huey and point out his lies. The player will hate him and justify his actions by rejecting the civilian point of view because he feels he is on the side of good. This process shows just how much of what Huey represents has infiltrated into each of us, into the player’s own thought system. This unquestionable fact gives a new dimension to the objectives of Skullface.

Of course, the idea is not that all players will have the same reaction to this phenomenon, but the game is primarily aimed at those who side with the Diamond Dogs, and everything is done to that end. As players have a varying desire for revenge, Miller’s character design, his unrelenting desire for revenge, will be used in a way that drives them in terms of involvement.

If we take the idea of treating phantom pain through mirror therapy, Kojima uses Emmerich as a mirror for the player. The player will be able to identify the mechanisms that he applies to defend himself and feel right. Venom, on the other hand, does not react like his peers. By accepting to face the facts, by freeing himself from the idea of fairness and by deciding to let Huey live, Snake takes the player against the grain and, by this phenomenon of dissociation, allows him to step back to think of the reason why Venom makes this choice.

These sought-after micro-disconnections between avatar and user, which constitute Venom’s demon nature, are Kojima’s way of intriguing the player about his own reaction to the trial. By redefining its contours (as in the mirror therapy) the player can go beyond his original intentions and realize that he himself is « infected » by this thought pattern.

Finally, Huey turns out not to be Ishmael for a simple reason. By representing the United States in a cold war context, he also represents Ahab against Moby Dick, USA versus USSR. In the same way that the USSR also represents Ahab against Moby Dick, USSR versus USA. The theme of revenge thus takes on a rather disturbing reverse of one Ahab against another or Moby Dick against another who mutilate each other in an endless cycle. We must remember here the idea of « just cause ». Each side believes itself to be virtuous and just in its judgment in order to apply it unconditionally.

Ahab is the player in Venom (mainly the one who feels the need for revenge) and the doctor in Venom tries to calm him down, to chase that nature away.

The arrival on board of Emmerich will quickly propel the group on the African track. The missing link of their inverstigation.

Africa: the missing link

Although I could talk here about the geopolitical situation in Africa as we did with Afghanistan, discussing how the continent is at the mercy of various interests that profit from civil wars or generate conflicts in order to intervene and plunder resources. I would not do so in order to shorten the article. The subject would be worth an article by itself as the situation is sadly complex. I hope to have given you a vision on how MGSV tells its story and its geopolitics so that you can take over yourself. So I will quickly summarize the main plot in Africa in order to get to the points that interest us in this article.

The first mission we receive in Angola concerns a pumping station. An oil leak occurs at the Mfinda oil field contaminating the river nearby. An NGO asks us to intervene to stop it. These premises had been abandoned for many years but UNITA recently took control of them. Kaz warns us that it seems that UNITA is receiving support from the United States and that it is possible that we can trace the attack to Cipher.

On the way Venom has to pass through Bwala ya masa, a nearby village that borders the river. First encounter with child soldiers. Once past the village you will come across burnt out houses and a still smoldering mass grave before finally reaching the Mfinda station. The problem is that once the pump is stopped, bodies come to the surface.

We will learn later from Code Talker that Skullface used the area around Bwala ya masa as a test area for its parasites targeting the Kikongo language. But this time the test conditions defined above were not really met. Being a densely populated area, containing the epidemic becomes very problematic. What had to happen happened, the epidemic spread and to contain it XOF burned the area (remember the mass grave) but it was not enough. The larvae of the parasites started to spread through the river contaminating the village downstream. So XOF reactivated the Mfinda station to pollute the water in order to dissuade the population from consuming it.

However, as a player you have just destroyed the station… This is what will later lead to mission 23: White Mamba, a mission in which Eli takes the lead of an army of children after the disappearance of the adults.

By removing the pump, the water became drinkable again. The population started drinking and the parasite spread. Diamond Dogs is thus involuntarily responsible for the disappearance of the inhabitants of Bwala ya masa at this stage of the adventure. But why are only the children left?

You have to go back to Mission 20: Voices to understand this. The children of the mine that Venom saves hire you to go and rescue their leader, Shabani, the oldest among them. Shabani has been sent to Nzo ya badiabulu, the devil’s house, an area that terrifies the local population because those who are taken there do not come back.

Shabani is in the middle of adolescence, puberty makes his voice change and his vocal cords allow the parasite to nestle there. Thus the « healthy » children did not present any symptoms because they did not reach puberty but they are the ones who contaminated the adults on Mother Base without knowing it.

We learn in Africa that Skullface seeks to create parasites capable of destroying a host speaking a targeted language. An epidemic weapon that can make a language disappear very quickly by killing its hosts. But for what purpose?

Mission 15: Footprints of phantoms sends us on a quest to find Walker Gears. A bipedal weapon that offers a tactical advantage in a variety of terrain. The problem is that these prototypes are sold in the East and West to PMCs working for both UNITA (União Nacional para a Independência Total de Angola) and MPLA (Movimento Popular de Libertação de Angola). It seems that Cipher distributes this prototype on the battlefields regardless of the alignment within this cold war. A suspicious decision that raises questions.

Diamond Dogs traces the trail and discovers that in compensation for these Walker Gears, Cipher is getting paid in minerals containing traces of uranium and archaeal metal. I won’t go into all the details. These two components allow Skullface to sell nuclear weapons in kit form that he controls remotely. Thus he is able to flood the world with nuclear weapons and Africa was his testing ground.

Skullface: the faceless revenge

Once all the tests are completed, the last step for him is to light the flame that will set the world on fire. Although the Sahelanthropus is technically inoperable, his plan is to show it in broad daylight on an Afghan battlefield to stir up fear. A new bipedal weapon prototype straight out of the Soviet secret bases would quickly bring the Western bloc to a state of high alert. The nuclear arms race would be resumed and would allow the Soviet Union to supply its kits en masse. A world flooded with nuclear weapons, not reserved for nations, but for any group, PMC, militias,…

At the same time Skullface aimed at eradicating the English language and his diagnosis is the following: America pretends to be a melting pot, a place of ethnic and cultural mixes constituting a united people. In fact it is a Salad Bowl, a place where cultures and ethnic groups mix very little and live side by side. The link between these groups is the English language. This lingua franca keeps the society in symbiosis. Since America was born of immigration, since it manages to maintain this symbiosis and maintain its rank among the nations of the world, it is able to do the same with the world. This, according to Skullface, is the basis of American exceptionalism.

His ambition was to destroy the English language in order to destroy American cohesion, to isolate again the ethnic and cultural groups within the United States. But also to remove the hold of American imperialism on the world.

Skullface considers that unifying the world requires strengthening cultures. If Zero seeks to make it a melting pot united under a system of information and language control, Skullface seeks to make it a Salad Bowl free of American imperialism. Without a lingua franca the world will once again be in a state of observation, division and the search for nuclear deterrence will create the status quo through the threat of retaliation. This is his way of interpreting the vision of The Boss.

This character alone embodies the idea of the cycle of revenge. He is a pure product of war and geopolitical interests. He was born in Transylvania shortly after it was returned to Hungary in 1940 following the second Vienna arbitration. Nazi Germany aimed to weaken Romania, which was waging a « cold war » against it, by allowing Hungary to annex Transylvania, but the failure of negotiations led Berlin and Rome to impose the decision. Hungary, in order to obtain the favors of the Reich, declared war on the USSR on June 27, 1941 with nearly 200,000 men who joined the Eastern Front. The debacle of the battle of Stalingrad in 1943 made them leave the war. In 1944, Hungary was one of the last allies of the Reich, which tried at all costs to maintain this alliance in order to benefit from its wealth, but especially its oil refineries.

That same year, the Allies retook the base at Foggia, which exposed Hungarian territory to American bombing, and in October the USSR completely invaded Transylvania. This invasion led to the battle of Budapest, which allowed the USSR to place a political pawn at the head of the country in the person of Béla Miklós. Supported by the Soviets, he signed the armistice in 1945, thus declaring war on the Reich.

In this war, Skullface will lose everything as a child. His body burned to the ground and his country ravaged by multiple wars, he loses his cultural references and identity. By becoming the last witness of the identity of his universe, by losing the words of his mother tongue, he transforms himself into an arm of justice for those who are no longer there to take revenge. He switches from Ishmael (the witness) to Ahab in a struggle against those who use information and language to wage wars that inexorably lead to the corruption of people’s identity. After having avenged his people in his young career as a spy, he turns his vengeance against Zero and his codes, against American imperialism.

Venom having stopped the release of the ST84, the plan fails, no nation will have carried its eye on the advertising Metal Gear. However, one entity will not forget… Cipher.

The Post-Mario artistic movement

In the end, the game from the hospital boils down to running after Cipher for revenge and ultimately understanding that Cipher is just a shell within which Skullface hides, acts and feeds like a parasite hidden in a body. After all, the word Cipher has an Arabic root, Sifr, which means « the void ». The quest of Diamond Dogs is symbolically pointed to the void, there is nothing at the end, not even the possibility of revenge. This is not a random choice. I think that Hideo Kojima is pursuing an artistic vision that takes birth, in my opinion, with MGS2.

First of all, video games are not only entertainment but also a medium capable of conveying messages. The gamedesign of its games always aims at transmitting concepts, emotions and thoughts. For example, MGS talks about the relationship with genes and MGS2 about the relationship with memes.

Secondly, video games are capable of being an art form that cannot be approached like cinema. To give you an idea: in Sons of Liberty Raiden is built in the image of his player who thinks he is Snake, a legend. He has white hair to symbolize his naivety, he is effeminate to contrast with Snake, his mission is modeled on the events of Shadow Moses. The whole game is a meme of the 1998 opus in order to talk about what identity means in a society whose codes are projected by memetic. Thus, after being digested by the equivalent of a whale (which relates to the theme of Pinocchio’s naivety) Raiden finds his way and abandons firearms to use the Katana given to him by Snake, then rejects the player’s identity to become himself. You can read Flying_Fox’s excellent article on Metal Gear Solid 2 (@flyingfox1984)

MGSV continues this vision. In a classic video game, chapter 1 of MGSV would have served as the main storyline and the end would have come with the fall of the Sahelanthropus and the dismantling of Skullface’s plans. This structure, with an ending boss and credits, hasn’t changed much since Mario. It is the simple structure of a narrative that closes each of the storylines it has opened. The hero frees the princess, happy ending. The hero defeats the villain’s plans, and curtain. But as we saw above, MGSV places a mirror (Huey) in front of the player to break this idea of the righteous hero.

MGSV will break this narrative code on both axes creating the current I like to call Post-Mario:

• Skullface is not a boss. It is impossible to get revenge and even in the cinematic about his death it is Huey who kills him while shouting for victory.
• Skullface’s death is not the end but rather the beginning of the end for Diamond Dogs. That’s the point I’m going to develop.

By these means, Kojima hopes to provoke a feeling of « non-achievement » in the player, a kind of phantom pain. He deprives him of his goal and pushes him to continue in a chapter 2 that differs from the first in its structure. The player, always fair and virtuous like Huey, will therefore transfer his « pain » to other elements. The game, Konami, Kojima, a little bit of everything (and I unfortunately know what I’m talking about having been one of them).

In addition to being able to break the codes of video games, chapter 2, which is unfairly considered incomplete, will allow Kojima to show his player how the world really works from a political point of view.

Laugh and grow fat!

From the moment Skullface dies, we understand that something is wrong. If there is one thing to keep in mind, it is that Skullface disappears without ever having really existed in the eyes of the world. Sahelanthropus has been stopped before making the expected show. So there are still two English strains of parasites in the wild but neither the USSR nor the USA have the information on these data. Only XOF is aware of this and continues to exist within Cipher.

Venom will mix his destiny with that of Skullface and complete his mission to the end. When he dies, Big Boss will inherit the whole thing at the end of the race by standing up to Cipher.

If the first chapter is a race to get information, the second chapter is a race to hold back the leaks of that information. Diamond Dogs inherits Skullface’s plans and the responsibility towards the entire world that comes with them. Indeed, the first mission after Skullface’s death is to find a CIA agent with information about the parasites. We can’t let this technology fall into the wrong hands. The next mission is to recover the work of Code Talker before Cipher. Then you have to get the data about the Man on Fire and the third boy before the KGB. The problem is that it never stops and at the same time the rival PMC’s are gaining weight. Diamond Dogs is thus stuck plugging information leaks (like Skullface did before him) in the middle of a race for resources between PMCs.

Chapter 2’s structure is much less linear and will therefore pose a problem for players. Indeed some missions in the game have prerequisites to be available. For example, to unlock mission 41 you will have to complete mission 38 as well as the side missions 147, 148 and 149. Mission 38 is unlocked through mission 35 and also the secondary operation 113 and a mission of your choice. This system is voluntary, it allows to set up a routine but also a fatigue. Getting to the end of the game thus becomes a real job that consists in accepting missions to grow and unlock other pieces of the story, slowly, with difficulty. You may even miss complete arcs that are essential to a good understanding of the game.

Seen from this angle it is normal that many players gave up during the second chapter because the structure is oriented to discourage or at least to be laborious . The fun, the hero’s story, switches to real work. Almost tedious but fortunately MGSV has a very solid and varied gameplay. Many of the characters we gathered during chapter 1 will leave us in chapter 2. If Diamond Dogs wants to survive and maintain its ability to protect the world from Skullface’s legacy, it needs to grow and build new bases, recruit new staff, get new vehicles, etc. Hideo Kojima goes beyond pure entertainment with this chapter 2. Where usually the narrative structure of games carries the message, it is the structure of MGSV itself that will deliver it.

The name of Mission 41 conveys this idea: Proxy war without end.

But more than that! Seen from this point of view the whole gameplay loop of MGSV makes sense. Influencing, recruiting, growing, getting equipment,… everything serves a purpose from the beginning. It is not a gimmick for fun only. The gameplay is linked to the purpose until the end in this ambition to grow, unlock the scenario and get stuck between cursed heritage and war economy.

The means that served the objectives will slowly become the objective itself.

In this context and with the scheme where the player leads a PMC that must maintain its position among other PMCs, MGSV offers a multiplayer in which players can attack the base of other players. Far from being trivial, it constitutes the final opening of the game to close with the saga, with Metal Gear.

The designated fall: the phantom pain

If Kojima reminds us that this is not MGS5 but MGSV, it is because the game is not a sequel but a convergence. Two pieces of a saga that come together. Two destinies that share the same legend.

The story of V never really ends. We know where it ends up in Metal Gear, but that space is never completely filled by the game. There are several reasons for what many consider to be an unfinished game.

Let’s start by simply defining the final situation of the game. A PMC that has contributed to various wars for various interests around the world inherits the knowledge of a biological weapon, a bipedal tank erected as a statue, a military power dedicated to infinite growth, and potentially two divergent tasks depending on the players:

• the construction of nuclear weapons as a mean of deterrence against players. Indeed, one of the rules of the game is that having a nuclear force makes you immune to intrusion by rivals (except for players who meet the hero point requirements) at the cost of demon points.
• the dismantling of nuclear weapons, the reward for which is obtained through a common effort. This is the ultimate ending of the saga in my opinion for its anti-nuclear message.

In both cases Diamond Dogs become over time an imposing military power and a threat to world powers. It is therefore not surprising that public opinion will eventually turn its attention to them.

This leads me to the second point. Cipher has more and more control over the United States and its control tool, AI, is starting to do its job of selecting informations for its society. Individuals build themselves into a social group and make decisions on the basis of selected information, presented in a defined light. These manipulated individuals elect representatives who defend the values thus acquired and perpetuate the cycle. An echo chamber the size of a nation.

Through information control Cipher controls the context, can write history and give direction to the future: Unite the world by exporting its culture and moral. Exporting its social values via private companies like McDonald’s, Coca Cola, General Motors, Apple, Microsoft, Facebook,… Via television series or the film industry like Holywood or Disney. But also through conflict as we saw in MGSV.

Thus, in 1945, 57% of French people thought that the USSR had contributed the most to the war against 23% in 2015. For the United States on the contrary the figure is 20% in 1945 against 54% in 2015. (Source Ifop)

The amplification of American exceptionalism by the PATRIOTS system thus leads the United States to intervene against the PMC. It necessarily leads to declare Diamond Dogs as a threat to world peace and, in reaction, Venom to build Outer Heaven in a fight against Cipher and its control system. Ironic after destroying Skullface and his plans.

MGS3 built the legend of Big Boss on the ashes of The Boss. MGSV transforms the legend into a terrorist as we can discover him in the following opuses. This cycle continues… after all there is only room for one Snake? No…

We can bring the facts closer to our reality. I am taking a huge pinch here but I still have to address it without comparing the situations.

We must remember the time when Bin Laden was presented as an agent of peace in the press. From the time when the United States financed his struggle blindly to win a victory against the Soviet bloc, even though some Mujahideen like Commander Massoud refused to collaborate with him and later fought against the Taliban at the head of the Northern Alliance.

These years of support and struggle have not brought Afghanistan out of the civil war. The United States was ready to do anything to destabilize the region and supported Pakistan, which in turn supported the Taliban. This led in 1996 to the establishment of Mullah Omar’s power after the almost complete conquest of the country by the Taliban. The American Secretary of State at the time, Madeleine Albright, declared that this was « a positive step ».

In 2001, the destruction of the Buddhas of Bâmiyân, listed as a UNESCO World Heritage Site, moved the international community. Pakistan denounces the extremist policy of the Taliban, which they have supported for many years. The same year, Commander Massoud was assassinated and two days later the 9/11 attacks took place.

Although it is not necessary for the story, it is not surprising to find in the cut DLC Kingdom of the flies a final image showing the World Trade Center and referring directly to the attacks of September 11, 2001. Liquid’s catchphrase « Not yet. It’s not over yet » indicating that the cycle of revenge continues unabated. The Statue of Liberty symbolizing the idea of American exceptionalism, the freedom to bring to the world.

A liberation objective that will take place… in Afghanistan. In a war against terrorism in 2001 and a complete reversal of American international policy towards Al Qaeda and the Taliban.

So we also understand the symbolic choice of the name Ground Zeroes. Ground Zero designating, since the attacks of September 11, 2001, the former location of the World Trace Center.

The phantom pain seen by MGSV is ultimately on two levels:

• Historical, geopolitical and ideological
• Individual, physical and psychological

It is this idea of history that disappears when the world applies itself to twisting the facts in a way that makes nuances and points of view disappear. It is the history that disappears when the position of dominance allows a nation to crusade and define just causes with dubious means. A phantom history that changes with time according to interests.

At the individual level, it could be summed up as the little pieces of ourselves that we lose through compromise and justification. These pieces of ourselves that we silence in order to integrate into an ever increasing conformism by dividing ourselves into ever smaller groups. It is the lost identity of individuals under the influence of a society guided by biased information systems and various influences.

Venom Snake, the player and an empty space

If the whole story of MGSV is about how a legend becomes a terrorist and seems to end negatively, I think that its structure conveys a positive message. The strength of MGSV is Venom, another symbolic meaning to the V in this opus.

Venom is a demon, a former war doctor in whom the psyche of Big Boss has been forced. In other words: the fan and his experience. He is a hybrid being who has his own pains while accepting those of the player. Although he is relatively quiet to give the players room to talk, he will mostly have his own demons and intentions. Paz’s arc is, in my opinion, revealing his primary identity and the internal conflict that plagues him.

The idea is that Venom is neither completely Big Boss nor completely the player. He takes on a legend, accepts it, and the player’s interpretation of events will give him a degree of freedom of action. On the other hand, the doctor in him, the distance he takes from the player in him, will tend to exorcise himself through the choices he makes alone. For example, taking the player against the grain with Huey’s trial, accepting the latter’s reprimands after mission 43 or saving the children from the mine. All of these choices contrast with the idea of a factual « descent into hell » of Big Boss.

In this absence of an end, this large free space, the player becomes Big Boss himself and takes on the weight of the whole. This division between Venom and the player shown symbolically in the cinematic at the end of mission 46 is for me the symbol of the ambition of the game. A mirror therapy in which the player can feel his « degree of infection », understand the workings of history and redefine what he thinks about the world and himself.

Venom, having absorbed Skullface’s legacy, disappears from history to make one with the legend of Big Boss. I remind you the idea of the V, the convergence of fates, present on the logo of the game. From this point of view, MGSV completes the saga. On the other hand, the game also resumes its infinite cycle and from this point of view, the game never ends.

The converging V can therefore be taken as a diverging V from the point of view of these two « ends » that live at the same time. But also to mean the separation between the saga and the player. An exit for him to this cycle.

The fact that MGSV concludes on a blurred area, an infinite space that never fully closes with Metal Gear allows the player to be left behind in the FOB cycle. But unlike many revenge stories, The Phantom Pain doesn’t really end on the very classic, flat emptiness of our actions. Emptiness is an observation and Kojima proposes to go beyond it in the direct line of Sartre’s existentialism.

In this system, he will be able to make his ideological choice between deterrence and working for denuclearization. It is a struggle between several world views:

• Pessimists who think that it is impossible for everyone to make peace and that the best choice is therefore to protect themselves
• Optimists who think it is necessary to work for peace
• Those who navigate between the two who simply do not produce or dismantle nuclear weapons

The player can therefore experience the natural alchemy of the world that makes relations between countries, ethnicities, beliefs and indeed the denuclearization of the world, complex. It gives weight to the term « peace effort ».

MGSV does not give the answer to the question « what should I do? » or « what should I think? Kojima offers his player to experience and reflect on it himself, to extract his own truth from it all. Since this race does not make sense, it is up to each player to give a meaning to his or her existence. It is up to each player to face the world and to make his own diagnosis about his identity and his reason for living.

MGSV is therefore a work that goes beyond its status as a game. It enters my conception of the Post-Mario to transmit to its player an experience that will live with him. Like a chapter 3: Peace that does not exist because it is up to the player to build it.

« From here on out, you’re Big Boss », in this empty space « Tomorrow is in your hands »

L’article [Eng] The mirror therapy est apparu en premier sur light01C.

Le premier contact avec le jeu est assez déroutant car la caméra est assez inhabituelle, placée au dessus des personnage à la façon des Sims. Le gameplay n’est pas très poussé mais propose une liberté d’interaction suffisante pour laisser au joueur libre cours à son imagination dans l’espace qui lui est alloué. Car à la manière d’un Outer Wilds (déjà édité par Annapurna) la progression dans ce jeu est laissée en grande partie à l’instinct de son joueur. Pas de niveaux, pas de checkpoint, pas de capacités à débloquer. Juste votre connaissance grandissante simulé dans le jeu par la mémoire d’Aaron, le personnage principal, au sein des dialogues.

L’une des intentions de Luis Antonio est de laisser le joueur agir et voir les conséquences de ses actions sur les événements mais aussi sur les personnages. Vous pourrez donc expérimenter librement toute sorte d’interactions dans cet appartement qui sert de lieu principal à ces boucles temporelles. Cachez vous dans un placard avant que votre femme saches que vous êtes là et observez ce qu’il se passe. Prenez un couteau et tentez de vous défendre… 1 fois, 2 fois, 3 fois… Avalez des somnifères, donnez en à votre épouse, arrosez vos plantes, enfermez vous aux toilettes… la liste est longue et c’est par votre créativité et l’acquisition de connaissances que vous pourrez avancer dans cette histoire.

En effet, le personnage principal est le seul a pouvoir se souvenir des boucles précédentes et lui même apprendra avec vous à se servir de ce savoir et à en tirer parti. Les dialogues sont doublés par les excellents James McAvoy, Daisy Ridley et Willem Dafoe et aident vraiment à ressentir l’impact de vos actes sur le déroulement d’une boucle. Les dialogues du héros principal particulièrement ont fait l’objet d’un travail puisque le personnage apprendra au fil des boucles à aller à l’essentiel, mettre un ton particulier ou même faire des remarques suite à des discussions qu’il a déjà vécu maintes fois.

L’intrigue repose ainsi sur une suite d’événements simples. Vous rentrez du travail, accueilli par votre épouse jusqu’à ce qu’un policier tape à votre porte, vous interroge au sujet du meurtre de votre beau père par votre femme et vous tue ou vous frappe, etc. redémarrant la boucle à votre entrée dans l’appartement. C’est un petit labyrinthe qui réclame un certain temps pour le finir intégralement car le jeu contient quelques secrets qui permettent de mettre un terme à cet enfer. J’ai mis 6h à finir la trame principale et 1h de plus à compléter le jeu. Si le scénario ne semble pas vraiment payer de mine une fois terminé c’est en plongeant dans les secrets du jeu que nous pouvons trouver une richesse insoupçonnée. Je vous emmène avec moi dans mon enquête, attention donc aux spoilers à partir d’ici.

L’Horloge

Le jeu s’ouvre sur une horloge déjà placée sur dix minutes puis revient à zéro le temps du générique sur fond de musique inversée.

Une fois remontée à zéro le menu s’affiche nous permettant de lancer le jeu. Ce détail est important car vous pouvez noter que l’horloge est en fait déjà sur le mur du père de notre avatar, un mur en bois que l’on retrouve bien plus tard dans l’aventure.

L’horloge est très simple mais recèle deux détails particuliers:

• Sur le centre du cadran vous pouvez discerner un motif bouddhiste très léger qui se nomme « le nœud sans fin ».

Dans le bouddhisme, le nœud sans fin représente l’esprit du Bouddha ainsi que l’interdépendance de toute chose. Un concept très important au regard de ce jeu.

• Il y a aussi sur les bords de cette horloge des gravures elles aussi d’inspiration bouddhiste qui rappellent les motifs trouvés sur un mandala. Il est possible de retrouver le motif de l’horloge sur les clés de l’appartement.

Mandala signifie « Cercle » en sanskrit (ici le cercle est l’horloge). C’est une aire rituelle d’aide à la méditation. L’idée est de fixer régulièrement les motifs au point de les internaliser dans les moindres détails jusqu’à pouvoir visualiser l’ensemble sans le regarder. Ces mandalas sont construits selon une liturgie nommée tantras qui instruisent le pratiquant sur la façon de le fabriquer et le visualiser tout en définissant les mantras (des prières ou invocations) à réciter.

L’intro de 12 minutes reviens donc à fixer une horloge qui fait office pour nous de mandala. La méditation commence et nous pouvons entrer dans la boucle en partant de zéro. Une vue à la première personne nous incarne dans le corps d’Aaron puis l’ascenseur ouvre sur le palier de l’appartement.

Une boucle de 10 minutes

Le jeu comporte pas mal de références au cinéma. ici la moquette de l’Overlook est un hommage symbolisant l’aspect onirique, mystique et labyrinthique du lieu. Une vue de l’esprit de notre personnage, comme en attestent les deux tableaux présent à l’arrivée d’Aaron présageant déjà du futur de nos boucles.

Le subconscient d’Aaron nous parle par le biais d’une peinture d’une bibliothèque avec un livre rouge (le père d’Aaron) et une autre d’un Dahlia (sa mère). Deux personnages importants pour l’histoire de notre avatar.

La première chose à noter c’est que contrairement à ce qu’annonce le titre, la boucle de gameplay dure en fait dix minutes maximum et pas douze. Étrange mais vous pourrez vérifier vous même.

La boucle commence simplement par notre entrée dans l’appartement. Notre épouse (doublée par Daisy Ridley) se prépare dans la salle de bain en chantonnant. Notre personnage (doublé par James McAvoy) n’a qu’à l’attendre quelque secondes pour démarrer une soirée tout ce qu’il y a de plus normal. Nous pouvons vaquer mais notre femme nous a préparé une surprise. Après la découverte du gameplay il est tout naturel de passer à la suite de la soirée et notre conjointe nous apprends donc par le biais d’un cadeau que nous allons être papa. Un moment simple au jeu d’acteur juste et crédible qui, je trouve, aide beaucoup le joueur à obtenir une motivation pour la suite de la boucle. En effet, après plusieurs minutes le personnage doublé par Willem Dafoe se présente comme étant policier et viens brutaliser notre femme puis nous même.

Au delà du scénario, je pense que l’intention ici est de placer le joueur face à un problème dont il n’a pas la mesure et de le faire réagir avec les informations en sa possession: Un policier douteux brutalise notre femme enceinte. La réaction primaire à mon sens est de vouloir se défendre de ce dernier et donc lors de la prochaine boucle le joueur cherchera naturellement comment neutraliser le policier.

Prendre un couteau et échouer, se cacher pour le surprendre,… Finalement, pour moi le déclic est intervenu relativement tard: Il est impossible de répondre frontalement à ce personnage qui possède un couteau, une arme à feu, une paire de serflex, etc.

La boucle de dix minutes fonctionne donc d’une façon très intéressante. On nous donne un motif et nous agissons en réaction. Puis notre connaissance de la situation, de notre environnement, augmente et nous en tirons avantage lentement, à chaque boucle. C’est ainsi que d’une position défensive initialement, le joueur va lentement basculer vers une position d’enquêteur car comme vous pouvez le sentir après une boucle, personne dans cette pièce n’est innocente.

Votre femme a tenté de tuer son père, le policier tente de vous tuer pour sauver sa fille et venger votre beau père. Notre avatar… nous reviendront sur lui plus tard.

Les chemins de l’esprit

Qui n’a jamais vécu ce moment où, confronté à un problème ou une situation complexe, l’esprit prends son indépendance et commence à infecter tout le reste au point de jouer tous les scénarios possibles et imaginables. Perdu dans les limbes de ces possibilité notre réflexion se perds entre peurs, chagrin ou désespoir et fige nos actions immédiates. La prise de décision devient notre enfer pour des heures voir des jours entiers et l’aliénation de notre être devient visible sur nos corps si on le laisse faire.

La boucle de 12 minutes est une simulation de ces moments.

Plus nous en apprenons et plus l’histoire se tords et devient sombre. Comme le montre l’évolution du tableau au dessus du canapé. Au fil des boucles les saisons passent du printemps (le renouveau, la nouvelle du bébé) à l’hiver (le froid, la relation incestueuse)

Du simple mari qui rentre du travail pour apprendre qu’il va être père nous passons à une sombre histoire de meurtre sur fond d’inceste. Car oui le déroulement du jeu conduit donc à découvrir qu’Aaron est en fait le frère de son épouse. Qu’il aurait tué son père suite à une discussion sur sa morale. Le policier serait en fait une personne que le père aurait aidé. Il en a fait son mentor et sa fille mourant d’un cancer, il aurait pris la décision de faire d’une pierre deux coups en vengeant le père et en récupérant la montre pour payer les soins de sa fille.

Tout ce qui était à vous au début n’est qu’une marre boueuse à présent.

Sur ces chemins où nous errons, entre ce début naïf et ces réalités sombres, nous pouvons dénombrer plusieurs étapes marquées par les trophées du jeu qui sont au nombre de douze.

• L’une des boucles permets de déverrouiller le trophée « écouter ». Elle consiste à simplement entrer dans l’appartement et ne rien faire. Cette décision conduit notre femme à lancer une discussion sur la vérité et prendre la décision de tout nous révéler d’elle même. La boucle redémarre lorsque le couple sors de l’appartement.
• Une autre nous permet de lâchement trahir notre femme en coopérant avec le faux policier débloquant le trophée « Lâche ». Cela conduit ce dernier à récupérer la montre et tuer la femme avec le consentement muet de notre personnage qui devra appeler la police pour faire passer le meurtre pour un suicide. La boucle redémarre après dix minutes.
• Il est possible aussi de tenter de vivre comme si de rien n’était, débloquant le trophée « Routine ». Vous pouvez récupérer le numéro de la fille du faux policier et lui expliquer que son père vient pour vous tuer. Celle-ci convaincra son père de ne rien faire et vous pourrez aller vous coucher avec votre femme comme si de rien n’était. La boucle redémarre après dix minutes.
• L’une des boucles majeures sur laquelle l’histoire prends son dénouement final. Il s’agit tout simplement de comprendre que vous êtes le meurtrier du père, frère de votre sœur et de l’avouer au faux policier. Notre sœur nous demande de quitter les lieux et s’exécuter termine la boucle et libérant le trophée « Avouer ».

Si je vous parle des trophées c’est que certains sont liés entre eux et nous permettront de raccrocher les wagons avec le début de l’article.

Le mystère se lève et les éléments du jeu se transforment sous vos yeux. La boucle de dix minutes subsiste mais le décors change subtilement, par touches ici et là au fil des boucles, donnant à l’immeuble et l’appartement un caractère malléable et changeant. Un purgatoire ou un enfer qui sonne en accord avec sa référence à la moquette de l’Overlook.

Avouer permet, en décidant de ne pas quitter les lieux, d’ouvrir sur les 2 minutes manquantes à l’équation.

Une réalité de 2 minutes?

Se confesser nous conduit dans un lieu inédit et une temporalité différente: Nous retournons au moment du meurtre du père. La discussion se fait entre notre avatar, au milieu de la pièce, et le père qui tente de nous convaincre de nous détourner de notre sœur. Le père s’énerve et sors une arme. En se défendant notre avatar bascule, une balle part dans la chute tuant notre père. L’horloge remonte le temps et nous retournons à notre boucle en mesure de complètement révéler la vérités aux autres personnages.

Cependant, si révéler cette vérité passe par la récupération de la montre avant l’arrivée du faux policier, effectuer cette action conduira à un événement inattendu pour le joueur: la montre remonte le temps.

Si nous la laissons remonter jusqu’à -2 minutes alors nous nous retrouvons à nouveau dans la bibliothèque du père, en compagnie du faux policier énonçant le discours du père avant sa mort (ce qui est troublant car nous ne savons plus vraiment s’il s’agit du père ou de notre Némésis du début). La mise en scène ne laisse guère de doutes: ce personnage nous réveille d’une séance d’hypnose, de méditation. Tout porte à croire que nous sommes dans la seule réalité du jeu. 12 minutes serait donc découpé en 2 minutes d’hypnose et 10 minutes d’une boucle hypnotique.

C’est dans ces 2 minutes que se situent les trois fins du jeu.

Ouroboros et Saṃsāra

La première fin dont je veux vous parler débloque le trophée « Continuer ». Il s’agit de choisir de rester avec sa sœur dans le déni le plus absolu. Ce choix vous renvoie dans la boucle à un détail près, très subtil et facile à louper pour peu que les trophées ne vous intéressent pas: un tableau dans la maison change.

L’œuf situé dans la cuisine se fissure dès que vous découvrez la boucle du meurtre de votre père dans sa bibliothèque. La fissure révèle un œil, symbolisant l’observation de vos choix à venir. Effectuer le choix du déni révèle donc l’Ouroboros. Le serpent qui se mords là queue.

L’Ouroboros est un symbole de cycle fermé, d’éternel retour. C’est un enfermement du personnage dans une situation qui ne conduit nul part. Plus encore, c’est un symbole qui évoque, dans le Bouddhisme, la roue des existences que l’on nomme le Saṃsāra. Le Saṃsāra est le cycle de vies et de morts conditionnées et successives soumises à l’attachement, la souffrance et l’ignorance, des états conditionnés par le Karma.

C’est un concept que je trouve très intéressant au regard de 12 minutes puisque finalement ces états par lesquels nous passons au fur et à mesure de nos boucles conduisent à des révélations toujours plus sombres. Comme si finalement, l’attachement puis l’envie de tuer le faux policier influençaient notre karma et donc nos cycles.

Faire ce choix nous conduit donc à poursuivre la boucle.

Solitude et Démon

Une fin toute naturelle revient à renoncer à notre épouse et sœur. La décision est simple et rapide mais la conséquence est très bien réalisée à mon sens. Le père (ou faux policier?) vous félicite de votre choix, l’horloge se casse et le générique défile. Ce qui est très sympa c’est qu’à ce moment vous pouvez réellement penser que le jeu est terminé puisque le menu principal revient une fois le générique terminé.

Un détail cloche et mets la puce à l’oreille. Vous l’avez?

L’aiguille des minutes est cassée et c’est l’hôtel qui se reflète dans sa vitre. Mon instinct m’a dit de cliquer sur continuer et j’ai vraiment aimé ce qu’il s’est produit.

Le jeu redémarre mais vous n’avez plus de voisins, ni les deux tableaux sur le palier. Votre appartement est vide. Vous êtes seul, vous ne pouvez interagir qu’avec les quelques éléments présents. Cette fin débloque le trophée « Solitude ». L’idylle du début s’est envolé mais le monstre s’est accepté?

Est-ce une fin en soi? A-t-on résolu le problème par l’isolement? C’est la question que pose cette fin. Le vide de l’appartement rends l’expérience froide et seule subsiste la montre dans la salle de bain.

Le tableau de la chambre des époux évolue lui aussi au cours des boucles et nous offre un avant goût prémonitoire de la situation. Le monstre en nous fait fuir la femme mais le démon subsiste et se renforce grâce à la peur de perdre l’autre, la peur de la solitude. La solution de renoncer n’est donc qu’une solution de frustration qui contribue à faire grandir d’autres problèmes intérieurs qui ne sont pas mieux que la situation initiale.

Récupérer la montre et placer les aiguilles sur -2 minutes renvoie le joueur dans la bibliothèque.

A noter que l’idée de l’aiguille cassée est assez difficile à analyser mais je l’interprète comme étant une dissociation entre « l’amour de soi » de l’avatar et « le soi ». L’amour de soi est cassé mais le soi persiste à donner la mesure, à continuer dans ce faux semblant de résolution. Quelque chose en lui est brisé et nous devons le bricoler pour revenir au moment du choix.

Michael Pollan et Thich Nhat Hanh

Retour donc dans la bibliothèque du père après avoir vécu la (non)fin en solitaire. Cette scène permet l’accès aux deux fins cachées du jeu et je vais donc me concentrer, dans ce paragraphe, sur la fin qui n’est pas, à mon sens la fin ultime du jeu.

Durant la boucle originale il est possible de discuter avec notre épouse à propos du livre qu’elle lit. Elle annonce qu’il s’agit de philosophie et que cela ne nous intéressera pas, ce à quoi notre personnage réponds qu’en effet la philo ce n’est pas son truc. Mais il est possible de poursuivre la discussion jusqu’à ce qu’elle nous cite une phrase tirée d’un livre de Michael Pollan très intéressante:

« It is only by forgetting that we ever really drop the thread of time and approach the experience of living in the present moment »

Michael Pollan – The Botany of Desire: A Plant’s Eye View of the World

En français: « ce n’est qu’en oubliant que nous lâchons vraiment le fil du temps et que nous nous approchons de l’expérience de vivre dans le moment présent. »

Cette discussion anodine lors des premières boucle prends une toute autre envergure à ce moment car dans la bibliothèque, durant le discours du père, il est possible de cliquer sur ce même livre et déclencher la fin alternative qui débloque le trophée « Continuer ». Notre personnage cite cette phrase et le père philosophe sur le concept de l’oubli. Michael Pollan tient dans son livre une explication à ce sujet:

“Yes, forgetting can be a curse, especially as we age. But forgetting is also one of the more important things healthy brains do, almost as important as remembering. Think how quickly the sheer volume and multiplicity of sensory information we receive every waking minute would overwhelm our consciousness if we couldn’t quickly forget a great deal more of it than we remember.”

Michael Pollan, The Botany of Desire: A Plant’s-Eye View of the World

Soit: « Oui, l’oubli peut être une malédiction, surtout lorsque nous vieillissons. Mais l’oubli est aussi l’une des choses les plus importantes que fait un cerveau sain, presque aussi importante que la mémorisation. Pensez à la rapidité avec laquelle le volume et la multiplicité des informations sensorielles que nous recevons à chaque minute éveillée submergeraient notre conscience si nous ne pouvions pas rapidement oublier beaucoup plus que ce dont nous nous souvenons. »

Michael Pollan dans son livre The botany of Desire explique à partir de plusieurs exemples que les plantes nous cultivent elles aussi. L’idée lui vient d’une observation simple. Il plantait des pommes de terre dans son jardin lorsqu’il observe un bourdon butiner une fleur. Comme chacun sait, le bourdon est attiré par la fleur pour qu’elle dépose son pollen sur son corps, lui permettant au gré du vol du bourdon de les polliniser dans le vent et donc de se reproduire. La fleur et le bourdon se sont donc spécialisés l’un et l’autre dans l’attraction mutuelle afin d’en bénéficier chacun à son niveau. Le bourdon obtient le nectar et la fleur se reproduit.

En regardant ce bourdon Pollan se dit qu’il en va de même pour lui et les pommes de terres. Après tout les pommes de terre n’ont jamais été aussi rependues que depuis que l’homme les cultives. Et l’homme qui les récolte les mange. Ce qu’il faut comprendre ici c’est la notion d’interconnexion entre les choses qui permet le décalage de notre vision anthropocentriste vers une vision plus globale de relations mutuelles. Ce même concept qui est propre… au Bouddhisme.

Avant de poursuivre il est intéressant de noter que la fille du faux policier est surnommée affectueusement Bumblebee, le bourdon. Si le père veut la sauver en nous agressant, nous voulons aussi sauver notre épouse en le tuant (avant de comprendre que ce n’est pas la solution). Souvenez vous aussi de ce tableau lors de notre entrée dans le jeu, le livre rouge de notre épouse y est déjà présenté comme solution.

Mais reprenons notre cheminement.

L’un des concepts centraux du Bouddhisme est que tout est lié et interconnecté et que tout l’univers est constitué d’actions et réactions conditionnées. Ce principe est nommé la coproduction conditionnée et est rattachée à la notion de souffrance au travers des douze liens (12 nidānas) qui forment le cycle du Saṃsāra. C’est ce concept qui implique la pratique de la méditation dans le but d’atteindre le Nirvana par l’observation directe de la réalité telle qu’elle est.

Retour au jeu donc, car le père va procéder ensuite à une incantation dans le but de nous faire oublier tout cela. Son incantation est très intéressante.

Imaginer une fleur revenir à l’état de bourgeons (en écho à Michael Pollan), Penser à l’ensemble, se détacher du contexte et avoir une vision plus globale. Puis vient enfin l’invocation:

« May you be free from suffering, may you be free from fear and anger, may you know peace and joy »

Soit: « Puisses-tu être libéré de la souffrance, Puisses-tu être libéré de la peur et de la colère, Puisses-tu être connaitre la paix et la joie ».

Quelques recherches m’ont conduit à nouveau vers le Bouddhisme et surtout vers le Vietnamien Thich Nhat Hanh. Ce dernier est très connu pour ses livres qui visent à transmettre une philosophie de l’acceptation de soi et du moment présent. Transformer la peur en amour:

« We have a great, habitual fear inside ourselves. We’re afraid of many things — of our own death, of losing our loved ones, of change, of being alone. »

Thich Nhat Hanh

Ce dernier est d’ailleurs l’auteur d’un mantra très connu qui vise à s’accepter soi même dans un premier temps, puis transformer lentement la voie à la première personne du singulier vers une voies au pluriel tournée vers les autres :

May I be peaceful, happy, and light in body and spirit.
May I be safe and free from injury.
May I be free from anger, afflictions, fear and anxiety.

[…]

Thich Nhat Hanh

Autrement dit le père tente cette pratique avec nous. Ce qui fonctionne puisque le jeu se termine ici et que notre progression est intégralement supprimée. L’oubli fonctionne mais à mon sens ce n’est pas une fin en soi, le jeu nous renvoie finalement dans la boucle par le menu principal. Car si notre avatar oublie bien son histoire, cela ne nous sors pas du problème. Comment pouvons nous nous échapper de cela, nous qui sommes entrés en méditation en introduction?

Pleine Conscience

Nous avons vu qu’aucune issue jusque là n’est satisfaisante à notre sortie.

Il y a un concept dans le jeu qui lie Thich Nhat Hanh à Michael Pollan sur la forme. Lors de l’obtention des trophées Routine, Lâche, Avouer, nous obtenons également des bourgeons sur la plante de la chambre. Les arroser régulièrement conduira à l’obtention de trois fleurs (et du trophée « Jardinier »), des Dahlia en hommage à la mère de notre avatar. Si je vous dit cela c’est parce que Thich Nhat Hanh dit ceci à propos de ses mantras:

« [Those mantras are] effective for watering the seeds of happiness in yourself and your beloved and for transforming fear, suffering, and loneliness.”

Ces mantras sont utiles pour arroser les graines de votre paix intérieure et celle de vos proches pour transformer la peur, la souffrance et la solitude. Nous voyons ici tout le lien entre les situations générant les bourgeons et les émotions dont parle le maitre Bouddhiste Vietnamien. Le jeu tente bien de nous faire passer un message de transcendance.

Retour à la bibliothèque donc pour parler de la fin ultime du jeu selon moi. Lorsque le père nous fait son discours, il est possible, non pas de cliquer sur le livre, mais de se détacher complètement du discours en se focalisant sur l’horloge. En ayant le recul total sur l’ensemble de la situation et du temps qui passe. Il faut faire durer la conversation suffisamment longtemps pour qu’à un moment donné, en cliquant sur l’horloge, cette dernière atteigne zéro débloquant le trophée « Pleine conscience ».

Le son s’éloigne et un discours méta s’enclenche à mesure que l’on se concentre sur l’horloge. Le bol tibétain est frappé indiquant la fin de la séance de méditation. Le jeu se fige sur l’Horloge ne laissant aucune option pour continuer autre que remonter le temps de l’horloge à -2.

Nous sortons du jeu avec une leçon:

L’obsession n’est pas bonne pour nous, tout ceci n’est pas réel et il faut s’en détacher. Nous n’aurons pas de fin heureuse ni de sortie réelle pour l’avatar car c’est sans importance, ces personnages n’existent pas. Ce n’est pas en imaginant tous les scénarios possibles, ni en se plongeant dans le passé que l’on supprime la peur et la souffrance. C’est en acceptant celle ci de front et en les cultivant dans l’instant présent, en comprenant que toute chose dépends d’une autre et donc que de nous dépends le monde.

Nous atteignons une forme d’instant présent, de réalité ultime, de pleine conscience entre le jeu et la réalité.

L’article 12 minutes : La quête de l’instant présent est apparu en premier sur light01C.

Le mystère de cette attraction pourrait tenir dans ce tweet:

J’espère à travers ces lignes pouvoir changer votre vision sur le jeu tout comme ma vision sur lui a changé avec les années, au point de devenir le jeu le plus impactant dans ma vie de joueur. Expliquer, si c’est possible, MGSV est une tâche complexe et nous ne pourrons en faire intégralement le tour ensemble.

Cependant, l’illusion se résorbe, la vue s’éclaircit, le jeu livre ses secrets, lentement. A grands coups d’études à son sujet mais également autour de celui-ci. Finalement, il m’a paru évident que pour rendre à ce jeu le génie qui l’habite il me faudrait comprendre son titre. Je vais donc m’employer à vous transmettre une interprétation sur la douleur fantôme et sa thérapie appliquée au jeu.

L’article est très descriptif au début pour situer l’histoire et les mécaniques du jeu mais j’espère que vous lirez bien jusqu’à la fin qui parle plus des thématiques et des concepts.

Étant donné que le jeu est sorti en 2015, il va de soi que ce qui est écrit ici fera nécessairement écho à d’autres articles ou vidéos, mais je tiens à vous assurer de la sincérité de ma vision lorsque j’écris ces lignes. Je remercie tous ceux qui ont contribué à mettre de la lumière sur les parts d’ombres, ceux qui ont cherché à transmettre un savoir et des explications. J’espère à la fois ne pas vous trahir et vous rendre hommage au travers de mes mots. Contribuer à mon tour à ce grand échange de points de vues. J’aime l’idée que « 1000 générations de Jedi vivent à travers moi » mais aussi que je vis dans les mots des autres de la même façon, dans une spirale infinie à la recherche de sens.

Impossible de vous nommer tous mais merci à vous.

Pour finir, il va de soi que tout sera spoilé, parfois même d’autres jeux de la série, et que vous devez lire ces lignes en votre bonne conscience.

La douleur fantôme

Pour situer un peu, la douleur fantôme est un terme médical apparut semble-t-il au XVIème siècle au travers d’observations d’Ambroise Paré. En revanche, le premier à en fournir une description clinique est Sylas Weir Mitchell en 1871. Le phénomène se décrit comme étant une douleur ressentie sur un membre amputé, un membre perdu, qui devient donc un fantôme pour le patient. En effet la disparition des terminaisons nerveuses ne supprimant pas les connections neuronales, le cerveau continue d’entretenir une activité électrique sur les zones du cerveau qui contribuent au retour nerveux du membre perdu. Nous avons donc deux niveau d’informations divergents:

• L’information nerveuse: le membre n’existe plus, il ne renvoi plus de signal
• l’information neuronale: le cerveau dispose toujours de la zone liée au membre perdu, active électriquement

La dualité d’informations génère la douleur que les patients rencontrent. Une sensation de picotement sur des membres disparus. En revanche il est bon de noter que cette sensation située entre hallucination et automatismes cognitifs disparait avec le temps, à mesure que l’image du corps se reconstruit, que les limites physiques du corps sont acceptées.

Le traitement qui en résulte consiste en la thérapie miroir qui vise à donner une illusion au cerveau (par le retour visuel) que le membre existe toujours en plaçant un miroir face au membre existant (du point de vue du patient il voit donc deux membres): https://www.sciencesetavenir.fr/videos/la-therapie-miroir-cest-quoi_kffl3z

V has come to

Venom Snake est le personnage que le joueur incarne dans MGSV. Suite à un accident survenu en 1975, V a passé près de neufs années dans le coma. Il se réveille en 1984 alité dans un hôpital. Tout est flou et avant de trouver des forces, un second choc le renverra au fond de son lit: L’accident l’a privé d’un bras et a truffé son corps de multiples corps étrangers. Des dents, des os, du métal… dont un éclat massif dans son lobe frontal qui vient presser son nerf optique, source pour lui d’altérations visuelles.

Venom porte ainsi en lui, en permanence, des morceaux de ses anciens amis mais aussi l’histoire de cet incident, sur lequel nous reviendrons.

La première douleur fantôme à laquelle sera confronté le joueur, au travers de Venom, sera physique et traduite par un gameplay absent, un gameplay que le joueur mémorise en lui sans pouvoir l’exploiter.

Suite à l’attaque de l’hôpital par un groupe armé Snake se voit livré à lui même et incapable de s’échapper. Que ce soit par la mise en scène à la première personne ou par divers effets de lense-flare, qui viennent marquer tantôt l’esprit embrumé de Venom, tantôt la douleur qu’il subit, tout est fait pour imprégner le joueur du sentiment d’être submergé par les événements. Rien ne va, tout est hors de contrôle et va trop vite pour un personnage qui n’a ni la force nécessaire pour se défendre, ni l’esprit suffisamment clair pour distinguer la réalité des illusions. Il faudra l’aide d’un mystérieux personnage nommé Ishmael et d’une piqure de Dygoxyne salvatrice pour mettre en route la machine.

On commence donc par ramper… lentement… On se dandine plus qu’autre chose en fait. Le gameplay est très basique: on avance dans un couloir fait de carrelage en hexagones. Comme pour la douleur fantôme qui s’estompe avec le temps, Venom reprends petit à petit la maitrise de son corps et nous pourrons marcher à quatre pattes puis enfin nous tenir debout. La reconnexion se fait et le joueur récupère la capacité à se faufiler qui a créé le genre plus de trente années plus tôt.

Nous avons, par ces étapes progressives, récupéré le gameplay de la série qui se clôture par l’obtention d’une arme et d’une salle à parcourir seul. Le joueur a donc réactivé sa mémoire musculaire en même temps que Venom et la douleur fantôme liée au gameplay s’estompe, Snake est de retour.

Now go! Let the legend come back to life!

Les souvenirs sont toujours flous pour Venom qui hallucine une baleine en feu venant balayer l’hélicoptère de la milice à sa poursuite. Un écho à Moby Dick, une sorte de vision du futur sous la forme d’une référence au livre.

Après la disparition d’Ishmael, Venom croise le chemin d’Ocelot. En revanche il est complètement perdu. L’urgence d’échapper à ses agresseurs le pousse à faire confiance à l’homme qui veut l’aider.

Durant le voyage entre Chypre et l’Afghanistan, Ocelot briefera Venom sur les événements marquants de ces années dans le coma. Neufs années ont contribué à la légende, de réalités en rumeurs, d’exagérations en interprétations.

Il semble que le monde aurait préféré que Big Boss ne se relève pas. Pour se défendre et survivre il lui faudra donc reconstruire sa milice. La première tâche qui lui reviendra, après avoir obtenu un bras gauche bionique, sera de libérer Kazuhira Miller, son ancien bras droit… Ironique.

All for revenge

Reconstruire et se venger de ceux qui ont tout prit à ce groupe militaire privé: Diamonds Dogs nait des cendre des MSF. L’objectif est simple: Grossir juste pour combattre Cipher, dirigé par Zero, et se venger des événements de Ground Zeroes. Mais commençons par resituer ces événements puisqu’ils sont à l’origine de tout et à de nombreux niveaux.

Les événements de 1975 font suite presque directe à la fin de Metal Gear Solid: Peace Walker.

Paz, une agent triple (CIA, KGB, Cipher), est retrouvé à la dérive dans les eaux des Caraïbes et se retrouve détenue au camp Omega, sous la coupe de l’armée Américaine mais aussi, de par le fait, de Cipher. Le centre de détention fait partie d’une liste très confidentielle: les Black Sites. Des prisons clandestines contrôlées par la CIA mais hors de la juridiction des États-Unis. Les procédures de détentions et d’interrogatoires sont donc hors du système judiciaire fédéral Américain. Disons donc que les détenus n’ont quasiment aucun droits et n’apparaissent nul part aux yeux du monde.

Ces blacks sites posent donc un problème d’éthique et Ground Zeroes en parle très bien. Ce camps fait très froidement écho au centre de détention de Guantánamo, à Cuba, principalement connu pour avoir enfermé des suspects liés aux attentats du 11 septembre 2001 sur les tours du World Trade Center. Ces attentats furent revendiqués par Al-Qaïda dont le chef du réseau n’est autre qu’Oussama Ben Laden. L’histoire de ce camp restera cependant une zone trouble pour le droit des prisonniers et la définition éthique des moyens nécessaires pour combattre le terrorisme. Ground Zeroes déploie la panoplie complète: Viols, tortures physique, tortures psychologiques, meurtres, détention en cages, interrogatoires musclés,… Beaucoup de choses mettent mal à l’aise dans ce préquel à The Phantom Pain. Rappelons que Paz à la vingtaine et que Chico n’est à ce moment qu’un adolescent. Une situation qui, là aussi, évoque la réalité de la détention d’enfants sur ces sites.

Capturée et torturée, Paz fera l’objet d’interrogatoires réguliers et Chico, un enfant sauvé par Big Boss dans Peace Walker, tentera de voler à son secours. J’ai envie d’écrire que ça tourne mal! Ce serait un euphémisme! Il se fait attraper et servira à torturer Paz psychologiquement et vice et versa. Je vous disais plus haut que le site est supervisé par la CIA et tombe donc dans les filets invisibles de Cipher. Un homme au sein de cette organisation intervient sur le site pour obtenir la réponse à une question: Où se trouve Zero?

Paz, agent de Cipher est la dernière personne à l’avoir rencontré. Zero se cache en effet à la tête d’un système complexe d’intermédiaires, chacun communicants des informations à d’autres mais ne se connaissant pas. Un système qui étends lentement son contrôle sur les institutions américaines dans l’ombre par le biais de fonds presque infinis récupérés lors de l’opération Snake Eater en 1964. Le nom de cette pieuvre invisible? Cipher. C’est ainsi qu’il protège son identité mais c’est également sa faille. Personne ne sait vraiment qui reçoit ou donne l’information. En revanche Paz l’a rencontré et Skullface, se servant de méthodes hors de l’éthique, obtient sa position. En résultent deux faits importants:

• Chico transmets un message de détresse à Big Boss qui lui demande de venir le chercher.
• Skullface « piège » Paz en plaçant 2 bombes dans son corps… oui… dans son corps!

L’histoire prendra un tournant dramatique lorsque Skullface, sous couvert d’une inspection de l’IAEA (Agence Internationale de l’Energie Atomique) fera exploser la base des MSF tandis que Big Boss est en opération de sauvetage de Paz et Chico.

Plusieurs points importants ici:

• L’inspection est un coup monté, l’IAEA niera qu’une quelconque inspection devait avoir lieu
• Huey Emmerich a décidé de son propre chef d’accepter l’inspection car, en cachant leur arme nucléaire sous l’eau, cela leur permettrait de laver leur image aux yeux du monde
• Kaz était contre et Big Boss aussi, mais le mouvement étant déjà imprimé Big Boss décide de valider les travaux pour cacher le Metal Gear Zeke.
• Skullface agit sous la coupe de XOF au camp Omega mais supprime le logo sur les hélicoptères et les insignes sur ses soldats au moment de l’attaque. Le groupe devient à ce moment anonyme.
• MSF est une Société Militaire Privée (SMP), sans nation. C’est donc une force de frappe militaire « on demand ». Un groupe utile pour de nombreuses opérations secrètes de divers pays mais également une source d’inquiétude lorsque leurs capacités sont inconnues ou, au contraire, révélées. L’idéal étant qu’ils restent dans l’ombre.

La base est réduite en cendre mais le coup final est asséné à MSF lorsque Paz, se jetant dans le vide, explose en vol, envoyant l’hélicoptère de Big Boss s’écraser et laissant ses occupants pour morts. Un plan macabre dont la fumée et les hélicoptères étaient visibles depuis la côte et à commencé à soulever des questions au sein de l’opinion publique.

On retiendra donc que l’événement a mis les États-Unis dans une situation assez complexe à gérer et à tourné l’opinion publique vers des sujets qu’ils préfèrent garder sous silence: les Black Sites, les SMP, le traitement de prisonniers de guerres, la circulation d’armes nucléaires dans des groupes privés, etc. L’IAEA et l’ONU ont du se dédouaner pour ne pas se faire éclabousser. Certains pays ont préféré restreindre les informations circulants dans leur pays.

1975 est le point de départ d’une explosion réelle dont l’onde de choc est tant physique que politique. Ground Zeroes évoque plusieurs épicentres car il est écrit au pluriels et en effet c’est le point de départ d’un processus qui s’inscrit tant au niveau des Hommes (tous les protagonistes en seront affectés) qu’au niveau des nations. Ce titre a également une signification sur laquelle nous reviendront bien plus tard.

On a un aperçu ici de l’idée qui sous tends la phrase d’introduction de la mission 46 nommée ironiquement Vérité.

Si les faits nous disent que MSF, le bras armé discret de divers intérêts secrets, est victime d’une attaque de la part de XOF, de Skullface, l’histoire retiendra dans les livres et la presse un règlement de compte entre deux puissances militaires privées suspectées de détenir une ogive nucléaire. Les faits sont donc interprétés sous l’unique prisme des informations à disposition de ceux qui en font le constat. Mais vous verrez plus tard que tout cela va bien plus loin et que The Phantom Pain raccorde très bien ses wagons avec une vieille thématique déjà abordée dans Metal Gear Solid 2: Sons of liberty: le contrôle de l’information.

Sur ces bases, les Diamond Dogs, en 1984, chercheront à se venger a partir des seules données qu’ils possèdent: Quelle organisation est capable de monter une fausse inspection de l’IAEA? Qui peut connaitre Big Boss et Miller au point de réaliser un plan aussi précis? Quel est le seul lien qui unissait Paz à MSF? Vous l’avez en milles: CIPHER. Une hydre informe qui étends son contrôle sur le monde chaque jours un peu plus.

Un Venom mutilé retrouve donc un Kaz mutilé lui aussi. Une douleur les habite qui ne disparaitra pas, la perte de leurs hommes et de certains de leurs membres. Ce sera le moteur de la vengeance de Kaz mais le socle de la construction d’une intention de Venom. Deux motivations assez distinctes que l’on ne perçoit pas nécessairement au premiers abords. Surtout si comme moi vous avez vécu la communication autour de The Phantom Pain comme étant la descente aux enfers de Big Boss, le chainon manquant. Deux zones floues que l’on a du mal à voir après une première complétion du jeu.

Si ces notions sont aujourd’hui moquées par beaucoup de fans déçus du jeu, je pense que je serais en mesure de leur montrer que tout est là mais pas comme nous l’attendions, mais surtout que cela apporte énormément à la saga et, en prime, que leur réaction était prévue voir recherchée. Mais j’expliquerais plus loin ces notions.

Afghanistan is a big place!

Si Venom entre par la petite porte en Afghanistan sur le dos de son cheval, nous allons, nous, devoir prendre du recul pour situer le contexte et en parler plus largement. Je ne vais pas retracer l’intégralité de l’histoire de la guerre froide opposant les États-Unis d’Amériques et leurs alliés, le bloc de l’Ouest capitaliste, à l’URSS et ses alliés, le bloc de l’Est communiste. Je vais simplement dégrossir quelques éléments.

Ce bras de fer a débuté en sortie de seconde guerre mondiale pour finir avec la chute des régimes communistes autour de 1989. Notons au passage que c’est vraisemblablement G. Orwell qui a démocratisé l’usage du terme « Cold war » dans un essai intitulé You and the atomic bomb publié en 1945 dans le journal Londonien Tribune. L’affrontement à distance à de nombreux effets sur le monde à plusieurs niveaux: politique, économique, culturel, sportif, scientifique,… C’est surtout une grande période de dissuasion militaire et nucléaire, de course à l’armement qui contraint les blocs à ne pas s’affronter directement et à déporter le conflit dans d’autres zones du monde.

Ce qui nous intéresse c’est le contexte dans lequel la trame de The Phantom Pain va se dérouler. La révolution Afghane en 1978 et la prise de pouvoir du Parti Démocratique Populaire d’Afghanistan instaure la République Démocratique d’Afghanistan. La guerre civile éclate entre le pouvoir soutenu par l’URSS et les Islamistes. Seulement, les forces du pouvoir en place se font rapidement déborder. En 1979 les Soviétiques interviennent pour éviter l’effondrement du régime qu’ils soutiennent en déclarant agir pour le maintient de la paix en Asie centrale.

Le risque était en fait trop grand de voir l’Afghanistan passer sous influence Islamiste et de voir apparaitre des bases militaires Chinoises ou Américaines. Des tanks contre des soldats armés de fusils sur des chevaux. Bien que sur le papier le combat semble inéquitable, la résistance Islamiste, en déclarant ce combat comme étant un « Jihad » (une guerre sainte) galvanise ses troupes qui s’organisent en guérillas dans une guerre d’attrition. Les États-Unis sous la direction de Jimmy Carter saisissent l’occasion en apportant un soutient logistique aux Moudjahidines (Le programme Afghan ou Opération Cyclone) ce qui entretiendra les braises d’une guerre asymétrique bien trop longue. Une « guerre du Vietnam » Soviétique qui participera largement à la chute de l’Union Soviétique en bout de course. Les États-Unis ne peuvent évidemment pas s’impliquer directement dans ce conflit et c’est là que les SMP prennent du sens.

La première chose à comprendre c’est la raison pour laquelle Kazuhira est retenu prisonnier par l’armée soviétique en Afghanistan. Son équipe et lui même formaient des Moudjahidines en tant qu’intermédiaires de la CIA pour ne pas les impliquer. En comparaison, c’est durant cette période qu’Oussama Ben Laden organise le départ de combattants du Jihad venus de multiples pays vers la frontière entre le Pakistan et l’Afghanistan où ils seront entrainés et armés par l’ISI (services de renseignements du Pakistan) mais largement financés par les États-Unis et placé sous la logistique de la CIA. Ce parallèle est intéressant car c’est à cet endroit même, sur ce qu’Ocelot appelle la ligne Zero, que Miller et son équipe procédaient à la formation des combattants.

Les Skulls sont intervenus à cet endroit pour décimer son équipe et le faire prisonnier. Mais ce qui est difficile à dire c’est dans quel but?

Tout simplement, le groupe d’intervention ayant pourchassé Snake à l’hôpital à échoué dans sa mission. La seule option pour le faire sortir à nouveau c’est de capturer son ancien bras droit et d’attendre qu’il se présente. C’est la raison pour laquelle l’unité des Skulls surgit immédiatement après avoir récupéré Miller: ils viennent terminer leur travail, tuer Big Boss.

La seconde chose à comprendre dans MGSV c’est que vous agissez en tant qu’intermédiaire pour divers intérêts. Vous serez souvent employé par la CIA, les Moudjahidines voir même régulièrement par Cipher eux même et plus ironiquement encore par XOF sous couvert de Cipher.

L’importance de comprendre cette subtilité tient au fait que vos objectifs sont dictés par votre employeur. Lorsque l’on dit ça il faut comprendre que vous n’aurez que sa version et qu’en exécutant la mission au pied de la lettre, parfois (régulièrement en fait), vous pourrez vous rendre compte d’une manipulation. Ici je vais vous renvoyer sur une vidéo, de Keyser44Soze, très sympa qui retrace l’histoire de la mission 3: A hero’s way.

Ainsi, réduire au silence ce commandant sert principalement la cause de ceux qui ont détruit le village de Da Smasei Laman et du groupe de combattants Moudjahidines qui s’y trouvaient: les combattants Hamid. Si vous avez tué ce soldat lors de votre partie j’espère que vous apprécierez cet éclairage.

Un point intéressant à noter ici réside également dans la façon dont Kojima joue avec ses fans en intitulant sa mission « La voie du héros ». Le joueur, et principalement le fan qui s’attends à voir Big Boss « descendre en enfer », se prends pour le héros de l’histoire en éxécutant sa mission. Comme si la voie du héros était dramatique, ce qui est appuyé par la phrase de Miller dans le briefing: « Nothing personal. We’re only doing this because it gets us one step closer to our goal« . En revanche sous l’éclairage de la vidéo, on comprends finalement que le héros est plutôt le commandant, la cible de la mission, et que c’est sa morale, sa volonté à épargner les civils (« quoiqu’il en coute! » lol), qui est en fait « la voie du héros ».

En revanche, il faut bien comprendre que rien n’est toujours tout noir ou tout blanc dans MGSV. Si ce soldat trouve l’honneur de sauver les civils, il n’en reste pas moins un pivot de la politique de la terre brulée Soviétique. Une tactique qui vise à littéralement ne rien laisser d’exploitable après leur passage: maisons, ressources, infrastructures, les terrains cultivables sont minés, etc. Bien que ce soldat possède une certaine morale il contribue malgré tout à attiser le feu qui pousse les civils quitter leurs terres et les résistants à se venger. Les soldats Soviétiques capturés sont laissés à l’agonie, pieds, mains et nez tranchés: un message pour les soldats soviétiques encore en fonction qui à leur tour iront bruler d’autres villages… et ainsi de suite.

En y réfléchissant, les Diamond Dogs ressemblent à ce soldat: l’éthique est une chose mais elle ne brise pas le cycle. En le recrutant on pourrait dire: qui se ressemble s’assemble?

Quoiqu’il en soit les questions demeurent, qui nous a engagé et pourquoi?

Les expériences de Skullface en Afghanistan

Si je vous ai développé beaucoup de l’histoire en naviguant au rythme des missions jusqu’ici c’était dans le but de comprendre les mécaniques de ce jeu entre informations et manipulations. Nous allons donc maintenant développer globalement ce qui occupait XOF en Afghanistan.

Skullface a utilisé l’Afghanistan comme site de test pour ses parasites. Afin de garantir un fonctionnement en toutes circonstances, ils sont déployés sur des sites sélectionnés méticuleusement selon plusieurs critères:

• Des conditions climatiques variées (Afghanistan, Afrique sont cités dans le jeu)
• Plusieurs langues doivent être employées sur la zone afin de confirmer le bon ciblage du langage
• Une densité de population faible pour garantir le contrôle sur l’expansion de l’épidémie

L’Afghanistan est construit sur une société tribale qui comporte divers langages et cultures. Pashtounes, Tadjiks, Ouzbèques,… Les conditions étants réunies, XOF a procédé au test sur les combattants Hamid. Le test se révèle un succès, les occupants du fort de Da Smasei Laman disparaissent sans laisser la moindre trace de combats. La rumeur floue se répends que ces Moudjahidines ont succombé suite à une nouvelle opération terre brulée sous les ordres du commandant de la mission 3: A hero’s way. En revanche XOF ne peut se permettre de laisser ce soldat répondre de sa non culpabilité ni d’intervenir directement. Via le système d’intermédiaires le contrat fini entre les mains de Diamond Dogs pour réduire au silence le commandant.

Cependant les combattants Hamid étaient également aidés par la CIA secrètement face aux redoutables hélicoptères Soviétiques. Ces derniers disposaient d’une arme expérimentale de confection Américaine: le Honey Bee. La rumeur de la disparition des combattants Hamid intrigue l’armée rouge qui investi le fort à la recherche de la technologie qui a décimé les occupants. Le risque pour la CIA étant que les Soviétiques tombent sur Honey Bee et puissent prouver leur support envers les Moudjahidines mais également que la technologie soit revendue et finisse face à leurs propres unités sur d’autres fronts. Ils contactent donc Diamond Dogs pour récupérer l’arme expérimentale au fort Smasei.

Venom et son groupe passent ainsi leur temps à courir derrière les traces de Cipher et à survivre aux tentatives de meurtre de XOF sans jamais parvenir à saisir ce qui se trame. L’arrivée sur la base d’un personnage sur la Mother Base va nous permettre de plonger un peu plus loin dans l’un des concepts fondamental du jeu et de basculer sur la piste Africaine.

Le témoin: le parasite de l’exceptionnalisme Américain

Lorsque la mission arrive entre les mains de Diamond Dogs c’est un Kaz avide de vengeance qui nous demande d’aller récupérer le scientifique qui souhaite repasser à l’Ouest. Huey Emmerich, l’instigateur de la visite de l’IAEA est la cible de cette mission de sauvetage. Celui qui a ouvert la porte au cheval de troie et condamné MSF à disparaitre en 1975. L’un des traits caractéristiques de ce personnage est d’agir comme un miroir pour Diamond Dogs. Huey est un scientifique, un civil ce qui lui permet de disposer d’un oeil externe et symboliquement chacune de ses interventions servira à définir Diamond Dogs du point de vue de l’opinion publique des Etats-Unis, comme un témoin de leurs actes vus par le prisme Américain.

Vu sous cet angle il n’est donc pas étonnant de découvrir qu’Huey était censé être Ishmael dans les premières versions du jeu. En effet, dans Moby Dick, Ishmael est le témoin de l’aventure d’Achab, de sa quête de vengeance mais également celui qui est le narrateur de l’histoire. Une histoire vue du point de vue d’un civil biaisé par l’idéologie qui définit son pays: l’Exceptionnalisme Américain.

L’exceptionnalisme Américain est une idéologie qui découle de l’idée de Destinée Manifeste apparue en fin du XIXème siècle. La destinée manifeste est la pensée selon laquelle les Etats-Unis ont pour mission divine d’apporter la civilisation vers l’Ouest. Une idée que l’on retrouve dans Death Stranding (le dernier jeu de Kojima) sous la forme de la mission principale de Sam Porter.

L’exceptionnalisme Américain est l’idée selon laquelle la position spéciale qu’ils détiennent parmis les nations du monde est due au fait que le pays, la première démocratie moderne, fut bati par des immigrés. Ainsi la structure de leurs institutions serait le fruit d’opportunités et d’idéaux et non de constructions comme les classes sociales ou de simples produits de l’histoire. La nature même de leur démocratie serait donc à l’origine de l’ambition, une destinée, de la propager dans le monde comme étant source de civilisation, de liberté et de justesse.

Huey Emmerich, né dans ce système de pensés, serait donc le représentant de cette idéologie à bord de la Mother Base. Premièrement, il permettrait d’apporter un oeil extérieur aux agissements de Diamond Dogs, de les présenter comme des meurtriers ou comme menace pour la paix en tant que détenteurs d’armes nucléaires. Dans un second temps, il permet également de représenter les travers de ladite idéologie qui justifie tous ses agissements comme justes ou comme le bon choix à faire tout en niant la réalité de ses actes.

D’un point de vue historique et symbolique Huey est le seul ancien membre des MSF à n’avoir rien perdu dans l’accident de 1975. Pire encore, il contraste directement avec la douleur de Kaz et Venom en ayant retrouvé l’usage de ses jambes grâce à ses travaux. Les seules pertes qu’il subit durant le jeu sont liés à ses choix directs: Le meurtre de StrangeLove, la perte de son fils qui lui est pris par Skullface a qui il a naivement ouvert la porte de MSF, son exil de la mother base qui fait suite à la manipulation des parasites donc le socle de la mission 43: Shining lights, even in death,…

Huey est troublant pour le joueur puisqu’il évoque des sujets sous l’angle du bon sens, tel un civil. Il met le doigt sur nos agissements, sur notre image et sur les implications de nos actes vu par la société, par les civils. Le joueur, Achab, auto proclamé héro de cette histoire aura tendance à ne pas s’y conformer et va donc développer une haine envers Huey et pointer du doigt ses mensonges. Le joueur va le haïr et justifier ses actes en rejetant le point de vue des civils car il s’estime juste, dans le camp du bien. Ce processus montre bien à quel point ce que représente Huey est bien infiltré en chacun de nous, au sein même du système de pensée du joueur. Ce constat sans appel donne une dimension nouvelle aux objectifs de Skullface.

Bien entendu l’idée n’est pas que tous les joueurs auront la même réaction face à ce phénomène mais le jeu s’adresse principalement à ceux qui se rangent du côté des Diamond Dogs et tout est fait pour cela. Les joueurs ayants un désir de vengeance variable, le character design de Miller, sa volonté irrépréssible de vengeance, sera utilisé de façon à être un moteur pour eux en terme d’implication.

Si l’on reprends l’idée du traitement de la douleur fantôme par la thérapie du miroir alors Kojima se sert d’Emmerich comme d’un miroir pour le joueur. Ce dernier pourra identifier les mécanismes qu’il applique pour se défendre et se sentir juste. En revanche Venom ne réagit pas comme ses pairs. En acceptant de voir les choses en face, en se libérant de l’idée de justesse et en décidant de laisser la vie sauve à Huey, Snake prends le joueur à contre pied et, par ce phénomène de dissociation, lui permet de prendre du recul sur la raison pour laquelle Venom fait ce choix.

Ces micro déconnexions recherchées entre avatar et utilisateur, qui consituent la nature de démon de Venom, sont le moyen pour Kojima d’intriguer le joueur sur sa propre réaction face au procès. En redéfinissant ses contours (comme pour la thérapie du miroir) le joueur peut dépasser ses intentions premières et faire le constat qu’il est lui même « infecté » par ce modèle de pensée.

Finalement Huey se révèle ne pas être Ishmael pour une raison simple. En représentant les Etats-Unis dans un contexte de guerre froide, il représente lui aussi Achab face à Moby Dick, USA versus URSS. De la même façon que l’URSS représente également Achab face à Moby Dick, URSS versus USA. Le thème de la vengeance prends donc un revers assez troublant d’un Achab contre un autre ou d’un Moby Dick contre un autre qui se mutilent l’un l’autre dans un cycle sans fin. Il faut retenir ici l’idée de justesse des causes. Chaque camp se croit vertueux et juste dans son jugement pour l’appliquer sans condition.

Achab est le joueur en Venom (principalement celui qui ressent le besoin de vengeance) et le médecin en Venom essaie de le calmer, de chasser cette nature.

L’arrivée à bord d’Emmerich propulsera rapidement le groupe sur la piste Africaine. Le chainons manquant de leur inverstigation.

L’Afrique: le chainon manquant

Bien que je pourrais ici parler de la situation géopolitique de l’Afrique comme nous avons pu le faire avec l’Afghanistan, discuter de la façon dont le continent est livré à la merci des divers intérêts qui profitent des guerres civiles ou qui génerent des conflits dans le but d’intervenir et piller les ressources. Je ne le ferais pas dans un but d’écourter l’article. Le sujet mériterais amplement un article à lui tout seul tant la situation est tristement complexe. J’espère vous avoir donné une vision sur la façon dont MGSV raconte son histoire et sa géopolitique pour que vous puissiez prendre vous même le relais. Je vais donc résumer rapidement la trame principale en Afrique afin de pouvoir aboutir aux points qui nous intéressent dans cet article.

La première mission que nous recevons en Angola concerne une station de pompage. Une fuite de pétrole a lieu au champ pétrolifère de Mfinda contaminant la rivière à proximité. Une ONG nous demande d’intervenir pour la stopper. Ces locaux étaient abandonnés depuis de longues années mais l’UNITA en a pris le contrôle récemment. Kaz nous préviens qu’il semble que l’UNITA reçoit un soutiens de la part des Etats-unis et donc qu’il est possible que l’on puisse remonter jusqu’à Cipher.

Sur la route Venom doit passer par Bwala ya masa, un village proche qui borde la rivière. Première recontre avec des enfants soldats. Une fois le village dépassé vous pourrez tomber sur des habitations brulées et un charnier encore fumant avant d’atteindre finalement la station Mfinda. Le problème c’est qu’une fois la pompe stoppée des corps remontent à la surface.

Nous apprendrons plus tard grâce à Code Talker que Skullface a utilisé la zone autour de Bwala ya masa comme zone de test pour ses parasites ciblant la langue Kikongo. Mais cette fois les conditions de test que l’on a défini plus haut n’étaient pas vraiment remplies. Etant une zone à forte densité de population, contenir l’épidémie devient très problématique. Ce qui devait arriver arriva, l’épidémie s’est répendue et pour la contenir XOF a brulé la zone (rappelez vous du charnier) mais ça n’a pas suffit. Les larves des parasites ont commencé à se transmettre par la rivière contaminant le village en aval. XOF a donc donc réactivé la station Mfinda pour polluer l’eau dans le but de dissuader la population d’en consommer.

En revanche en tant que joueur vous venez de détruire la station… C’est ce qui conduira plus tard à la mission 23: White Mamba, une mission durant laquelle Eli prends la tête d’une armée d’enfants après la disparition des adultes.

En supprimant la pompe, l’eau est redevenue potable. La population a de nouveau commencé à consommer et le parasite s’est répandu. Diamond Dogs est donc involontairement responsable de la disparition des habitants de Bwala ya masa à ce stade de l’aventure. En revanche pourquoi seuls les enfants restent?

Il faut remonter à la mission 20: Voices pour le comprendre. Les enfants de la mine que Venom sauve vous engagent pour aller sauver leur chef, Shabani, le plus agé d’entre eux. Ce dernier aurait été envoyé à Nzo ya badiabulu, la maison du diable, une zone qui terrifie la population locale puisque ceux qui y sont conduits n’en reviennent pas.

Shabani est en pleine adolescence, la puberté fait que sa voix mue et ses cordes vocales permettent au parasite de s’y nicher. Ainsi les enfants « sains » n’ont en fait pas présentés de symptomes car ils n’ont pas atteints la puberté mais ce sont eux qui ont contaminé les adultes sur la Mother Base sans le savoir.

On apprends donc en Afrique que Skullface cherche à créer des parasites capables de détruire un hôte parlant un langage ciblé. Une arme épidémique qui peut faire disparaitre un langage très rapidement en tuant ses hôtes. Mais dans quel but? Avant de poursuivre continuons un peu nos découvertes en Afrique.

La mission 15: Empreintes de fantômes nous envoie à la recherche de Walker Gears. Une arme bipède offrant un avantage tactique sur divers types de terrains. Le problème c’est que ces prototypes sont vendus à l’Est comme à l’Ouest aux SMP qui travaillent pour l’UNITA (União Nacional para a Independência Total de Angola) comme pour le MPLA (Movimento Popular de Libertação de Angola). Il semble que Cipher distribue ce prototype sur les champs de bataille peu importe l’alignement au sein de cette guerre froide. Une décision louche qui pose des questions.

Diamond Dogs remonte la piste et découvre qu’en compensation pour ces Walker Gears, Cipher se fait payer en minerais contenant des traces d’uranium et d’archées méttaliques. Je n’expliquerais pas tout le détail. Ces deux composants permettent à Skullface de vendre des armes nucléaires en kit qu’il contrôle à distance. Ainsi il est en mesure d’inonder le monde d’armes nucléaires et l’Afrique était son terrain de tests.

Skullface: la vengeance sans visage

Une fois l’ensemble des tests effectués la dernière étape pour lui consiste à allumer la flamme qui embrasera le monde. Bien que le Sahelanthropus soit techniquement inopérant, son plan est de le montrer en plein jour sur un champ de bataille Afghan pour attiser la peur. Un nouveau prototype d’arme bipède sorti tout droit des bases secrètes soviétique aurait très vite fait de conduire à un état d’alerte maximal le bloc Ouest. La course à l’armement nucléaire reprendrait de plus belle et lui permettrait de fournir en masse ses kits. Un monde inondé d’armes nucléaires non pas réservées à des nations, mais bien à n’importe quel groupe, SMP, milices,…

En parallèle Skullface visait à éradiquer la langue Anglaise et le diagnostic qu’il pose est le suivant: L’Amérique prétends être un melting pot, un lieu de mixité ethnique et culturel constituant un peuple uni. En fait ce n’est qu’un Salad bowl, un lieu ou les cultures et les groupes ethniques ne se mélangent que très peu et vivent côte à côte. Le liant entre ces groupe est l’Anglais. Cette lingua franca maintient la société en symbiose. Puisque l’Amérique est né de l’immigration, puisqu’elle arrive à maintenir cette symbiose et maintenir son rang parmis les nations du monde alors elle est en mesure d’en faire autant avec le monde. C’est, selon Skullface, la base de l’exceptionnalisme Américain.

Il avait donc pour ambition de détruire la langue Anglaise pour détruire la cohésion Américaine, isoler de nouveau les groupes ethniques et culturels au sein des états unis. Mais aussi supprimer l’emprise de la culture Américaine sur le monde.

Skullface considère donc qu’unifier le monde passe par le renforcement des cultures. Si Zero cherche à en faire un melting pot uni sous un système de contrôle de l’information et du langage, Skullface lui cherche à en faire un Salad bowl libéré de l’impérialisme Américain. Sans lingua franca le monde sera de nouveau dans l’observation, la division et la recherche de dissuasion nucléaire créera le statu quo par la menace de représailles. C’est sa manière d’interpréter la vision de The Boss.

Ce personnage incarne à lui tout seul l’idée du cycle de la vengeance. Il est un pur produit de la guerre et des intérêts géopolitiques. Il nait en Transylvanie peu après que cette dernière fut rendue à la Hongrie en 1940 suite au deuxième arbitrage de Vienne. L’Allemagne nazie vise à affaiblir la Roumanie qui lui livre une « guerre froide » en permettant à la Hongrie d’annexer la Transylvanie mais l’échec des négociations conduit Berlin et Rome à imposer la décision. La Hongrie, pour obtenir les faveurs du Reich déclare la guerre à l’URSS le 27 Juin 1941 avec près de 200 000 hommes qui s’engagent sur le front de l’Est. La débacle de la bataille de Stalingrad en 1943 les font sortir de la guerre. En 1944 la Hongrie figure parmis les derniers alliés du Reich qui cherche à tout prix à maintenir cette alliance pour bénéficier de ses richesses mais surtout de ses raffineries de pétrole.

Cette même année, les alliés reprennent la base de Foggia qui expose le territoire Hongrois aux bombardements Américains et en octobre l’URSS envahi complètement la Transylvanie. Cette invasion abouti à la bataille de Budapest qui permet à l’URSS de placer un pion politique à la tête du pays en la personne de Béla Miklós. Soutenu par les soviétiques il signera l’armistice en 1945 déclarant ainsi la guerre au Reich.

Dans cette guerre, Skullface perdra tout étant enfant. Son corps brulé intégralement et son pays ravagé par les multiples guerres il perd ses repères culturels et identitaires. En devenant le dernier témoin de l’identité de son univers, en perdant les mots de sa langue maternelle il se transforme de lui même en bras de la justice pour ceux qui ne sont plus là pour se venger. Il bascule d’Ishmael (le témoin) à Achab dans une lutte contre ceux qui utilisent l’information et le langage, pour mener des guerres qui conduisent inexorablement à corrompre l’identité des peuples. Après avoir vengé son peuple dans sa jeune carrière d’espion, il a tourné sa vengeance envers Zero et ses codes, contre l’impérialisme Américain.

Venom ayant stoppé la sorti du ST84, le plan tombe à l’eau, aucune nation n’aura porté son oeil sur le Metal Gear publicitaire. En revanche une entité n’oubliera pas… Cipher.

Le courant artistique du Post-Mario

Au final, le jeu depuis l’hôpital se résume à courir derrière Cipher pour se venger et ultimement comprendre que Cipher n’est qu’une coquille au sein de laquelle Skullface se cache, agit et se nourit comme un parasite caché dans un corps. Après tout le mot Cipher possède une racine Arabe, Sifr, qui signifie « le vide ». La quête de Diamond Dogs est symboliquement pointée vers le vide, il n’y a rien au bout, pas même la possibilité de vengeance. Ce n’est pas un choix fait au hasard. Je pense qu’Hideo Kojima poursuit une vision artistique qui prends naissance, à mon sens, avec MGS2.

Premièrement, les jeux vidéos ne sont pas uniquement un divertissement mais aussi un médium capable de transmettre des messages. Le gamedesign de ses jeux visent toujours la transmission de concepts, d’émotions et de pensées. Par exemple, MGS parle du rapport aux gênes et MGS2 du rapport aux memes.

Deuxièmement le jeu vidéo est capable d’être un art à part entière qui ne peut être abordé comme du cinéma. Pour vous donner un aperçu: dans Sons of Liberty Raiden est construit à l’image de son joueur qui se prends pour Snake, pour une légende. Il a les cheveux blancs pour symboliser sa naiveté, il est efféminé pour contraster avec Snake, sa mission est calquée sur les évennements de Shadow Moses. Tout le jeu est un meme de l’opus de 1998 dans le but de parler de ce que signifie l’identité au sein d’une société dont les codes se projettent par memetique. C’est ainsi qu’après avoir été digéré par l’équivalent d’une baleine (Rapport au thème de la naiveté de Pinocchio) Raiden trouve son chemin et délaisse les armes à feu pour se servir du Katana que lui donne Snake puis rejette l’identité du joueur pour devenir lui même. Vous pouvez lire l’excellent article de Flying_Fox sur Metal Gear Solid 2. (@flyingfox1984)

MGSV poursuit cette vision. Dans un jeu vidéo classique, le chapitre 1 d’MGSV aurait fait office de trame principale et la fin aurait sonné avec la chute du Sahelanthropus et le démantèlement des projets de Skullface. Seulement cette structure du jeu vidéo avec un boss de fin et le générique n’a pas beaucoup changé depuis Mario. C’est la structure simple d’une narration qui clôture chacune des trames qu’elle a ouverte. Le héros libère la princesse, happy end. Le héros contre les projets du méchant et rideau. Mais nous l’avons vu plus haut MGSV place un miroir (Huey) sur le joueur pour casser cette idée du héros juste.

MGSV va casser ce code narratif sur les deux axes créant le courant que j’aime appeller le Post-Mario:

• Skullface n’est pas un boss. Il est impossible de se venger et même au sein de la cinématique relative à sa mort c’est Huey qui le tue en criant à la victoire.
• La mort de Skullface n’est pas une fin mais plutôt le début de la fin pour Diamond Dogs. C’est le point que je vais développer.

Par ces moyens, Kojima espère provoquer un sentiment de « non accomplissement » chez le joueur, une sorte de douleur fantome. Il le prive de son but et le pousse à poursuivre malgré tout dans un chapitre 2 qui diffère du premier dans sa structure. Le joueur, toujours juste et vertueux et à l’image d’Huey, va donc reporter sa « douleur » sur d’autres éléments. Le jeu, Konami, Kojima, un peu tout ce qui passe sous la main (et je sais malheureusement de quoi je parle ayant été l’un d’entre eux).

En plus de pouvoir casser les codes du jeu vidéo, le chapitre 2 du jeu qui est injustement jugé incomplet, va permettre à Kojima de montrer à son joueur comment fonctionne réellement le monde d’un point de vue politique.

Laugh and grow fat!

Dès le moment ou Skullface meurt on comprends que quelque chose ne va pas aller. S’il faut bien avoir une chose en tête c’est que Skullface disparait sans avoir jamais vraiment existé au yeux du monde. Sahelanthropus a été stoppé avant de faire le spectacle attendu. Il reste donc deux souches Anglaises de parasites dans la nature mais ni l’URSS ni les USA n’ont l’information sur ces données. Seuls XOF est au courant et continue d’exister au sein de Cipher.

Venom va donc méler son destin à celui de Skullface et compléter sa mission jusqu’au bout. A sa mort, Big Boss héritera de l’ensemble en bout de course en se dressant face à Cipher.

Si le premier chapitre est une course pour obtenir des informations, le second chapitre est une course pour retenir les fuites de ces informations. Diamond Dogs hérite des projets de Skullface et de la responsabilité envers le monde qui en découle. En effet la première mission qui suit la mort de Skullface est de retrouver un agent de la CIA disposant d’informations sur les parasites. Impossible de laisser cette technologie tomber entre de mauvaise mains. La suivante concerne les travaux de Code Talker à récupérer avant Cipher. Ensuite il faut récupérer les données concernant l’Homme en feu et le troisième garçon avant le KGB. Le problème c’est que cela ne s’arrête pas et que dans le même temps les SMP rivales prennent du poids. Diamond Dogs se trouve ainsi coincé à colmater les fuites d’informations (comme Skullface avant lui) au milieu d’une course aux ressources entre SMP.

La structure du chapitre 2 est bien moins linéaire et va donc poser un problème aux joueurs. En effet certaines missions du jeu ont des conditions préalables pour être disponibles. Par exemple pour débloquer la mission 41 vous devrez accomplir la mission 38 ainsi que les missions secondaires 147, 148 et 149. La mission 38 étant débloquée grâce à la mission 35 mais aussi l’opération secondaire 113 ainsi qu’une mission de votre choix. Ce système est volontaire, il permet de mettre en place une routine mais aussi une fatigue. Accéder à la fin du jeu devient donc un véritable travail qui consiste à accepter des missions pour grossir et débloquer d’autre morceaux de l’histoire, lentement, difficilement. Vous pouvez même manquer des arcs complets pourtant indispensable à une bonne compréhension du jeu.

Vu sous cet angle il est donc normal que beaucoup de joueurs aient abandonné durant le second chapitre car la structure est orientée pour décourager. Le fun, l’histoire du héros, laisse la place à un véritable travail. Presque fastidieux mais heureusement MGSV dispose d’un gameplay très solide et varié. Beaucoup de personages que nous avons réunis durant le chapitre 1 nous quitterons dans le chapitre 2. Si Diamond Dogs veut survivre et maintenir sa capacité à protéger le monde de l’héritage de Skullface, il lui faut grossir et construire de nouvelles bases, recruter du nouveau personnel, récupérer de nouveaux véhicules, etc. Hideo Kojima dépasse, avec ce chapitre 2, le cadre du divertissement pur. Là où habituellement la structure narrative porte le message, c’est la structure du jeu en lui même qui va le délivrer.

Le nom de la mission 41 porte bien cette idée: Une guerre sans fin par procuration.

Mais plus encore! Vu sous cet angle la boucle de gameplay complete d’MGSV prends du sens. S’inflitrer, recruter, grossir, obtenir du matériel,… tout sert un but depuis le début. Il ne s’agit pas d’un gadget pour le fun uniquement. Le gameplay se rattache au propos jusqu’au bout dans cette ambition de croitre, débloquer le scénario et se retrouver coincé entre héritage maudit et économie de guerre.

Les moyens qui servaient les objectifs vont lentement devenir eux même l’objectif.

Dans ce contexte et avec le schéma où le joueur dirige une SMP qui doit maintenir sa position parmis d’autres SMP, MGSV propose un multijoueur au sein duquel les joueurs peuvent attaquer la base d’autres joueurs. Loin d’être anodin, il constitue l’ouverture finale du jeu pour boucler avec la saga, avec Metal Gear.

La chute désignée: la douleur fantome

Si Kojima nous rappelle qu’il ne s’agit pas d’MGS5 mais bien d’MGSV c’est parce que le jeu se pose non pas comme une suite mais comme une convergeance. Deux morceaux d’une saga qui se rejoignent. Deux destins qui partagent une même légende.

L’histoire de V ne fini jamais vraiment. Nous savons où celà abouti dans Metal Gear mais pour autant cet espace n’est jamais complètement comblé par le jeu. Plusieurs constats s’imposent donc pour expliquer ce que beaucoup considèrent comme un jeu qui n’est pas fini.

Commençons par simplement définir la situation finale du jeu. Une SMP ayant contribuée à diverses guerres pour divers intérêts à travers le monde hérite des connaissances liées à une arme biologique, d’un tank bipède érigé en statue, d’une puissance militaire vouée à la croissance infinie et potentiellement de deux tâches divergeantes en fonction des joueurs:

• la construction d’armes nucléaires comme moyen de dissuasion envers les joueurs. En effet, une des règles du jeu veut que disposer d’une force nucléaire immunise contre les intrusions des rivaux (sauf pour les joueurs remplissants des conditions de points de héros) au prix de points de démon.
• le démantèlement d’armes nucléaires dont la récompense est obtenue par l’effort commun. Il s’agit de la fin ultime de la saga à mon sens pour son message anti-nucléaire.

Dans les deux cas Diamond Dogs devient avec le temps une puissance militaire imposante et une menace pour les puissances mondiales. Il n’y a donc rien de surprennant à ce que l’opinion publique un jour ou l’autre se penche sur eux.

Cela me conduit au second constat. Cipher possède toujours plus de contrôle sur les Etats-unis et son outil de contrôle que sont les IA commence à faire son travail de sélection de l’information. Des individus se construisent dans un groupe social et prennent des décisions sur la base d’informations choisies, présentées sous un angle défini. Ces personnes manipulées élisent des représentants qui défendent les valeurs ainsi acquises et perpétuent le cycle. Une chambre d’écho de la taille d’une nation.

Par le contrôle de l’information Cipher contrôle donc le contexte, peut écrire l’histoire et donner une direction au futur: Unir le monde en exportant sa culture. Exporter ses valeurs sociales via des entreprises privées comme Mc Donald, Coca Cola, General Motors, Apple, Microsoft, Facebook,… Via des séries télévisuelles ou l’industrie du cinéma comme Holywood ou Disney. Une exportation aussi par le conflit comme nous avons pu le voir dans MGSV.

C’est ainsi qu’en 1945, 57% des Français pensaient que l’URSS avait le plus contribué à la guerre contre 23% en 2015. Pour les Etat-unis au contraire le chiffre est de 20% en 1945 contre 54% en 2015. (Source Ifop)

L’amplification de l’exceptionnalisme Américain par le système PATRIOTS conduit donc les Etats-Unis à intervenir envers les SMP. Il conduit nécessairement à déclarer Diamond Dogs comme une menace pour la paix dans le monde et, en réaction, Venom à fonder Outer Heaven dans une lutte contre Cipher et son système de contrôle. Ironique après avoir détruit Skullface et ses plans.

MGS3 construisait la légende de Big Boss sur les cendre de celle de The Boss. MGSV transforme la légende en terroriste tel qu’on peut le découvrir dans les opus qui suivent. Ce cycle se poursuit… après tout il n’y a de la place que pour un seul Snake? Non…

On peut rapprocher les faits de notre réalité. Je prends d’énormes pincettes ici mais il me faut malgré tout l’aborder sans pour autant comparer les situations.

Il faut se souvenir de l’époque durant laquelle Ben Laden était présenté comme un agent de la paix dans la presse. De l’époque où les Etats-Unis financaient sa lutte aveuglément pour remporter une victoire face au bloc Soviétique alors même que certains Moudjahidines comme le commandant Massoud ont refusé de colaborer avec lui et ont ultérieurement combattu contre les talibans à la tête de l’Alliance du Nord.

Ces années de soutiens et de lutte n’ont pas sorti l’Afghanistan de la guerre civile. Les Etats-Unis étants prêts à tout pour déstabiliser la région soutiennent le Pakistan qui soutiennent, eux, les talibans. Cela conduit en 1996 à l’instauration au pouvoir du mollah Omar après la conquète presque complète du pays par les talibans. La secrétaire d’état Américaine du moment, Madeleine Albright, va jusqu’à déclarer que c’est « un pas positif ».

En 2001, la destruction des Bouddha de Bâmiyân inscrites au patrimoine mondial de l’UNESCO émeut la communauté internationale. Le Pakistan dénonce la politique extrémiste des talibans qu’ils ont soutenu bien des années. La même année le commandant Massoud est assassiné et deux jours plus tard les attentats du 11 septembre ont lieu.

Bien qu’il ne soit pas nécessaire au réçit, il n’est donc pas étonnant de trouver dans le DLC coupé Kingdom of the flies une image finale montrant le World Trade Center et faisant directement référence aux attentats du 11 septembre 2001. La catchphrase de Liquid « Not yet. It’s not over yet » indiquant que le cycle de la vengeance se perpétue inéxorablement. La statue de la liberté symbolisant l’idée de l’exceptionnalisme Américain, la liberté à apporter dans le monde.

Un objectif de libération qui prendra place… en Afghanistan. Dans une guerre contre le terrorisme en 2001 et un revirement complet de la politique internationale Américaine face à Al-Qaïda et aux talibans.

On comprends donc aussi l’une des symboliques dans le choix du nom du prologue: Ground Zeroes. Ground Zero désignant, depuis les attentats du 11 septembre 2001, l’ancien emplacement du World Trace Center.

La douleur fantôme vue par MGSV se situe au final à deux niveaux:

• Historique, géopolitique et idéologique
• Individuel, physique et psychologique

Il s’agit donc de cette idée d’une histoire qui disparait lorsque le monde s’applique à tordre les faits sous un angle qui fait disparaitre les nuances et les points de vue. C’est l’histoire qui disparait lorsque la position de dominance permets à une nation de partir en croisade et définir des causes justes en justifiant de moyens douteux. Une histoire fantôme qui change avec le temps en fonction des intérêts.

Au niveau individuel on pourrait le résumer aux petits bouts de nous même que nous perdons à force de compromis et de justifications. Ces morceaux de nous que l’on fait taire pour s’intégrer dans un conformisme toujours plus grand en se divisant dans des groupes toujours plus petits. C’est l’identité perdue des individus sous l’influence d’une société guidée par des systèmes d’informations biaisés et d’influences diverses.

Venom Snake, le joueur et un espace vide

Si toute l’histoire d’MGSV raconte comment une légende devient un terroriste et semble finir négativement, je pense pourtant que sa structure transmet un message positif. La force d’MGSV c’est Venom, un autre sens symbolique au V de cet opus.

Venom est un démon, un ancien médecin de guerre dans lequel on a forcé la psyché de Big Boss. Autrement dit: le fan et son expérience. C’est un être hybride qui a ses douleurs propres tout en acceuillant celles du joueur. Bien qu’il soit relativement peu loquace pour laisser de la place aux joueurs, il aura surtout ses propres démons et intentions. L’arc de Paz étant à mon sens révélateur de son identité première et du conflit interne qui le ronge.

L’idée c’est que Venom n’est ni complètement Big Boss ni tout à fait le joueur. Il prend sur son dos une légende, l’accepte, et l’interprétation du joueur sur les évenements viendra lui donner un degré de liberté d’action. En revanche le médecin en lui, le recul qu’il prends par rapport au joueur en lui, tendra à s’exorciser au travers des choix qu’il prends seul. Par exemple, prendre le joueur à contrepied avec le procès de Huey, accepter les réprimandes de ce dernier après la mission 43 ou sauver les enfants de la mine. Tous ces choix qui contrastent avec l’idée d’une « descente aux enfers » factuelle de Big Boss.

Dans cette absence de fin, ce grand espace libre, le joueur devient lui même Big Boss et prends sur lui le poid de l’ensemble. Cette division entre Venom et le joueur montrée symboliquement dans la cinématique de fin de la mission 46 est pour moi le symbole de l’ambition du jeu. Une thérapie du miroir dans lequel le joueur peut sentir son « degré d’infection », comprendre les rouages de l’histoire et redéfinir ce qu’il pense du monde et de lui même.

Venom, ayant absorbé l’héritage de Skullface, disparait de l’histoire pour se confondre dans la légende de Big Boss. Je vous rappelle l’idée du V, la convergeance des destins, présente sur le logo du jeu. De ce point de vue, MGSV boucle bien la saga. En revanche, le jeu reprends également son cycle infini et de ce point de vue, le jeu ne boucle finalement jamais.

Le V convergeant peut donc tout autant être pris comme un V divergeant sous l’angle de ces deux « fins » qui vivent en même temps. Mais aussi signifier la séparation entre la saga et le joueur. Une issue pour lui à ce cycle.

Le fait que MGSV conclue sur une zone floue, un espace infini qui ne boucle jamais intégralement avec Metal Gear permet de laisser son joueur en cours de route dans le cycle des FOB. Mais à la différence de beaucoup d’histoires de vengeance, The Phantom Pain ne termine pas vraiment sur la très classique et plate vacuité de nos actes. La vacuité est un constat et Kojima propose de la dépasser dans la ligne directe de l’existentialisme de Sartre.

Dans ce système il pourra faire son choix idéologique entre la dissuasion et oeuvrer pour la dénucléarisation. C’est une lutte entre plusieurs visions du monde:

• Les pessimistes qui pensent qu’il est impossible de s’accorder et que le meilleurs choix est donc de se protéger
• Les optimistes qui pensent qu’il est nécessaire d’oeuvrer pour la paix
• Ceux qui naviguent entre les deux qui simplement ne produisent ni d’arme nucléaire ni n’en démantèlent

Le joueur peut donc faire l’expérience de cette alchimie naturelle du monde qui rends complexe les relations entre les pays, les ethnies, les coyances et de fait la dénucléarisation du monde. Il donne du poid au terme « effort de paix ».

MGSV ne donne pas la réponse à la question « que faut il faire? » ou « que faut il penser? ». Kojima propose à son joueur d’en faire l’expérience et d’y réfléchir lui même, d’extraire sa propre vérité dans tout cela. Puisque cette course ne fait pas de sens, à chacun d’en donner un à son existence. A chacun d’affronter le monde et de faire son propre diagnostic sur son identité et sa raison de vivre.

MGSV est donc une oeuvre qui dépasse son statut de jeu. Il entre dans ma conception du Post-Mario pour transmettre à son joueur une expérience qui vivra avec lui. A l’image d’un chapitre 3: Peace qui n’existe pas car c’est à lui de le batir.

« A partir de maintenant, tu es Big Boss« , dans cet espace vide « Demain est entre tes mains« 

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